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Art Contemporain - De L'Après-Guerre À Nos Jours

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GEN PAUL (1895-1975) Clowns musiciens Gouache, signed lower right 64 x 48.5 cm 19 15/16 x 25 3/16 in. We thank the Gen Paul Committee for including this work in its documentation. Clowns musiciens have a similar but even more colourful style. The clothing’s colourful motifs seem to escape from the fabrics into the air. They even seem to emanate from the instruments. The animation also seems to have escaped from its material support: the violinist's face seems to have emptied| only his glowing expression remains. Corrida and Quatuor à cordes are bustling with colours and movement. The brushs- trokes are short, furtive and go in all directions, suggesting dyna- mic movements, but follow a precise rhythm. It is so lively in places that the colours seem to melt into grey shadows.

GEN PAUL (1895-1975) Clowns musiciens Gouache, signée en basà droite Gouache, signed lower right 64 x 48.5 cm 19 15/16 x 25 3/16 in. Nous remercions le Comité Gen Paul d’avoir inclus cette oeuvre dans sa documentation. Clowns musiciens suivent un style similaire, mais regorgent encore davantage de couleurs. Les motifs bariolés de leurs vêtements semblent s’échapper des tissus et envahir l’atmosphère. Ils paraissent même émaner des instruments. L’animation semble de plus s’échapper de son support matériel : le visage du violoniste paraît s’être vidé, et n’avoir gardé que son expression faciale pétillante. Corrida et Quatuor à cordes offrent une effervescence de couleurs et de gestes. Les coups de pinceaux sont brefs, furtifs, dans toutes les directions, suggérant des mouvements dynamiques, mais suivant un rythme précis. Le bouillonnement est tellement vif par endroit qu’il semble faire fondre les couleurs en ombres grises.

GEN PAUL (1895-1975)

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GEN PAUL (1895-1975) Corrida Gouache, signed upper right  19 15/16 x 25 3/16 in. We thank the Gen Paul Committee for including this work in its documentation.

GEN PAUL (1895-1975) Corrida Gouache, signée en haut à droite Gouache, signed upper right 48.5 x 64 cm 19 15/16 x 25 3/16 in. Nous remercions le Comité Gen Paul d’avoir inclus cette oeuvre dans sa documentation.

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Wang Keping (né en 1949) Sans titre, circa 1998 Wood, signed on reverse 21 x 24.5 cm 8 1/4 x 9 5/8 in. We thank Ms. Aline Wang, daughter of the artist Wang Keping, for kindly confirming the authenticity of this work. PROVENANCE Offered by the artist to the current owner Private collection, Paris

Wang Keping (né en 1949) Sans titre, circa 1998 Bois, signé au dos Wood, signed on reverse 21 x 24.5 cm 8 1/4 x 9 5/8 in. Nous remercions Madame Aline Wang, fille de l’artiste Wang Keping, de nous avoir aimablement confirmé l’authenticité de cette oeuvre. PROVENANCE Offert par l’artiste à l’actuel propriétaire Collection privée, Paris

Wang Keping (né en 1949)

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GEN PAUL (1895-1975) Femme assise au chapeau Criolor signed lower right 64 x 48.5 cm 19 15/16 x 25 3/16 in. We thank the Gen Paul Committee for including this work in its documentation.

GEN PAUL (1895-1975) Femme assise au chapeau Criolor, signée en bas à droite Criolor signed lower right 64 x 48.5 cm 19 15/16 x 25 3/16 in. Nous remercions le Comité Gen Paul d’avoir inclus cette oeuvre  dans sa documentation.

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GEN PAUL (1895-1975) Clown saxophoniste Gouache and criolor, signed upper right 31 x 20 cm 12 1/4 x 7 7/8 in. PROVENANCE Private collection, Dubaï We thank the Gen Paul Committee for including this work in its documentation.

GEN PAUL (1895-1975) Clown saxophoniste Gouache et criolor, signée en haut à droite Gouache and criolor, signed upper right 31 x 20 cm 12 1/4 x 7 7/8 in. PROVENANCE Collection privée, Dubaï Nous remercions le Comité Gen Paul d’avoir inclus cette oeuvre dans sa documentation.

Joan MIRO (1893 - 1983) Je travaille comme un jardinier, Paris,XXe siècle, 1963. In-folio en feuilles, couverture et étui-boîte illustrés. Propos de l'artiste recueillis en janvier 1959 par Yvon Tallandier pour la revue XXe siècle. Édition ornée de 9 lithographies originales en couleurs de Joan Miró (une sur l'étui-boîte, une sur la couverture et 7 à pleine page). Tirage à 145 exemplaires, celui-ci l'un des 20 hors commerce réservés aux collaborateurs sur papier vélin BFK de Rives (n° XV), signé par Joan Miró. 44 x 35.5 x 3.8 cm In-folio sheets, cover and case-box illustrated. Says of the artist collected in january 1959 by Yvon Tallandier for the journal XXe siècle. Edition orned by 9 original colored ithographs by joan Miro (one on the case-box, one on the cover and seven on full page). Printed in 145 copies, this one is one of the 20 off-market reserved to the collaborators on wove-paper BFK de Rives (n° XV), signed by Joan Miro. 44 x 35.5 x 3.8 cm 17 1/4 x 14 x 1 1/2 in. BIBLIOGRAPHIE Cramer 85 PROVENANCE Collection privée, Dubaï

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Roland CHANCO (1914-2017) Peintre et modèle, 1972 Mixed media on canvas, signed upper right, dated, titled, numbered 1283 on reverse 130 x 97 cm 51 3/16 x 38 3/16 in. Bibliography Work included in Sandrine Cylver, Catalogue raisonné, Peintures : 1928 - 1998, Paris, 2000, Editions Cercle d'art Tome 1, p. 263, n° 986 PROVENANCE Private collection, France

Roland CHANCO (1914-2017) Peintre et modèle, 1972 Technique mixte sur toile, signée en haut à droite, datée, titrée, numérotée 1283 au dos Mixed media on canvas, signed upper right, dated, titled, numbered 1283 on reverse 130 x 97 cm 51 3/16 x 38 3/16 in. BIBLIOGRAPHIE OEuvre incluse dans Sandrine Cylver, Catalogue raisonné, Peintures : 1928 - 1998, Paris, 2000, Editions Cercle d’art Tome 1, p. 263, n° 986 PROVENANCE Collection privée, France

Roland CHANCO (1914-2017)

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THEO TOBIASSE (1927-2012) La danseuse et le coq noir, 1968 Oil on canvas, signed on the center left, dated on the upper center and titled lower right 55 x 46 cm 21 11/16 x 18 1/8 in. We thank Mrs Catherine Faust-Tobiasse for having kindly confirmed the authenticity of this work. PROVENANCE Private collection, Dubaï Théo Tobiasse Born 1927 in Jaffa, Palestine during the British mandate, Théo Tobiasse is a French painter, engraver, illustrator and sculptor. His mother’s death, followed by the outbreak of the Second World War, the German occupation of Paris, wearing the yellow star and being expleed from the École nationale supérieure des arts décoratifs on racial grounds, upended his life. In 1961 he won the "prize for young Mediterranean painting". Armand Drouant offered him a first contract and showed his works at the Galerie du Faubourg Saint-Honoré in Paris in 1962. Many exhibitions were devoted to him worldwide, from Paris at the Drouant Gallery to Geneva, Montreal, Tokyo, London, Zurich, Lausanne, Los Angeles, Kiev and, finally, his first solo show in New York. All My Life I Have Carried a Caravan in My Belly is emblematic of the artist’s whimsical, childlike world combining laughter and tears, sun and darkness, in the context of extraordinary hope. The characters in this delightful, childlike scene look radiant yet astonishingly grotesque, even nightmarish The Dancer and the Black Rooster also features ambivalence between a magical imaginary world and anguish. The gap between the motifs’ naivety, the girl's smile and her disturbing deformity, combined with thick layers of dark paint, make the mood oppressive but surprisingly revealing of Tobiasse's story.

THEO TOBIASSE (1927-2012) La danseuse et le coq noir, 1968 Huile sur toile, signée à gauche au centre, datée en haut au centre et titrée en bas à droite Oil on canvas, signed on the center left, dated on the upper center and titled lower right 55 x 46 cm 21 11/16 x 18 1/8 in. Nous remercion Madame Catherine Faust-Tobiasse d’avoir aimablement confirmé l’authenticité de cette oeuvre. PROVENANCE Collection privée, Dubaï Théo Tobiasse Théo Tobiasse, né en 1927 à Jaffa en Palestine mandataire, est un artiste peintre, graveur, dessinateur et sculpteur français. La mort de sa mère, suivie du déclenchement de la Seconde Guerre mondiale, Paris sous l'Occupation allemande, le port de l’étoile jaune et son inscription à l’École nationale supérieure des arts décoratifs refusée pour raisons raciales, bouleversent sa vie. Il est lauréat en 1961 du « prix de la jeune peinture méditerranéenne », Armand Drouant lui propose un premier contrat et l’expose à la Galerie du Faubourg Saint-Honoré à Paris en 1962. De nombreuses expositions lui sont dédiées dans le monde entier, à Paris à la galerie Drouant, à Genève, Montréal ou Tokyo, puis Londres, Zurich, Lausanne, Los Angeles, Kiev, et enfin, une première exposition personnelle à New York J’ai porté toute ma vie une roulotte dans mon ventre est emblématique de l’univers fantastique et enfantin de l’artiste, mêlant rires et larmes, soleil et ténèbres, sous-tendues par un extraordinaire espoir de vivre. La scène est merveilleuse et enfantine, les personnages sont radieux, alors même qu’ils sont étonnamment grotesques, voire cauchemardesques. La danseuse et le coq noir reprend cette ambivalence, entre imaginaire féerique et angoissant. Le décalage entre la naïveté des motifs, le sourire de la jeune fille et leur difformité inquiétante, ajoutée aux épaisses couches de peinture sombre, rendent l’atmosphère oppressante, mais étonnamment révélatrice de l’histoire de Théo Tobiasse.

THEO TOBIASSE (1927-2012)

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THEO TOBIASSE (1927-2012) Un oiseau musicien Oil on canvas, signed lower right, titled on reverse 27 x 22 cm 10 5/8 x 8 5/8 in. We thank Mrs Catherine Faust-Tobiasse for having kindly confirmed the authenticity of this work. PROVENANCE Galerie S. Montauti, Nice Private collection, Nice

THEO TOBIASSE (1927-2012) Un oiseau musicien Huile sur toile, signée en bas à droite, titrée au dos Oil on canvas, signed lower right, titled on reverse 27 x 22 cm 10 5/8 x 8 5/8 in. Nous remercion Madame Catherine Faust-Tobiasse d’avoir aimablement confirmé l’authenticité de cette oeuvre. PROVENANCE Galerie S. Montauti, Nice Collection privée, Nice

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THEO TOBIASSE (1927-2012) Massada Bronze, titled, signed and stamped Guyot fondeur 25 x 25.5 cm 10 x 10 in. We thank Mrs Catherine Faust-Tobiasse for having kindly confirmed the authenticity of this work. PROVENANCE Private collection, Nice

THEO TOBIASSE (1927-2012) Massada Cruche en bronze, titrée, signée et marqué du cachet fondeur Guyot fondeur Bronze, titled, signed and stamped Guyot fondeur 25 x 25.5 cm 10 x 10 in. Nous remercion Madame Catherine Faust-Tobiasse d’avoir aimablement confirmé l’authenticité de cette oeuvre. PROVENANCE Collection privée, Nice

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MAHIEDDINE BAYA (1931-1998) Musicenne et danseuses aux oiseaux, 1975 Gouache and watercolor on paper, signed and dated lower right 99.5 x 148.5 cm à vue 39 3/8 x 58 11/16 in. Mahieddine Baya Born in the Algiers region, Mahieddine Baya (1931-1998) had an atypical life and career. Her early talent immediately drew notice and at the age of 16, in 1947, she exhibited at the Maeght Gallery. She met the greatest artists in Paris, including Braque and Picasso. In the 1950s, Baya devoted herself to her family, taking up painting again only in 1963. Her talent and inspiration remained intact and exhibitions were devoted to her work, notably in 1963 at the Museum of Fine Arts in Algiers and 1964 at the Museum of Decorative Arts in Paris. Until the end of her life, Baya took part in exhibitions worldwide, from France to North Africa, Japan and Cuba. The works presented here are perfectly in line with her style, which is related to Art Brut and recalls the oriental imagination. She depicted wonderful houses and gardens, often with dancing women, marvellous flowers and rare birds. Her paintings feature shimmering, immediately recognisable colours including indigo blues, bright yellows, pinks and greens.

MAHIEDDINE BAYA (1931-1998) Musicenne et danseuses aux oiseaux, 1975 Gouache et aquarelle sur papier, signée et datée en bas à droite Gouache and watercolor on paper, signed and dated lower right 99.5 x 148.5 cm à vue 39 3/8 x 58 11/16 in. Mahieddine Baya Née dans la région d’Alger, Mahiedddine Baya (1931 – 1998) connaîtra une vie et une carrière atypiques. Son talent précoce est immédiatement remarqué et dès ses seize ans, en 1947, elle est exposée à la galerie Maeght. Elle rencontre ainsi les plus grands noms du milieu artistique parisien, parmi lesquels Braque et Picasso. Dans les années 1950, Mahieddine Baya se consacre à sa famille et ne reprend la peinture qu’en 1963. Son talent et son inspiration sont demeurés intacts et des expositions lui sont consacrées, notamment en 1963 au Musée des Beaux-arts d’Alger et en 1964 au Musée des Arts Décoratifs de Paris. Jusqu’à la fin de sa vie, Mahieddine Baya participera à des expositions partout dans le monde, autant au Maghreb qu’en France, au Japon ou encore à Cuba. Ces œuvres de Mahieddine Baya s’inscrivent parfaitement dans son style apparenté à l’art brut qui rappelle au spectateur l’imaginaire oriental. L’artiste représente des maisons et des jardins féériques, parcourus par des femmes souvent dansantes, des fleurs merveilleuses et des oiseaux extraordinaires. Ses peintures mêlent des couleurs chatoyantes et immédiatement repérables parmi lesquelles des bleus indigo, des jaunes vifs, des roses et des verts éclatants.

MAHIEDDINE BAYA (1931-1998)

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MAHIEDDINE BAYA (1931-1998) Femmes et mandolines, 1979 Mixed media on paper, signed and dated in the center 98.5 x 148 cm à vue 8 3/4 x 58 1/4 in. PROVENANCE Private collection, Neuilly-sur-Seine

MAHIEDDINE BAYA (1931-1998) Femmes et mandolines, 1979 Technique mixte sur papier, signée et datée au centre Mixed media on paper, signed and dated in the center 98.5 x 148 cm à vue 8 3/4 x 58 1/4 in. PROVENANCE Collection privée, Neuilly-sur-Seine

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MAHIEDDINE BAYA (1931-1998) Danseuse, 1978 Gouache on paper, signed and dated on the lower center 67 x 61 cm 26 3/8 x 24 in.

MAHIEDDINE BAYA (1931-1998) Danseuse, 1978 Gouache sur papier, signée et datée en bas au centre Gouache on paper, signed and dated on the lower center 67 x 61 cm 26 3/8 x 24 in.

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MAHIEDDINE BAYA (1931-1998) Femmes au jardin, 1990 Mixed media on paper, signed and dated in the center, countersigned on reverse 99 x 74 cm 39 x 29 in.

MAHIEDDINE BAYA (1931-1998) Femmes au jardin, 1990 Technique mixte sur papier, signée et datée au centre, contresignée au dos Mixed media on paper, signed and dated in the center, countersigned on reverse 99 x 74 cm 39 x 29 in.

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MAHIEDDINE BAYA (1931-1998) Deux musiciennes, 1969 Mixed media on paper, gouache and watercolor, signed and dated lower left 99.5 x 148.5 cm 39 1/8 x 58 1/2 in.

MAHIEDDINE BAYA (1931-1998) Deux musiciennes, 1969 Technique mixte sur papier, gouache et aquarelle, signée et datée en bas à gauche Mixed media on paper, gouache and watercolor, signed and dated lower left 99.5 x 148.5 cm 39 1/8 x 58 1/2 in.

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PINO PASCALI (1935 - 1968) Bazooka, 1964 Tempera and mixed media on cardoard, titled lower left 22 x 99 cm 8 1/2 x 39 in. This work is authenticated on the back by Sandro Lodolo. PROVENANCE Vente Sotheby's, 26 novembre 2008 Private collection, Paris Pino Pascali Born 1935, Pino Pascali is an Italian artist associated with the Arte Povera movement. At first he worked as a set and graphic designer, experimenting with new materials. From 1960 to 1964, he made “new-dada” works and in 1965 exhibited at the Galleria Ferrari in Verona, where, with Mario Ceroli, he was dubbed “the rising star of Italian art”. Memories of wartime Albania led him to create works based on the theme of weapons, which were exhibited at the Galleria Sperone in Turin in 1966. Bazooka is one of them. As a member of the Arte Povera movement, Pascali gives special importance to the choice of medium, which is significant here. The rectangular piece of cardboard stresses the weapon’s verticality and length. The perfection of the details and inscriptions in the background form a meticulous frieze, recalling the style of advertising at the time. In 1967 Pascali became a pioneer of the Arte Povera (“poor art”) movement, which challenged the cultural industry and consumer society based on the model of guerrilla warfare. The creative process involved minimal means and aimed to give significance to ordinary objects. The movement is mostly nomadic and elusive. Pascali received the International Sculpture Prize at the 34th Venice Biennial in 1968.

PINO PASCALI (1935 - 1968) Bazooka, 1964 Tempera, acrylique et crayon sur carton, titrée en bas à gauche Tempera and mixed media on cardoard, titled lower left 22 x 99 cm 8 1/2 x 39 in. Cette oeuvre est authentifiée au dos par Sandro Lodolo. PROVENANCE Vente Sotheby's, 26 novembre 2008 Collection privée, Paris Pino Pascali Pino Pascali, né en 1935, est un artiste italien associé au mouvement de l'Arte Povera. Il travaille d’abord comme scénographe et graphique en expérimentant de nouveaux matériaux pour son parcours artistique. De 1960 à 1964, il réalise des œuvres « new-dada », et en 1965, il expose à la Galleria Ferrari de Vérone où il est défini, avec Mario Ceroli, comme « l’astre naissant de l’art italien ». En 1966, à la Galleria Sperone de Turin, les souvenirs de guerre en Albanie lui inspirent une exposition centrée sur le thème des armes. L’œuvre Bazooka s’inscrit dans ce contexte. A l’image du mouvement Arte Povera, l’artiste accorde une importance particulière au choix du support, qui n’est ici pas anodin. La pièce de carton rectangulaire met en valeur la verticalité et la longueur de l’arme. La perfection des détails et des inscriptions en fond une frise minutieuse, rappelant le style des frises publicitaires de l’époque. Pino Pascali devient depuis 1967 un des premiers pionniers du mouvement Arte Povera, « art pauvre », qui consiste à défier l’industrie culturelle, et plus largement la société de consommation, selon le modèle de la guérilla. L’activité artistique privilégie le processus de création, se concentre sur un minimum de moyens et vise à donner sens à des objets communs. Ce mouvement artistique se veut surtout nomade et insaisissable. Pino Pascali obtient enfin le Prix international de la sculpture à la 34e Biennale de Venise en 1968.

PINO PASCALI (1935 - 1968)

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ENRICO CASTELLANI (1930-2017) Estroflessione, 1968 Thermoformed plastic 29.5 x 29.5 cm 11 5/8 x 11 5/8 in. It includes Revue Azimuth, n°2, 1960, a cura di Enrico Castellani - Piero Manzoni Piero Manzoni, an exhibition catalogue, No. 474, Stedelijk Museum Amsterdam, 13 March to 26 April 1970 Enrico Castellani, exhibition catalogue, Albert Totah Gallery, 1987 Enrico Castellani Pittore, catalogue,  Achille Mauri Editore, with original packaging 3 flyers and a postcard

ENRICO CASTELLANI (1930-2017) Estroflessione, 1968 Plastique thermoformé Thermoformed plastic 29.5 x 29.5 cm 11 5/8 x 11 5/8 in. On y joint Revue Azimuth, n°2, 1960, a cura di Enrico Castellani - Piero Manzoni Piero Manzoni, un catalogue d’exposition, n°474, Stedelijk Museum Amsterdam, 13 mars au 26 avril 1970 Enrico Castellani, catalogue d’exposition, Albert Totah Gallery, 1987 Enrico Castellani Pittore, catalogue,  Achille Mauri Editore, avec emballage d’origine 3 flyers et une carte postale

ENRICO CASTELLANI (1930-2017)

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JESÚS RAFAEL SOTO (1923-2005) La boîte, 1967 Screenprint in colors on plexiglas, dated, numbered, 62/100, marked with the edition Denise René stamp and signed on its base 34.5 x 34.5 x 10 cm 13 1/2 x 13 1/2 x 4 in. PROVENANCE Private collection, France JESÚS RAFAEL SOTO Born 1923 in Ciudad Bolivar, Venezuela, Jesús Rafael Soto is an emblematic figure in Op Art and kinetic art. He trained at the Plastic and Applied Arts School in Caracas and taught in Maracaibo before flying to Paris in 1950, remaining there for the rest of his life. His work is based on the viewer's visual perceptions and movement. He studied optical vibrations that modify space as well as the possibilities of colour and played with lines, shapes, background, foreground and all aspects of chromatic planes in order to induce movement in his works. In 1955 he took part in the "Movement" show at the Denise René gallery and exhibited his works alongside those of Marcel Duchamp, Alexander Calder and Victor Vasarely. This event is still deemed a turning point in kinetic art. In 1958 he created the first of his Vibraciones, paintings that produce optical effects when the viewer moves through a play of superimposed lines and geometric features. By the late 1960s his research on movement and perception had led him to his Penetrables, installations made of wires or flexible materials that are activated when the viewer passes by or interacts with someone else. Several shows have recently focused on Soto, including "Jesús Rafael Soto. A Retrospective" at the Soulages Museum in Rodez, France in 2015, "Soto. The Fourth Dimension" at the Bilbao Guggenheim Museum in 2019 and “Blue BBL Penetrable” at the Vuitton Space in Tokyo.

JESÚS RAFAEL SOTO (1923-2005) La boîte, 1967 Impression couleur sur plexiglas, datée, numérotée 62/100, marquée des éditions Denise René et signée sur sa base Screenprint in colors on plexiglas, dated, numbered, 62/100, marked with the edition Denise René stamp and signed on its base 34.5 x 34.5 x 10 cm 13 1/2 x 13 1/2 x 4 in. PROVENANCE Collection privée, France JESÚS RAFAEL SOTO Né en 1923 à Ciudad Bolivar au Vénézuela, Jesus Rafael Soto est un artiste emblématique de l’Op art et de l’art cinétique. Après avoir suivi une formation à l’Académie des Beaux-Arts de Caracas et avoir exercé en tant qu’enseignant à Maracaïbo, l’artiste s’envole pour Paris en 1950, il y restera toute sa vie. Son approche artistique se fonde sur les perceptions visuelles du spectateur et le mouvement. Il étudie les vibrations optiques qui modifient l’espace mais aussi les possibilités de la couleur. Il joue avec les lignes, les formes, l’arrière et l’avant-plan, tous les aspects des plans chromatiques afin d’induire un mouvement dans ses œuvres. Il participe en 1955 à l’exposition « Le Mouvement » de la galerie Denise René et expose ses œuvres aux côtés de celles de Marcel Duchamp, Alexander Calder et Victor Vasarely. Encore aujourd’hui cette exposition est considérée comme un moment clé pour l’art cinétique. Il créé ses premières « Vibraciones » en 1958, œuvres peintes qui produisent des effets optiques lorsque le spectateur se déplace grâce à un jeu de superposition de lignes et d’éléments géométriques. Vers la fin des années 1960, ses recherches du mouvement et de la perception évoluent et le mènent à ses « Penetrables », installations faites de fils métalliques ou en matériaux flexibles qui s’actionnent lorsque le spectateur passe ou interagit avec quelqu’un d’autre. Récemment, Jesus Rafael Soto s’est vu consacrer plusieurs rétrospectives. En 2015 le Musée Soulages à Rodez, France présente « Jesus Rafael Soto. Une rétrospective ». En 2019, il est représenté au

JESÚS RAFAEL SOTO (1923-2005)

JESÚS RAFAEL SOTO (1923-2005) La boite, 1967 Impression couleur sur plexiglass, datée, numérotée 62/100, marquée des éditions Denise René et signée sur sa base 34.5 x 34.5 x 10 cm - 13 1/2 x 13 1/2 x 4 in. Screenprint in colours on plexiglas PROVENANCE Collection privée, France

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Luc PEIRE (1916-1994) Etude 1565 - bleu, 1981 Oil on paper, signed, titled and dated on reverse 35 x 27 cm 14 3/4 x 10 5/8 in. We thank Mr. Marc Peire, archivist and administrator of the Jenny and Luc Peire Foundation, for having kindly confirmed the authenticity of this work. PROVENANCE Private collection, France BIBLIOGRAPHY PEIRE, Marc & SOETAERT, Els (2005), Luc Peire. Catalogue Raisonné of the Oil Paintings, Lannoo, Tielt, 2005, p. 300-301, N° 1317 + photo noir-blanc. PEIRE-VERBRUGGEN, Jenny & PEIRE, Marc (inleiding en annotaties) (2001), De ateliers van Luc Peire, Ludion, Gent-Amsterdam, 2001, p. 85. Ex collection: Galerie Giebel (Bernhard Giebel) Saarlouis (1987). EXHIBITION Nantes, Galerie Convergence Exposition ‘Luc Peire’, du 2 au 30 juin 1982

Luc PEIRE (1916-1994) Etude 1565 - bleu, 1981 Huile sur papier, signée, titrée, datée au dos Oil on paper, signed, titled and dated on reverse 35 x 27 cm 14 3/4 x 10 5/8 in. Nous remercions Monsieur Marc Peire, archiviste et administrateur de la Fondation Jenny et Luc Peire, de nous avoir aimablement confirmé l’authenticité de cette oeuvre. PROVENANCE Collection privée, France BIBLIOGRAPHIE PEIRE, Marc & SOETAERT, Els (2005), Luc Peire. Catalogue Raisonné of the Oil Paintings, Lannoo, Tielt, 2005, p. 300-301, N° 1317 + photo noir-blanc. PEIRE-VERBRUGGEN, Jenny & PEIRE, Marc (inleiding en annotaties) (2001), De ateliers van Luc Peire, Ludion, Gent-Amsterdam, 2001, p. 85. Ex collection: Galerie Giebel (Bernhard Giebel) Saarlouis (1987). EXPOSITION Nantes, Galerie Convergence Exposition ‘Luc Peire’, du 2 au 30 juin 1982

Luc PEIRE (1916-1994)

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Aurélie Nemours (1910-2005) Céphée, 1969 Oil on canvas, signed, dated and titled on reverse 92 x 73 cm 36 1/4 x 28 3/4 in. PROVENANCE Galleria Melesi, Italie Acquired by a former owner from the company around 1970. Vente Christie's, 11-12 décembre 2007 Private collection, Neuilly-sur-Seine Aurélie Nemours Born in 1910 in Paris, Aurélie Nemours was a French artist and painter. She quickly became interested in art and took Egyptian and Byzantine art classes at the Louvre school from 1929 onwards. In 1941 she enrolled at the Académie of André Lhote, after studies at the studio of the graphic artist Paul Colin. She exhibited for the first time at the Salon d'Art Sacré in 1946. Between 1948 and 1951, she regularly attended Fernand Léger's studio. Her meeting with the Belgian painter and art critic Michel Seuphor was decisive for her career as an artist. He introduced her to the work of Piet Mondrian, as yet unknown to her: a discovery that powerfully influenced her and encouraged her along the path to abstraction she had now chosen. Seuphor was also behind her first solo exhibition at Colette Allendy's in 1953, which was well received by the public at the time. She joined several artistic groups, notably the ESPACE group in France and the Mesure group in Germany. Through her work, Aurélie Nemours comprehensively demonstrated how, in her view, geometric abstraction was the artistic expression that most speakingly characterised the 20th century. As early as the 1960s, the square occupied a central place in her compositions. Cephea, the work we are presenting, takes us to the heart of this pivotal period in the artist's output. She created her works by orienting her painting towards horizontal and vertical lines in a real mathematical construction. She also worked on colour in a subtle way, on the vibrations of black and white and later on the monochromes she conceived as polyptychs. She aspired to a sense of monumentality and so d AC2021

Aurélie Nemours (1910-2005) Cepheus, 1969 布面油画，背面有签名、日期和标题 布面油画，背面有签名、日期和标题 92 x 73 cm 36 1/4 x 28 3/4 英寸。 证据 梅莱西画廊，意大利 前任主人于1970年左右从画廊获得。 佳士得拍卖会，2007年12月11日至12日 私人收藏，塞纳河畔诺伊夫 奥雷利-内穆尔(Aurélie Nemours) 奥雷利-内穆尔1910年出生于巴黎，是一位法国艺术家和画家。她从小就对艺术感兴趣，从1929年开始在卢浮宫学校学习埃及和拜占庭艺术。1941年，她在平面设计师保罗-科林的工作室接受了艺术培训后，进入安德烈-洛特学院学习。她于1946年首次在神圣艺术沙龙展出。1948年至1951年期间，她定期参加费尔南-莱热的工作室。她与比利时画家和艺术评论家米歇尔-修福尔的会面对她的绘画生涯具有决定性意义。Seuphor向她介绍了皮特-蒙德里安的作品，她当时并不认识他。这一发现对内马尔产生了明显的影响，鼓励她走抽象化的道路。Seuphor还负责在1953年在Colette Allendy's举办她的第一次个人展览。这次展览受到了公众的欢迎。该艺术家是几个艺术团体的成员，特别是法国的ESPACE团体和德国的Mesure团体。 通过她的作品，Aurélie Nemours充分展示了在她看来，几何抽象是最能体现20世纪特点的艺术表达方式。从20世纪60年代开始，广场在她的作品中占据了最重要的位置。我们正在展示的作品《Cephée》将我们带入艺术家创作中这一关键时期的核心。一个真正的数学结构，她通过将她的绘画面向水平和垂直线来创造她的作品。她还从事 AC2021

Aurélie Nemours (1910-2005)

Aurélie Nemours (1910-2005) Céphée, 1969 Huile sur toile, signée, daté et titrée au dos Oil on canvas, signed, dated and titled on reverse 92 x 73 cm 36 1/4 x 28 3/4 in. PROVENANCE Galleria Melesi, Italie Acquise par un ancien propriétaire auprès de celle-ci vers 1970 Vente Christie's, 11-12 décembre 2007 Collection privée, Neuilly-sur-Seine Aurélie Nemours Née en 1910 à Paris, Aurélie Nemours est une artiste et peintre française. Elle s’intéresse très tôt à l’art et suit des cours d’arts égyptiens et byzantins à l’école du Louvre à partir de 1929. Elle s’inscrit en 1941 à l’Académie d’André Lhote, après avoir suivi une formation artistique dans l’atelier du graphiste Paul Colin. Elle expose pour la première fois au Salon d’art Sacré en 1946. Entre 1948 et 1951, elle fréquente régulièrement l’atelier de Fernand Léger. Sa rencontre avec le peintre et critique d’art belge, Michel Seuphor, est décisive pour sa carrière de peintre. Ce dernier lui fait découvrir l’œuvre de Piet Mondrian qu’elle ne connaissait pas encore. Cette découverte aura une influence marquante sur Nemours et l’encouragera dans la voie de l’abstraction qu’elle a alors entrepris de suivre. Seuphor est également à l’origine de sa première exposition personnelle chez Colette Allendy en 1953. Celle-ci est alors très bien reçue par le public. L'artiste adhère à plusieurs groupes artistiques, notamment le groupe ESPACE en France et le groupe Mesure en Allemagne. A travers son œuvre, Aurélie Nemours démontre pleinement comment, selon elle, l’abstraction géométrique est l’expression artistique qui caractérise le mieux le XXe siècle. Dès les années 1960, le carré occupe la première place dans ses compositions. Céphée, l’œuvre que nous vous présentons, nous emmène au cœur de cette période charnière de la production de l’artiste. Véritable construction mathématique, elle crée ses œuvres en orientant sa peinture vers des lignes horizontales et verticales. Elle travaille éga AC2021

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BERNARD BUFFET (1928- 1999) Eglise de Landerneau, 1968 Oil on canvas, signed and dated upper right, countersigned and annotated on reverse Noël 1996 Bernard 21 146 x 97 cm 57 1/2 x 38 3/16 in. A duplicate of the Galerie Maurice Garnier certificate will be given to the buyer. PROVENANCE Galerie Maurice Garnier, Paris Private collection, Suisse Private collection, Liban From 1965 to 1970 Buffet had a studio, «La Vallée», in Saint-Cast in Brittany. During the five years of this Breton interlude, Bernard Buffet painted the region and its villages, monuments, ports and ships. Eglise de Landerneau, painted in 1968, belongs to this period. This is a large oil on canvas with a dark palette and the sharp lines typical of his style. The composition highlights the monumentality of the church, while the parallel between the bell tower and the Crucifix in the foreground leads the viewer’s eye to a lighter sky: all elements conveying the mystical aspect of Buffet’s work. Bernard Buffet Bernard Buffet (1928-1999) is considered one of the major painters of the 20th century in France and a central figure of the Expressionist movement. The public were wildly enthusiastic about him early on, though he was also disparaged by the critics. His work of the late 1940s and 1950s, which attracted much attention at the time, was characterised by dark colours reflecting the post-war years. During that time, he finally adopted the sharp lines that became the unique trademark of his style. This period marked the beginning of Buffet’s collaboration with the gallery owner Maurice Garnier, who exhibited and promoted his work throughout his life. As Buffet’s resounding commercial success grew, his lavish lifestyle, considered ostentatious, attracted critical opprobrium and made the headlines of leading magazines. The year 1958 was a turning point in his life and career, when he separated from Pierre Bergé, with whom he had had a passiona

BERNARD BUFFET (1928- 1999) Eglise de Landerneau, 1968 Huile sur toile, signée et datée en haut à droite, contresignée et annotée au dos Noël 1996 Bernard 21 Oil on canvas, signed and dated upper right, countersigned and annotated on reverse Noël 1996 Bernard 21 146 x 97 cm 57 1/2 x 38 3/16 in. Un duplicata du certificat de la Galerie Maurice Garnier sera remis à l’acquéreur. PROVENANCE Galerie Maurice Garnier, Paris Collection privée, Suisse Collection privée, Liban De 1965 à 1970, Bernard Buffet dispose d’un atelier, « La Vallée » à Saint-Cast en Bretagne. Durant ces cinq ans de parenthèse bretonne, Bernard Buffet peint la région, ses villages, ses monuments, ses ports et ses navires. L’Eglise de Landerneau, peinte en 1968, s’inscrit dans cette période. Il s’agit d’une huile sur toile de grand format à la palette sombre et aux lignes tranchantes si propres à son style. La composition met en avant la monumentalité de l’édifice, tandis que le parallèle entre le clocher et le calvaire au premier plan incite le spectateur à lever les yeux vers un ciel plus clair: autant d’éléments qui renvoient à la dimension mystique de l’œuvre de Bernard Buffet. Bernard Buffet Bernard Buffet est considéré comme l’un des peintres majeurs du XXe siècle en France et comme une figure centrale du mouvement Expressionniste. Bénéficiant très tôt d’un engouement du public, il a aussi été décrié par la critique. Son travail de la fin des années 40 et des années 50, déjà très remarqué à l’époque, est caractérisé par des couleurs sombres, reflet de l’après-guerre. C’est également dans ces années qu’il adoptera définitivement ce qui rend son style unique : les lignes acérées. Cette période marque pour Bernard Buffet le début de la collaboration avec le galeriste Maurice Garnier, qui toute sa vie exposera et défendra son œuvre. Alors que son succès commercial retentissant s’amplifie, son train de vie luxueux et jugé ostentatoire lui vaut aussi bie

BERNARD BUFFET (1928- 1999)

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Bernard BUFFET (1928-1999) Bouquet d’anémones, 1985 Oil on hardboard, signed lower right, dated and signed on reverse 35 x 27 cm 13 3/4 x 10 5/8 in. A certificate written by the Maurice Garnier Gallery dated June 2, 1987 will be given to the buyer. PROVENANCE Private collection, France Throughout his career, Buffet also worked on colour, which became increasingly vivid as time went by. From 1950 until his death, he painted a whole series of flower vases on different surfaces. With anemones, cyclamens and dahlias, Buffet reproduced every variety, in relatively bright colours. In Bouquet d’anémones, realised in 1985, he uses particularly vibrant shades. Flowers in shades of red, orange and purple arranged in a blue vase stand out against a yellow background. The strokes are sharp and clean| the touch is light and precise. AC2021

Bernard BUFFET (1928-1999) 一 群海葵，1985年 等高线上的油画，右下方有签名，背面有日期和签名 硬纸板上的油画，右下方有签名，背面有日期和签名 35 x 27 cm 13 3/4 x 10 5/8 英寸。 买方将得到一份由莫里斯-卡尼尔画廊于1987年6月2日写的证明。 证据 私人收藏，法国 在他的职业生涯中，伯纳德-巴菲特还致力于色彩的研究，随着时间的推移，色彩变得越来越鲜艳。从1950年到他去世，他在不同的表面上画了一整套的花瓶。银莲花、仙客来和大花蕙兰：巴菲特将它们复制到所有的品种中，颜色或多或少都很鲜艳。在1985年绘制的《花束》中，艺术家使用了特别生动的色彩。红色、橙色和紫色色调的花朵一起排列在一个蓝色的花瓶中，在黄色的背景下显得格外醒目。笔触犀利而清晰；触感准确而轻盈 AC2021

Bernard BUFFET (1928-1999)

Bernard BUFFET (1928-1999) Bouquet d’anémones, 1985 Huile sur isorel, signée en bas à droite, datée et titrée au dos Oil on hardboard, signed lower right, dated and signed on reverse 35 x 27 cm 13 3/4 x 10 5/8 in. Un certificat rédigé par la galerie Maurice Garnier en date du 2 juin 1987 sera remis à l’acquéreur. PROVENANCE Collection privée, France Tout au long de sa carrière, Bernard Buffet a également travaillé sur la couleur, qui se fait de plus en plus vive au fil du temps. Dès 1950 et jusqu’à sa mort, il peint toute une série de vases de fleurs sur différentes surfaces. Des anémones, des cyclamens ou encore des dahlias : Buffet en reproduit de toutes variétés et aux couleurs plus ou moins vives. Dans Bouquet d’anémones peint en 1985, l'artiste a recours à des teintes particulièrement vives. Des fleurs de tons rouges, oranges et violets disposées ensemble dans un vase bleu se détachent sur un fond jaune. Les traits sont aigus et nets | la touche est précise et légère AC2021

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Jacques VILLEGLE (né en 1926) Rue de Rennes, juillet 1987 Slashed and scratched poster laminated on canvas, signed lower right, monogramed, titled, dated on reverse 27.3 x 42.5 cm 10 3/4 x 16 3/4 in. A certificate of authenticity provided by the artist dated 17 March 2020 will be given to the buyer. PROVENANCE Private collection, Paris Villeglé has come to be known as the emblematic poster-shredding French artist. His name is inseparable from this technique, which he began using in 1949. One of his best-known works is Rues Desprez et Vercingétorix from 1966. The small work we are presenting, Rue de Rennes, exemplifies his approach, which he continued until the 1980s. It is particularly representative of the French poster artists’ methods. They take the posters as they are without modifying the result and as proof the works are named after their place of production. Les affichiste-lacérateurs français : Jacques Villeglé et Raymond Hains Fellow Bretons Jacques Villeglé (born 1926) and Raymond Hains (1926-2005) met in 1945, became friends and explored the streets of Montparnasse together. They were two leading poster artists, although poster shredders would be a more apt term. In 1949 Villeglé and Hains began tearing off layers of superimposed street posters, using the shreds to create material effects and figurative images. In the 1950s they became acquainted with major French artists. Their work became known as New Realism, the name of a 1961 Paris show that included Arman, François Dufrêne and Yves Klein. This movement is sometimes considered a French version of Pop Art.

Jacques VILLEGLE (né en 1926) Rue de Rennes, juillet 1987 Affiches lacérées contrecollées sur toile, signées en bas à droite, monogrammées, titrées, datées au dos Slashed and scratched poster laminated on canvas, signed lower right, monogramed, titled, dated on reverse 27.3 x 42.5 cm 10 3/4 x 16 3/4 in. Un certificat d’authenticité délivré par l’artiste en date du 17 mars 2020 sera remis à l’acquéreur. PROVENANCE Collection privée, Paris Jacques Villeglé est vu aujourd’hui comme l’artiste emblématique des affichistes lacérateurs français, son nom étant indissociable de cette technique. En effet il pratiquera toute sa vie les lacérations, dès le premier arrachage d’affiches en 1949. Parmi ses œuvres les plus connues, on peut citer Rues Desprez et Vercingétorix, de 1966. L’œuvre que nous présentons, Rue de Rennes, s’inscrit dans la continuation de sa démarche jusque dans les années 1980. Cette lacération de petite dimension est particulièrement représentative de la philosophie des affichistes français. En effet, ils prennent les affiches comme elles viennent, en ne modifiant pas le résultat et pour preuve les œuvres ont pour titre leur lieu de réalisation. Les affichiste-lacérateurs français : Jacques Villeglé et Raymond Hains Les deux amis bretons Jacques Villeglé (né en 1926) et Raymond Hains (1926 – 2005), qui se rencontrent en 1945, ont arpenté ensemble les rues de Montparnasse. Ils furent en effet les deux grandes figures de ce qu’il est convenu d’appeler les affichistes, bien qu’en réalité le terme le plus approprié soit plutôt celui de lacérateurs, démarche entamée en 1949. La technique des lacérateurs consiste à trouver dans la rue des panneaux encombrés d’affiches superposées, puis d’en arracher certaines couches afin d’obtenir une composition d’effets de matière et d’images figuratives. Villeglé comme Hains se trouvent au contact des grandes figures de la scène française de la décennie 1950. Leur œuvre s’inscrit en effet

Jacques VILLEGLE (né en 1926)

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Michel JOURNIAC (1943-1995) Hommage à Freud - Constat critique d'une mythologie travestie, 1972 Serigraphy, edition on canvas after an original postal sending, signed, dated and numbered 1/10 lower right, countersigned, dated, anoted and dated on reverse 65 x 50 cm 25 5/8 x 19 11/16 in. We thank Mrs Armance Léger, from Galerie Christophe Gaillard, for having kindly confirmed the authenticity of this work. PROVENANCE Private collection, Paris

Michel JOURNIAC (1943-1995) Hommage à Freud - Constat critique d'une mythologie travestie, 1972 Sérigraphie, tirage sur toile d'après envoi postal originale, signée, datée et numérotée 1/10 en bas à droite, contresignée, datée, annotée et datée au dos Serigraphy, edition on canvas after an original postal sending, signed, dated and numbered 1/10 lower right, countersigned, dated, anoted and dated on reverse 65 x 50 cm 25 5/8 x 19 11/16 in. Nous remercions Madame Armance Léger, de la Galerie Christophe Gaillard, de nous avoir aimablement confirmé l’authenticité de cette oeuvre. PROVENANCE Collection privée, Paris

Michel JOURNIAC (1943-1995)

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Andy Warhol (1928-1987) Flowers, 1964 Serigraphy on paper, signed lower right, stamped Edition Nouvelles Images / Galerie Léo Castelli 70 x 70 cm 27 9/16 x 27 9/16 in.

Andy Warhol (1928-1987) Flowers, 1964 Sérigraphie sur papier, signée au feutre en bas à droite, portant le cachet Edition Nouvelles Images / Galerie Léo Castelli Serigraphy on paper, signed lower right, stamped Edition Nouvelles Images / Galerie Léo Castelli 70 x 70 cm 27 9/16 x 27 9/16 in.

Andy Warhol (1928-1987)

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IBERÊ CAMARGO (1914-1994) Auto-retrato, 1986 Oil on canvas, signed lower right, dated, countersigned, titled, numbered 49 et PA28-6-86 on reverse 92 x 65 cm 36 1/4 x 25 5/8 in. Nous remercions la Fondation Iberê Camarago d'avoir bien voulu confirmer l'existence d'une documentation historique concernant cette oeuvre. PROVENANCE Private collection, région lyonnaise Iberê Camargo Born in 1914 in Restinga Seca, Ibere Camargo was a Brazilian artist. After beginning art studies at a local school, he continued at the Institute of Fine Arts in Porto Alegre and completed them at the National School of Fine Arts in Rio de Janeiro. He began his career as an engraver. His style was somewhat constructivist but still figurative. As time went on, he gradually turned from figuration to abstract expressionism, exploring form, colour and especially gesture. During this period, he applied paint boldly and vigorously on large formats. After a while, the figurative reappeared in his work, and uncertain anthropomorphic forms and even monstrous figures featured in his compositions, leaving viewers with a disconcerting feeling. A solitary figure, the artist always wanted to swim against the current ands deliberately distanced himself from the style of his contemporaries. The work presented today, a self-portrait of the artist , is a speaking example of his work. Dating from the end of his career, it is a poignant testimony to Camargo's spirit, where the colours, the lines and the dynamic energy that went into the application of the paint give the painting extraordinary expressiveness. Through this work, the artist asserted himself as a key figure in Brazilian expressionism. Shortly after his death, his wife decided to create the Iberê Camargo Foundation to preserve and promote his work. Numerous events, seminars and conferences are regularly staged in this lively venue to further reflection on contemporary art works.

IBERÊ CAMARGO (1914-1994) Auto-retrato, 1986 Huile sur toile, signée en bas à droite, datée, contresignée, titrée, numérotée 49 et PA28-6-86 au dos Oil on canvas, signed lower right, dated, countersigned, titled, numbered 49 et PA28-6-86 on reverse 92 x 65 cm 36 1/4 x 25 5/8 in. Nous remercions la Fondation Iberê Camarago d’avoir bien voulu confirmer l’existence d’une documentation historique concernant cette oeuvre. PROVENANCE Collection privée, région lyonnaise Iberê Camargo Né en 1914 à Restinga Seca, Ibere Camargo est un artiste brésilien. Après avoir commencé sa formation artistique dans une école locale, il a continué son parcours à l’institut des BeauxArts de Porto Alegre et l’a ensuite achevé à l’école Nationale des Beaux-Arts de Rio de Janeiro. Il commence sa carrière artistique en tant que graveur. Son style se rapproche alors de l’art constructiviste mais reste tout de même figuratif. Son style évolue avec le temps, il se détourne progressivement de la figuration et s’oriente vers l’expressionnisme abstrait. À travers ce style, il étudie la forme, les couleurs et surtout le geste. À cette période, Iberê Camargo applique la peinture avec audace et vigueur sur des formats de grandes dimensions. Après un certain temps, le figuratif refait apparition dans son œuvre. En effet, on voit apparaître dans ses compositions des formes anthropomorphiques incertaines voire même des figures monstrueuses, laissant au spectateur un sentiment troublant. Figure solitaire, l’artiste a toujours voulu évoluer à contre-courant et s’est volontairement éloigné du style de ses contemporains. Autoportrait de l’artiste, l’œuvre que nous vous présentons aujourd’hui illustre pleinement sa production picturale. Réalisé vers la fin de sa carrière, cette œuvre est un témoignage poignant de l’esprit d’Ibere Camargo. Les couleurs, les traits mais aussi le dynamisme avec lequel la peinture a été appliquée confèrent à la toile une expressivité remarquable. A tra

IBERÊ CAMARGO (1914-1994)

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