Aguttes

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Tableaux Des Xix & XxÈme Siècles - Art Contemporain

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HENRI MARTIN 亨利 · 马丁(1860-1943) Femme au fichu portant sur la tête un panier, étude pour étude pour le Grand Décor de l'Hôtel de la Caisse d'Epargne de Marseille, circa 1903-1904 Fusain sur papier, signé en bas à droite 47.5 x 30.5 cm à vue - 18 1/2 x 11 3/4 in. Charcoal on paper, signed lower right Le certificat d'authenticité rédigé par Cyrille Martin ainsi qu'une attestation indiquant que l'oeuvre sera incluse dans le catalogue raisonné des oeuvres d'Henri Martin en préparation par Marie-Anne Destrebecq-Martin seront remis à l'acquéreur.

HENRI MARTIN 亨利 · 马丁(1860-1943)

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MAXIMILIEN LUCE 马克西米· 卢斯 (1858-1941) La Seine à Herblay, 1890 Huile sur papier marouflé sur toile, signée et datée en bas à droite 24 x 31 cm - 9 1/2 x 12 in. Oil on paper mounted, signed and dated lower right Le certificat de Frédéric Luce, fils de l'artiste, rédigé en date du 27 novembre 1964 sera remis à l'acquéreur PROVENANCE Collection privée, Avignon BIBLIOGRAPHIE P. Cazeau, Maximilien Luce, Lausanne-Paris, 1982, p. 43 D. Bazetoux, Catalogue raisonné de l'oeuvre peint, Paris, 1986, t. II, n° 64, p. 23 Galerie Odermatt & Ph. Cazeau, Maximilien Luce, époque néo-impressionniste, 1887-1903, (cat. exp. Paris, Galerie Odernatt - Ph. Cazeau, 27 novembre 1987 - 30 janvier 1988), Paris, 1988, n°10 EXPOSITION Maximilien Luce, époque néoimpressionniste, 1887-1903, Galerie Odermatt et Cazeau, Paris, du 27 novembre 1987 au 30 janvier 1988, n°10 埃尔布莱塞纳河畔, 1890  年 24 x 31  厘米 纸本油画裱于画布上，署名及日期于右下方 来源 亚维农私人收藏 成功购得拍品者将获得由艺术家之子Frédéric Luce  于1964  年十一月27  号开出的保证书 Maximilien Luce, reconnu pour être l'un des plus fameux représentants du néo-impressionnisme, naît à Paris en 1858. Graveur de formation puis de métier, il se consacre pourtant en 1883 à la peinture, après avoir suivi divers cours de dessin - notamment aux Arts Décoratifs - et l'enseignement de Carolus-Duran. L'année suivante, le premier Salon des Indépendants lui permet de se confronter au néo-impressionnisme naissant grâce à l'envoi de Georges Seurat. Cette application de la couleur en touches juxtaposées sur la toile, héritée des leçons et théories de Goethe ainsi que de Charles Henry, conquiert la sensibilité de Luce| le mélange optique des tons relaye celui que les peintres opéraient jusqu'alors sur la palette, ce qui permet une luminosité sans précédent des compositions. Bien qu'il adopte la technique divisionniste dès 1886, la rencontre de Luce avec Seurat, Signac et Pissarro ne se fait qu'en 1887. Contrairement à Paul Signac, le théoricien du groupe de qui il est très proche, Luce fera une interprétation beaucoup plus libre des préceptes propres au courant, utilisant des couleurs et choisissant des sujets - notamment industriels et ouvriers - très personnels qui le feront se démarquer de ses pairs. Le tableau que nous présentons est une esquisse préparatoire pour une composition crépusculaire de taille plus imposante, La Seine à Herblay, réalisée la même année (voir ci-contre). A partir de 1889, Luce séjourne régulièrement à Herblay, ville de la banlieue nord-ouest de Paris, avec Signac. Ce dernier peindra d'ailleurs une toile à la composition audacieuse, Bords de rivière, la Seine à Herblay (1889), aujourd'hui conservée au musée d'Orsay| ayant placé son chevalet dans sa barque, Le Tub, Signac propose une vue du fleuve en son centre, peignant directement sur l'eau. Maximilien Luce, quant à lui, propose un cadrage ô combien audacieux: partant de la partir inférieure droite de la toile, un chemin barre la composition, servant de repoussoir, donnant un mouvement ascendant à l'ensemble. La grande clarté du ciel et de l'eau permet un découpage net des silhouettes sombres des arbres ornant l'horizon, évoquant des ombres chinoises. La Seine à Herblay témoigne finalement de l'intérêt marqué de Luce pour le rendu de l'atmosphère, si cher à son oeuvre, symbole de son interprétation toute personnelle des théories du néo-impressionnisme. L'application de nombreuses teintes et tons de violet lui permet finalement de capter la lumière de manière inédite, en faisant vibrer la surface picturale. Maximilien Luce, one of the most notable representatives of Neo-Impressionism, was born in Paris in 1858. He was a printmaker by training and then by profession, but in 1883 he devoted himself to painting after having followed various drawing lessons at the Decorative Arts, with Carolus-Duran in particular. A year later, the first Salon des Indépendants allowed him to face the emerging Neo-Impressionists, thanks to Georges Seurat submitting his work. Applying color in separate strokes on canvas, hailed from the lessons and theories of Goethe and Charles Henry, appealed to Luce. Optically blending tones conveyed the efforts previously reserved to painters and their palettes. It gave rise to compositions of unprecedented luminosity. Although he adopted the divisionist technique as early as 1886, Luce did not meet Seurat, Signac, and Pissarro until 1887. Unlike Paul Signac, the group's theoretician to whom he was very close, Luce approached the movement's fundamental precepts more freely in his use of colors and by a personal choice of subjects, especially industrialist themes and workers, which distinguished him from his peers. The composition we are presenting is a preparatory work for the monumental twilight painting, ‘Sei

MAXIMILIEN LUCE 马克西米· 卢斯 (1858-1941)

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Henri LEBASQUE (1865-1937) Soleil levant, circa 1900 Huile sur toile, signée en bas à gauche, porte le numéro 4451 au dos 54,5 x 65,5 cm - 21 1/2 x 25 = in. Oil on canvas, signed lower left, with number 4451 on reverse Nous remercions madame Denise Bazetoux qui a aimablement confirmé l'authenticité de cette oeuvre et qui va l'inclure au supplément du catalogue raisonné en préparation PROVENANCE Collection privée, Paris. Transmis familialement depuis le début du XX° siècle. Soleil Levant, exécuté vers 1900, témoigne de la maturation du style de Lebasque, réalisé à une période charnière de son évolution tant stylistique que technique. Marqué par le néoimpressionnisme duquel il a repris les touches juxtaposées, faisant vibrer la surface picturale, il n'a pas encore été touché par la libération de la couleur devenue expressive et subjective à la suite de son côtoiement des Fauves. Peignant le paysage grâce à une manière enlevée, usant de touches directionnelles qui confèrent un dynamisme et un souffle à la composition, Lebasque révèle, avec Soleil levant, son extraordinaire capacité d'assimilation et d'invention ‘Sunrise' (Soleil Levant), executed around 1900, illustrates the completion of Lebasque's style, as it was made at a pivotal moment of his stylistic and technical developments. The influence of Neo-Impressionism whose juxtaposition of strokes of color he adopted, led to resonating pictorial surfaces. He had not yet been affected by the emancipation of colors which later became more expressive and subjective as a result of him frequenting the Fauves. Energetically painting a landscape with directional strokes resulted in a dynamism that gave a new impulse to the landscape genre. Lebasque demonstrates his extraordinary capacity for assimilation and innovation in Soleil Levant. Henri Lebasque naît en 1865 à Champigné, dans le Maine-et- Loire. Il étudie aux Beaux-Arts d'Anger puis rejoint Paris, où il intègr

Henri LEBASQUE (1865-1937)

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FRANCISCO BORES 弗朗西斯科 · 柏斯 (1898-1972) Autoportrait, 1923 Huile sur toile 89 x 80 cm - 35 x 31 1/2 in. Oil on canvas PROVENANCE Collection privée, Bordeaux BIBLIOGRAPHIE Hélène Dechanet-Bores, Catalogue raisonné de l'oeuvre peinte, Madrid, Musée national centre d'art Reina Sofia, 2003, repr. 1923/3 Bores, Rétrospective, 1923-1972: Peintures, gouaches, dessins (cat. exp. Paris, Galerie Artcurial, 1982), Paris, Galerie Artcurial, n° 1, p. 11 EXPOSITION Bores, Rétrospective, 1923-1972: Peintures, gouaches, dessins, Paris, Galerie Artcurial, 1982, n°1 F. Rey, Le Grand Peintre oublié, Paris, juin 1982 自画像, 1923  年 89 x 80  厘米 油画画布 来源 波尔多私人收藏 Né à Madrid en 1898, Francisco Bores effectue sa formation artistique à l'Académie Cecilio Pla à partir de 1916. La réception décevante de ses oeuvres par le public espagnol le décide à rejoindre son ami, le peintre Cossio, à Paris en 1925 où il s'installe dans un petit atelier de l'avenue du Maine. Il croisera alors la route de certains acteurs éminents de l'école de Paris tels que Picasso, Matisse ou encore Derain. Ayant pris part, avant son départ de Madrid, au groupe littéraire et artistique ibérique « Ultraïste », fréquentant assidûment les milieux littéraires d'avant-garde en France, son travail traduit alors une évolution progressive d'un certain classicisme vers une importance croissante accordée à l'abstraction et au cubisme. Pour autant, Bores ne s'attachera pas à suivre cette voie de manière définitive puisque sa production fera montre, à partir des années 1940, d'un retour à un style beaucoup plus figuratif. Plus tard, les années 1950 apparaissent comme une période de synthèse de ses travaux passés, tandis que les dix dernières années de sa vie sont marquées par une nouvelle recherche sur l'abstrait, les formes simples. Les passages de la figuration à l'abstraction constituent finalement une dynamique cyclique de son travail. Notre Autoportrait s'inscrit dans la période précédant le départ de Bores à Paris. Il nous donne à voir le traitement particulier que l'artiste accordait aux portraits dans son oeuvre des années 1920 et 1930. En effet, créé à contre-courant de ses recherches sur l'abstraction et de ses influences cubistes, l'Autoportrait constitue une parenthèse figurative qui ne se réitèrera pas par la suite| la représentation de la figure humaine, quelle qu'elle soit, fera partie intégrante du travail de l'artiste, incluse dans son oeuvre sans aucune distinction de style. Le statut particulier de l'Autoportrait de 1923 pousse à la réflexion, tout comme le regard inquisiteur du modèle semble inviter le spectateur à méditer sur son image. Bores nous livrerait-il le miroir de son âme en crise identitaire, l'effigie d'un artiste empreint de doute face à un désir toujours croissant de notoriété, resté inassouvi? Born in Madrid in 1898, Francisco Bores gained artistic training at the Cecilio Pla Academy as of 1916. When his art was not favorably received in Spain, Bores decided to join his friend, the painter Cossio, in Paris in 1925. He settled in a small studio on Avenue du Maine and crossed paths with some prominent figures of the School of Paris, including Picasso, Matisse, and Derain. Having belonged to the Spanish literary and artistic Ultraïste movement before leaving Madrid, Bores diligently attended vanguard literary circles in France. His work underwent a gradual shift from a certain form of classicism towards more importance given to Abstraction and Cubism. Bores, however, did not continue in that direction permanently and as of the 1940s his work returned to a more figurative style. As of the 1950s there was a period of synthesis of his precedent work, while the last ten years of his life were marked by new examinations of abstraction with simplified forms. In the end, going from representational to non-representational art formed the cyclical dynamics that guided his work. Our Self-Portrait is from the period before Bores left for Paris. It provides insight into the special attention Bores devoted to portraiture in the 1920s and 1930s. Created in a passage that countered his abstract examinations and Cubist influences, Self-Portrait illustrates a figurative aside which was not to be repeated in later years. Representing the human figure, regardless of the pictorial features employed, was to remain of intrinsic concern to the artist regardless of stylistic distinctions. The particular status of this Self-Portrait (1923) is as thought-provoking as the model's inquisitive gaze, which appears to invite the viewer to deeper contemplation. Would Bores be delivering a glimpse of his tormented soul in the midst of an identity crisis? Might it be the effigy of an artist filled with doubt as he unsuccessfully seeks recognition?

FRANCISCO BORES 弗朗西斯科 · 柏斯 (1898-1972)

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EMIL NOLDE 埃米尔· 诺尔德 (1867-1956) Tournesols, circa 1930 Aquarelle sur papier, signée en bas à droite 35.5 x 47.2 cm  Watercolor on paper, signed lower right Un certificat rédigé par le professeur Manfred Reither au Nolde Stiftung Seebül en date du 21 decembre 2016 sera remis à l’acquéreur PROVENANCE Collection privée 向日葵, 1930年 35.5 x 47.2  厘米 纸本水彩，署名于右下方 来源 私人收藏 成功购得拍品者将获得由工作于Nolde Stiftung Seebül  的Manfred Reither  教授，在2016年十二月21号开出的保证书 Emil Nolde, né en 1867 dans la région de Schleswig-Holstein, est considéré comme l'un des plus grands artistes et aquarellistes allemands du XXe siècle. Après avoir suivi une formation de sculpture ornementale puis de dessin dans sa région natale, il occupe un poste de professeur d'art graphique. Quelques voyages à travers l'Allemagne sont bientôt suivis d'un séjour à Paris qui lui donne le loisir de fréquenter et de copier au Louvre, ainsi que d'étudier à l'Académie Julian à partir de 1899. De retour dans son pays d'origine, Nolde se lie avec le groupe Die Brücke dont il fait un temps partie, avant de fonder la Nouvelle Sécession de Berlin en 1910. Au cours de différentes escales à travers l'Europe et de visites d'expositions ou de salons, Nolde découvre les oeuvres de Van Gogh, de Gauguin ou encore de Munch qui influencent profondément et durablement sa manière de peindre ainsi que les sujets qu'il privilégiera| il emprunte à ces artistes une utilisation de la couleur pour sa valeur expressive, l'application de la peinture souvent pure en grands aplats ainsi qu'une subjectivité dans le choix des tons posés sur la toile. Dans les années 1930, Nolde tente de faire accepter son art par le parti nazi montant, mais il est rapidement considéré comme un artiste dégénéré| il se voit dans l'interdiction de peindre tandis qu'une partie de ses oeuvres sont détruites par les autorités du régime. Le peintre finira sa vie dans sa propriété de Seebüll, où il décède en 1956, et qui accueille aujourd'hui un musée et la fondation portant son nom. Grand aquarelliste et peintre de fleurs, Nolde nourrit un intérêt précoce pour les sujets floraux. Celui-ci remonte à sa plus tendre enfance, période durant laquelle la mère du peintre entretient avec passion le jardin de la maison familiale et, selon son propre témoignage, il se plait alors à l'y accompagner. La fréquentation d'un tel éden lui procure une grande satisfaction sensorielle - visuelle, olfactive - qui nourrira bientôt sa peinture. Emil Nolde, who was born in the Schleswig- Holstein region in 1867, is considered one of the greatest German painters and watercolor artists of the twentieth century. After having studied ornamental sculpture and the graphic arts, he was a drawing instructor for a while. After several trips across Germany he sojourned in Paris, which gave him time to visit the Louvre and copy the masters, while also studying at the Julian Academy as of 1899. Upon returning to his native country, Nolde frequented and became a member of the group Die Brücke before becoming part of the Berlin Secession. While travelling across Europe, Nolde discovered the works of Van Gogh, Gauguin and Munch, which durably influenced both the style and the subject matter of his painting. He found inspiration in their use of color for its expressive value, and often painted areas of solid color with a highly subjective choice of hues. In the 1930s, Nolde attempted to get his art accepted by the rising Nazi party, but he was quickly considered a degenerate artist and was forbidden to paint. Many of his works were destroyed by the authorities. Nolde spent the end of his life on his Seebüll estate, where he died in 1956, and which now houses a museum and the foundation that carries his name. A great watercolorist and painter of flowers, Nolde showed a precocious interest in floral motifs. Already as a child, Nolde liked to accompany his mother when she attended to the garden of the family house. The time spent in this Eden gave him great gratification which contributed to his painting.

EMIL NOLDE 埃米尔· 诺尔德 (1867-1956)

EMIL NOLDE 埃米尔· 诺尔德 (1867-1956) Tournesols, circa 1930 Aquarelle sur papier, signée en bas à droite 35.5 x 47.2 cm  Watercolor on paper, signed lower right Un certificat rédigé par le professeur Manfred Reither au Nolde Stiftung Seebül en date du 21 decembre 2016 sera remis à l’acquéreur PROVENANCE Collection privée 向日葵, 1930年 35.5 x 47.2  厘米 纸本水彩，署名于右下方 来源 私人收藏 成功购得拍品者将获得由工作于Nolde Stiftung Seebül  的Manfred Reither  教授，在2016年十二月21号开出的保证书 Emil Nolde, né en 1867 dans la région de Schleswig-Holstein, est considéré comme l'un des plus grands artistes et aquarellistes allemands du XXe siècle. Après avoir suivi une formation de sculpture ornementale puis de dessin dans sa région natale, il occupe un poste de professeur d'art graphique. Quelques voyages à travers l'Allemagne sont bientôt suivis d'un séjour à Paris qui lui donne le loisir de fréquenter et de copier au Louvre, ainsi que d'étudier à l'Académie Julian à partir de 1899. De retour dans son pays d'origine, Nolde se lie avec le groupe Die Brücke dont il fait un temps partie, avant de fonder la Nouvelle Sécession de Berlin en 1910. Au cours de différentes escales à travers l'Europe et de visites d'expositions ou de salons, Nolde découvre les oeuvres de Van Gogh, de Gauguin ou encore de Munch qui influencent profondément et durablement sa manière de peindre ainsi que les sujets qu'il privilégiera| il emprunte à ces artistes une utilisation de la couleur pour sa valeur expressive, l'application de la peinture souvent pure en grands aplats ainsi qu'une subjectivité dans le choix des tons posés sur la toile. Dans les années 1930, Nolde tente de faire accepter son art par le parti nazi montant, mais il est rapidement considéré comme un artiste dégénéré| il se voit dans l'interdiction de peindre tandis qu'une partie de ses oeuvres sont détruites par les autorités du régime. Le peintre finira sa vie dans sa propriété de Seebüll, où il décède en 1956, et qui accueille aujourd'hui un musée et la fondation portant son nom. Grand aquarelliste et peintre de fleurs, Nolde nourrit un intérêt précoce pour les sujets floraux. Celui-ci remonte à sa plus tendre enfance, période durant laquelle la mère du peintre entretient avec passion le jardin de la maison familiale et, selon son propre témoignage, il se plait alors à l'y accompagner. La fréquentation d'un tel éden lui procure une grande satisfaction sensorielle - visuelle, olfactive - qui nourrira bientôt sa peinture. Emil Nolde, who was born in the Schleswig- Holstein region in 1867, is considered one of the greatest German painters and watercolor artists of the twentieth century. After having studied ornamental sculpture and the graphic arts, he was a drawing instructor for a while. After several trips across Germany he sojourned in Paris, which gave him time to visit the Louvre and copy the masters, while also studying at the Julian Academy as of 1899. Upon returning to his native country, Nolde frequented and became a member of the group Die Brücke before becoming part of the Berlin Secession. While travelling across Europe, Nolde discovered the works of Van Gogh, Gauguin and Munch, which durably influenced both the style and the subject matter of his painting. He found inspiration in their use of color for its expressive value, and often painted areas of solid color with a highly subjective choice of hues. In the 1930s, Nolde attempted to get his art accepted by the rising Nazi party, but he was quickly considered a degenerate artist and was forbidden to paint. Many of his works were destroyed by the authorities. Nolde spent the end of his life on his Seebüll estate, where he died in 1956, and which now houses a museum and the foundation that carries his name. A great watercolorist and painter of flowers, Nolde showed a precocious interest in floral motifs. Already as a child, Nolde liked to accompany his mother when she attended to the garden of the family house. The time spent in this Eden gave him great gratification which contributed to his painting.

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Yves TANGUY (1900-1955) Sans titre, 1935 Encre sur papier, signée, datée et dédicacée en bas à droite 21,5 x 29 cm à vue - 8 1/2 x 11 1/2 in. Ink on paper, signed, dated and dedicated lower right PROVENANCE Ancienne collection André Thirion Conservé familialement depuis Collection privée, Paris EXPOSITION Yves Tanguy, 15 Juin - 27 Septembre 1982, Centre Pompidou, Paris

Yves TANGUY (1900-1955)

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RENÉ MAGRITTE 雷尼·马格利特 (1898-1967) La Valse hésitation (croquis) Crayon sur papier, annoté sur le côté gauche 10 x 14 cm - 4 x 5 1/2 in. Pencil on paper, annotated left side PROVENANCE Offert par l'artiste à son ami André Thirion Conservé familialement depuis Collection privée, Paris Ce dessin a été réalisé par Magritte pour André Thirion, en gage de leur amitié. Il reprend les deux « pommes masquées » du très fameux tableau Valse hésitation peint vers 1950. Le coup de crayon énergique, le style elliptique de notre oeuvre, en opposition à la facture léchée de l'huile sur toile, évoquent la rapidité de l'exécution de ce croquis sur une feuille de calepin, esquissé en quelques instants seulement. André Thirion, moins connu du grand public que ses compagnons, a fait partie de l'aventure surréaliste en tant que membre à part entière du groupe, écrivain et théoricien. En 1972, il publiera Révolutionnaires sans révolution, un essai et témoignage rétrospectif sur les activités des artistes et littérateurs de ce cercle ainsi que sur les débats et conflits théoriques touchant à sa définition et ayant animé son histoire. This drawing was made by Magritte for André Thirion in token of their friendship. It picks up with the idea of the two masked apples of the very famous painting ‘The Hesitation Waltz' (La Valse hésitation) of 1950. The energetic pencil stroke and elliptical style of our work is opposed to the smooth finish of the oil on canvas painting and points to the speed with which this drawing was made on the sheet of a notebook, sketched in a matter of moments. André Thirion, less known to the general public than his peers, figured amongst the Surrealists as a writer and theoretician. In 1972, Thirion published ‘Revolutionaries without a Revolution' (Révolutionnaires sans Revolution), an essay and retrospective testimony about the artists and writers of this circle, as well as about the thinking and theoretical conflicts conc

RENÉ MAGRITTE 雷尼·马格利特 (1898-1967)

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MAURICE UTRILLO 莫里斯· 郁特里罗 (1883-1955) Le moulin de la Galette à Montmartre, 1922 Gouache sur papier, signée, datée et dédicacée «pour la ste Eugénie. respectueusement madame E. UTTER 15 novembre 1922« 37 x 27 cm - 14 1/2 x 10 1/2 in. Gouache on paper, signed, dated and dedicated Le certificat rédigé par Paul Pétridès le 13 novembre 1958 sera remis à l'acquéreur PROVENANCE Acquis en 1958 et conservé depuis Collection privée, Avignon BIBLIOGRAPHIE Paul Pétridès, L'Oeuvre complet de Maurice Utrillo, Paris, P. Pétridès, 1959-1974. Pour deux oeuvres en rapport: Les anciens moulins de Montmartre et la ferme Debray, 1923 (huile) ref 1009, repr. Les trois moulins à Montmartre, vers 1934 (huile) ref 1516, repr. EXPOSITION Centenaire de Maurice Utrillo, 15 mai au 14 août 1983, Musée Jacquemart-André, Paris, n°39 Maurice Utrillo, Centre culturel François Villon, Enghein les Bains, 18 octobre au 21 novembre 1983 Centenaire de la naissance de Maurice Utrillo, Chapelle du Séminaire Montmagny, 10-18 décembre 1983, n°2 repr. Valadon, Utrillo et Utter à l'atelier de la rue Cortot: 1912-1926.Musée de Montmartre, Paris, 16 octobre 2015 - 15 février 2016, n°57, repr. p. 80. 蒙马特的煎饼磨坊, 1922 年 37 x 27 厘米 纸本水粉，署名和日期于左下方，并题字《Pour la ste Eugénie . respectueusement madame E. UTTER 15 novembre 1922 》 来源 购于1958 年并保存至今 亚维农私人收藏 成功购得拍品者将获得由Paul Pétridès于1958 年十一月13号开出的保证书 Le Moulin de la Galette à Montmartre, a été réalisée dans le quartier natal de l'artiste. La composition frappe par son originalité, elle se démarque des compositions plus rectilignes et rigides des vues urbaines peuplées d'immeubles et de bâtiments en tout genre. Si le trait paraît plus souple et la tonalité générale plus gaie, c'est qu'Utrillo octroie ici une place toute particulière à la nature, à la verdure qui occupent l'espace de la toile de ses teintes de vert et de jaune. Nous ne pouvons qu'être saisis par la fraicheur éclatante des couleurs qui s'offrent à notre regard et qui atteste des remarquables conditions dans lesquelles l'oeuvre a été conservée. Le motif choisi par Utrillo n'aurait pu quant à lui être plus emblématique: le Moulin de la galette, haut lieu des loisirs modernes et urbains, a été peint par les impressionnistes avant lui, à l'instar du célèbre avatar de Renoir, tandis que Van Gogh se livre, en l'année 1886, à la réalisation d'une véritable série de toiles consacrées à ce sujet| ces deux artistes comptant parmi les amis de sa mère, Utrillo ne pouvait ignorer leurs versions du Moulin. Enfin, la dédicace « pour la ste Eugénie. respectueusement madame E. UTTER 15 novembre 1922 » évoque l'amitié indéfectible qui a lié, dès leur jeunesse, Maurice Utrillo et André Utter, et qui ne sera que renforcée par la liaison, bientôt le mariage de ce dernier avec Suzanne Valadon, en 1914. Le Moulin de la Galette semble avoir été offert par Utrillo à la soeur de son ami et beau-père à l'occasion de sa fête, la sainte Eugénie, le 15 novembre 1922. Utrillo made the painting we are presenting (Le Moulin de la Galette à Montmartre) in the Parisian neighborhood where he was born. Its composition is particularly remarkable and differs from other, more linear and rigidly arranged urban views filled with many buildings. The lines in Utrillo's work are more supple and the hues more cheerful, because Utrillo gives nature particular emphasis, with greenery taking up most of the canvas in hues of green and yellow. Such a fresh, vivid palette is very appealing to the eye. It is also a testament to the excellent conditions in which the work has been kept. Utrillo could not have chosen a more iconic subject, as the Moulin de la Galette was the venue for modern urban leisure occupations. It had already been painted by the Impressionists before him, including in a famous painting by Renoir. In 1886, Van Gogh made a series of paintings that also contained this subject. Both artists having been friends of his mother, Utrillo must have been familiar with their depictions of the Moulin. Lastly, the written dedication “place de la dédicace” points to the deep friendship that linked Maurice Utrillo and André Utter since their youth, and which was strengthened by the liaison followed by marriage of the latter to Suzanne Valadon in 1914. Utrillo apparently gave the Moulin de la Galette gouache to his friend/stepfather's sister on her name day, saint Eugenie, on 15 November 1922.

MAURICE UTRILLO 莫里斯· 郁特里罗 (1883-1955)

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MAURICE UTRILLO 莫里斯· 郁特里罗 (1883-1955) Sainte Jeanne d'Arc, d'après Frémiet, juin 1937 Gouache sur papier, titrée et datée en bas 47 x 31 cm à vue - 18 1/2 x 12 1/4 in. Gouache on paper, titled and dated lower Le certificat rédigé par Paul Pétridès n°15.469, en date du 25 novembre 1981, sera remis à l'acquéreur BIBLIOGRAPHIE Paul Pétridès, L'Oeuvre complet de Maurice Utrillo, Paris, P. Pétridès, 1959-1974, référencé sous le n° AG 422 et repr. vol. IV, p.359. PROVENANCE Ancienne collection Madame Utrillo Collection privée, Paris

Maurice UTRILLO (1883-1955)

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MAURICE UTRILLO 莫里斯· 郁特里罗 (1883-1955) La Rue Saint-Rustique à Montmartre, sous la neige, entre 1939 et 1948 Huile sur toile, signée en bas à droite 38 x 46.5 cm - 15 x 18 1/4 in. Oil on canvas, signed lower right PROVENANCE Galerie Pétrides Collection privée, acquis au début des années 1950 BIBLIOGRAPHIE Pétridès, Catalogue raisonné de l'oeuvre complet de Maurice Utrillo volume III, n°2003 (qui indique une date d'exécution vers 1939-1940) 雪中的蒙马特Saint-Rustique路,  约1945-1948  年 38 x 46.5  厘米 油画画布，署名于右下方 来源 Pétrides  画廊 私人收藏，购于1950年初 Maurice Utrillo, considéré comme l'un des plus fameux représentants de l'école de Paris, est né dans le quartier de Montmartre en 1883. Fils de l'artiste Suzanne Valadon, reconnu par le peintre et critique d'art catalan Miguel Utrillo, il évolue dès l'enfance au sein de la scène d'avant-garde parisienne où sa mère l'introduit de manière précoce, ayant côtoyé des maîtres tels que Puvis de Chavannes, Degas, Zandomeneghi, Renoir, Van Gogh ou encore Toulouse-Lautrec, en posant pour eux. Atteint d'une grave dépendance à l'alcool, sujet aux dépressions et aux tentatives de suicide, Utrillo débute la peinture en autodidacte, à titre thérapeutique, sur les conseils d'un psychiatre de Sainte-Anne. Il ne faut pourtant pas réduire l'oeuvre de ce peintre à la simple image d'une production torturée, d'artiste maudit, comme cela a souvent été le cas dans l'historiographie s'y rapportant| Utrillo s'impose au début du XXe siècle comme un prodigieux peintre de paysage, que jamais ne fatiguera la représentation de vues urbaines, et particulièrement parisiennes. Maurice Utrillo, one of the most well-known artists of the School of Paris, was born in the Montmartre quarter of Paris in 1883. Son of the artist Suzanne Valadon, he was recognized by the Catalan painter and art critic Miguel Utrillo. Maurice Utrillo was raised in the avant-garde scene of Paris to which his mother introduced him at an early age. She worked as a model for artists such as Puvis de Chavannes, Degas, Zandomeneghi, Renoir, Van Gogh, and Toulouse-Lautrec. Utrillo began painting on a self-taught and therapeutic basis, upon the advice of a psychiatrist at Sainte-Anne hospital. Utrillo suffered from severe alcoholism, was subject to depression, and he attempted suicide. Utrillo's oeuvre, however, must not be reduced to the mere image of a tortured soul or the makings of a cursed artist, as he is often referred to. Utrillo earned recognition at the beginning of the twentieth century as a marvelous landscape painter who never grew tired of painting urban, especially Parisian city views.

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André HAMBOURG (1909-1999) La chambre vénitienne, 1961 Huile sur toile, signée en bas à droite 90 x 145 cm - 35 1/2 x 57 in. Oil on canvas, signed lower right Le certificat d'authenticité rédigé le 23 novembre 2016 par Nicole Hambourg sera remis à l'acquéreur Cette toile fut éditée par la suite en de nombreux exemplaires en une grande tenture par monsieur Corot. PROVENANCE Collection privée, Belgique BIBLIOGRAPHIE André Hambourg, Tome I du catalogue raisonné de l'oeuvre peint. Textes de Lydia Harambourg, Editions Desgrandchamps, imprimé en Italie, mai 2009. Repr. p300, réf. VE113 L'oeuvre que nous proposons a été réalisée par André Hambourg en 1961, dans sa chambre de l'hôtel Gabrielli de Venise, où il séjourne régulièrement à partir de 1957. Peignant devant la loggia donnant sur la lagune, le peintre nous propose une image saisissante de l'horizon vénitien en usant d'une touche plus ample qu'à son habitude ainsi qu'une palette de couleurs vives et chaudes. Les deux statues de femmes noires prenant place de part et d'autre de la composition ornaient l'escalier de l'hôtel le reste de l'année| lors de la venue d'Hambourg, le propriétaire, qui appréciait particulièrement le peintre, les faisait mettre dans sa chambre. Deux autres toiles reprenant la vue de cette chambre ont été peintes par l'artiste| des trois versions, celle que nous présentons est la plus grande, mais également la plus singulière au regard de la production de Hambourg. The work that we are presenting was made by André Hambourg in 1961, in his room of the Hotel Gabrielli in Venice, where he regularly stayed as of 1957. Painting outside the loggia that looked out over the lagoon, Hambourg made a striking image of the Venetian horizon using particularly ample brushstrokes and a palette of warm, vivid colors. The two statues of black women on either side of the composition adorned the building's staircase throughout the year. When

André HAMBOURG (1909-1999)

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LEONOR FINI 萊昂諾 · 菲妮 (1907-1996) La Sérafina, 1989 Technique mixte sur papier marouflé sur toile, signée en bas à droite 69 x 53 cm - 27 x 28 3/4 in. Mixed media on paper mounted on canvas, signed lower right Un certificat rédigé par Richard Overstreet en date du 19 octobre 2005 sera remis à l'acquéreur Considérée comme l'une des figures féminines majeures du cercle surréaliste, Leonor Fini est née en 1907à Buenos Aires, en Argentine, bien qu'elle ait été élevée à Trieste dans le Nord de l'Italie. La famille et l'entourage bourgeois dans lequel elle évolue lui permettent de s'imprégner de la culture classique de son pays - Antiquité, Renaissance, XVIIe siècle - qui marquera par la suite sa manière et son univers pictural. S'installant seule à Milan à l'âge de dix-sept ans, Leonor Fini se consacre alors totalement à la peinture qu'elle a apprise en autodidacte. Côtoyant les représentants de l'avant-garde milanaise durant les treize années où elle réside en Lombardie, Leonor Fini cèdera finalement à l'appel irrésistible du centre artistique névralgique qu'est Paris: en 1937, elle décide de gagner la Ville Lumière. Dès son arrivée en France, elle est introduite auprès du groupe surréaliste dont elle refusera pourtant toujours l'étiquette, bien qu'elle tisse d'étroits liens avec ses membres. En effet, les théories et idéaux tels qu'ils sont formulés ou adoptés par Breton, Eluard, Ernst ou encore Man Ray opèrent une influence décisive sur son art, tant dans les sujets que dans sa conception du geste créatif - elle pratiquera comme eux dessin et écriture automatiques. L'oeuvre de Leonor Fini ne peut être bornée, limitée à sa seule production peinte| muse de photographes, artistes, écrivains et cinéastes, la mise en scène de sa propre personnalité ainsi que de son corps en constitue également une facette. Si les personnages féminins peuplent son oeuvre, constituant autant d'avatars d'une image multiple et mystique de la femme, ils ne peuvent qu'irr

LEONOR FINI 萊昂諾 · 菲妮 (1907-1996)

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JEAN JANSEM (1920-2013) Nu allongé de dos, 2005 Technique mixte sur toile, signée en haut à gauche, contresignée et titrée au dos 27 x 41 cm - 10 1/2 x 16 in. Mixed media on canvas, signed upper left, countersigned and titled on reverse

JEAN JANSEM (1920-2013)

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Serge Charchoune (1888-1975) Composition à la spirale, 1943 Huile sur carton, signée et datée en bas à droite 38 x 46 cm - 15 x 18 in. Oil on cardboard, signed and dated lower right Le certificat n°305/2016 rédigé le 26 mai 2016 par Pierre Guénégan sera remis à l'acquéreur PROVENANCE Vente Robert, Drouot, Paris, 16 février 1976 BIBLIOGRAPHIE Guénégan Pierre, supplément au catalogue raisonné de l'oeuvre peint à paraitre « J'ai toujours détesté dessiner, le dessin et la peinture sont, à mes yeux, les plus grands ennemis », affirme Serge Charchoune dont l'aversion pour le dessin lui coûte l'entrée à l'Académie de Kazan de sa natale Russie. Né en 1888, son parcours fut pour le moins chaotique. Il commence par explorer Paris, mais la Première Guerre mondiale, à peine déclarée, l'envoie à Barcelone en compagnie du couple Delaunay, Gleizes, Laurencin ou encore Picabia. Rentré en France, il fréquente activement les dadaïstes, qui réservent un accueil chaleureux à son travail. Le peintre se rend ensuite à Berlin, espérant obtenir un visa pour l'URSS mais en vain. Alors immobilisé en Allemagne, Charchoune s'éloigne du milieu dada pour se tourner vers ce qu'il appelle «cubisme ornemental». Après quelques temps, il renonce définitivement à l'utopie bolchévique et rentre à Paris, où il se rapproche du puriste Amédée Ozenfant. Notre toile représente des éléments épars, figurés par des formes géométriques dans une gamme chromatique variée, qui rattachent encore cette composition au genre de la nature morte, que l'artiste va cependant bientôt abandonner. En effet, à partir de 1952 et jusqu'à son décès en 1975, sa peinture, très inspirée par la musique, se fera toujours plus épurée et monochrome. Dans notre Composition, Charchoune crée un dispositif où le regard du spectateur est aspiré au centre de la toile dans une évocation de son sujet principal, la spirale. Le purisme dans la forme, les plans superposés et la quasi absence

Serge Charchoune (1888-1975)

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Paul Emile LECOMTE (1877-1950) Le port de Joinville, Ile d'Yeu Huile sur toile, signée en bas à gauche 65 x 81 cm Oil on canvas, signed lower left PROVENANCE Collection privée

Paul Emile LECOMTE (1877-1950)

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Charles MALLE (né en 1935) Rouen, brume sur les quais Huile sur toile, signée en bas à gauche 60 x 92 cm - 23 1/2 x 36 1/4 in. Oil on canvas, signed lower left

Charles MALLE (né en 1935)

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CÉSAR 凯撒· 巴达奇尼 (1921-1998) Compression plastiques verts Plastique sur panneau dans plexiglas, signé en bas à droite 52 x 44 x 12 cm - 20 1/2 x 17 1/3 x 4 3/4 in. Plastic on panel in plexiglas, signed lower right PROVENANCE Collection privée, Paris 绿色塑料压缩 52 x 44 x 12  厘米 塑胶面板于压克力中，属名于右下方 来源 巴黎私人收藏

CÉSAR 凯撒· 巴达奇尼 (1921-1998)

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OLIVIER DEBRÉ 奥利维埃· 德勃雷 (1920-1999) Paysage de Loire le soir, Automne 1972 Huile sur toile, monogrammée et datée en bas à droite, contresignée, datée et titrée au dos 65 x 80,5 cm - 25 1/2 x 31 3/4 in. Oil on canvas, monogramed and dated lower right, countersigned, dated and titled on reverse 卢瓦尔河夜景, 1972 年秋 65 x 80,5  厘米 油画画布，署缩写名及日期于右下，署名、日期及标题标于画布背面

OLIVIER DEBRÉ 奥利维埃· 德勃雷 (1920-1999)

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KEITH HARING 基思· 哈林 (1958-1990) Sans titre, circa 1980-1985 Craie sur papier noir 104 x 74 cm - 41 x 29 in. Chalk on paper PROVENANCE Ancienne collection privée, New York Unik Gallery, Deauville 无题,  约1980-1985  年 104 x 74  厘米 纸本粉笔 来源 纽约私人旧藏 多维勒Unik  画廊 Né en 1958 dans l'Etat de Pennsylvanie, Keith Haring, véritable virtuose du dessin, intègre la School of Visual Arts de New York. En tant qu'étudiant, il reçoit l'enseignement d'artistes conceptuels tels que Joseph Kosuth et Keith Sonnier, il étudie la sémiologie et la vidéo, ainsi que les problèmes théoriques de l'art contemporain. Génie de la ligne et travailleur obsessionnel, il use de multiples supports et a recours aux medias de son époque, allant jusqu'à commercialiser des produits dérivés dans son célèbre Pop Shop à partir de 1985. A New York, Keith Haring trouve une communauté artistique urbaine et prospère qui se développe en dehors des circuits traditionnels, dans les rues du centre-ville, dans les métros et dans les clubs. Particulièrement influencé par la beauté et la spontanéité des graffitis, il décide de descendre dans la rue puis d'affronter le métro afin d'y réaliser des performances et de faire face aux contraintes inhérentes au graffiti: travailler dans l'immédiateté tout en s'efforçant de faire passer une émotion esthétique dans un contact permanent avec le public. Entre 1980 et 1985, Haring produit des centaines de ces dessins publics, créant parfois jusqu'à quarante «dessins de métro» en une journée. Le métro devient pour l'artiste un véritable «laboratoire». En utilisant délibérément la rue et les espaces publics pour s'adresser au plus grand nombre, il ne cesse de lutter contre le racisme, toutes sortes d'injustice et de violence. Ses « subway drawings », ses peintures, ses dessins et sculptures, étaient porteurs de messages de justice sociale, de liberté individuelle et de changement. L'oeuvre que nous présentons est particulièrement représentative de cette période de découverte et d'expérimentation, et s'inscrit dans l'univers créatif et underground du New York des années 1980. Keith Haring dessine sur du papier noir mat à l'aide d'une craie blanche un personnage mécanique tenant entre ses mains un hotdog rayonnant. A ses roues, un personnage stylisé court, les bras levés au ciel, comme s'il fuyait au sein de cette société de consommation exacerbée. L'artiste sait créer des oeuvres desquelles émane une énergie fascinante à travers de simples signes sur une surface neutre. Keith Haring, guidé par la volonté de retrouver l'essence de l'acte de dessiner, privilégie la ligne et la pureté du dessin. Born in Pennsylvania in 1958, Keith Haring had an incredible mastery of drawing. He went to the School of Visual Arts in New York, where he was taught by conceptual artists such as Joseph Kosuth and Keith Sonnier. He studied semiology, video, and theories of contemporary art. A genius in making use of lines in his drawings and an obsessive worker, he used varied supports as surfaces and the varied media of his time, going so far as to sell commodities based on his work in his famous Pop Shop as of 1985. In New York, Keith Haring discovered the city's art community that flourished beyond the conventional establishments, including in streets, subways, and clubs. Particularly influenced by the allure and spontaneity of graffiti, he decided to go into the streets and down into the subway to produce performance art and work within the constraints of graffiti. This meant creating with immediacy and sharing aesthetic emotion with the general public. From 1980 to 1985, Haring produced hundreds of public drawings, creating up to forty “subway drawings” a day. The subway became a true laboratory for him. By deliberately using streets and public spaces to reach as many people as possible, he continuously fought racism as well as other forms of injustice and violence. His “subway drawings” as well as his paintings, other drawings, and sculptures, all carried messages of social justice, personal freedom, and change. The work we are offering captures and represents this exploratory, experimental period. It is a part of the 1980s New York's creative underground. Using white chalk on black matte paper, Keith Haring drew a mechanical character who is holding a shining hotdog. At the level of this character's wheels, a stylized figure runs with his arms raised to the sky, as if he were fleeing from this society of extreme mass consumption. Haring created works in which a fascinating energy emanates from simple signs on neutral surfaces. Guided by a desire to rediscover the essence of drawing, Keith Haring excelled in the use of lines and aimed for purity.

KEITH HARING 基思· 哈林 (1958-1990)

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YVES BADYH (XX-XXI) Habana, 2016 Photographie rehaussée à la main selon la méthode du glacis. Papier fine art sous diasec. Exemplaire unique 1/1, signée et numérotée au dos 80 x 120 cm - 31 1/2 x 47 1/4 in. Hand enhanced photograph, single original 1/1, signed and numbered on reverse Un certificat rédigé par l'artiste sera remis à l'acquéreur

YVES BADYH (XX-XXI)

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CHÉRI SAMBA 谢里· 桑巴 (NÉ EN 1956) La femme orchidée, 2003 Huile et paillettes sur toile, signée et datée en bas à droite 114 x 145 cm - 44 7/8 x 57 in. Oil and specks on canvas, signed lower right Un certificat rédigé par l'artiste sera remis à l'acquéreur « Je suis fier de me sentir avoir en moi toutes les qualités d'une fleur orchidée » 女子如兰, 2003  年 114 x 145  厘米 画布金粉油画,  署名于右下方 另付艺术家手写之原作保证书于成功购得拍品者 Né en 1956 en République Démocratique du Congo, Chéri Samba s'est fait connaître pour son art engagé et sa défense acharnée de la culture congolaise dans des toiles aux messages souvent politiques, figurant littéralement sur ses oeuvres. Car si la production de Chéri Samba est si éloquente, « parlante » même, si nous osons dire, c'est que les inscriptions fusent dans ses compositions, qu'elles soient en anglais, en lingala - dialecte congolais - ou en français, comme dans les deux huiles que nous proposons. Samba wa Mbimba N'zingo Nuni Masi Ndo Mbasi, de son vrai nom, s'illustre comme véritable ambassadeur de la « peinture populaire », mouvement dont il a lui-même inventé le nom| comme un grand nombre d'artistes contemporains africains de sa génération, il est autodidacte et s'est formé chez un peintre d'enseignes dans les années 1970. Usant de couleurs vives et d'un réalisme exacerbé, il n'hésite pas à verser, dans ses créations, du côté de l'humour, ironique, toujours, et de se nourrir de la tradition de la bande dessinée très prégnante au Congo, ainsi que de l'imagerie publicitaire et de la culture urbaine. L'oeuvre de Chéri Samba est centrée sur la représentation de personnages qui se font les commentateurs de faits de société, de l'actualité et de tous ses versants, méditant sur le monde en devenir, sur une Afrique en pleine mutation. Insérant régulièrement son image dans ses compositions, l'artiste se livre à une pratique originale de l'autoportrait, grâce à une mise en scène de sa propre personne, se faisant le chantre de ses combats, d'un art africain triomphant, en somme d'une génération. Depuis quelques années maintenant, une véritable émulation et un intérêt qui ne cesse de croître se sont fait jour autour de l'art contemporain africain, comme en témoignent tant l'engouement dont ses représentants font l'objet sur le marché de l'art que la multiplication des expositions ayant pour thème leurs créations. Ainsi, Chéri Samba a été mis à l'honneur lors de la très récente Beauté Congo à la Fondation Cartier (11 juillet - 15 novembre 2015) où une salle entière a été consacrée à ses oeuvres. En 2017, la Fondation Louis Vuitton choisit elle aussi de rendre hommage aux acteurs-clé de l'actuelle scène africaine avec la très attendue Art/Afrique, le nouvel atelier| de quoi ravir public curieux et collectionneurs avisés.

CHÉRI SAMBA 谢里· 桑巴 (NÉ EN 1956)

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CHÉRI SAMBA 谢里· 桑巴 (NÉ EN 1956) Mieux la chenille que le serpent, 2005 Huile et paillettes sur toile, signée en bas à gauche 114 x 145 cm - 44 7/8 x 57 in. Oil and specks on canvas, signed lower left Un certificat rédigé par l'artiste sera remis à l'acquéreur « Mieux la chenille que le serpent. S'il faudrait choisir dans la nature quelque chose ou bête qui change réellement, je choisirai être la chenille. 毛虫胜于蛇, 2005  年 114 x 145  厘米 画布金粉油画,  署名于左下方 另付艺术家手写之原作保证书于成功购得拍品者 Je veux que le changement dans mon travail, le changement dans ma vie soit véritable tel que la métamorphose de la chenille en papillon »

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YANG JIECHANG 杨诘苍 (1956) Sans titre, 1990-1991 Encre de Chine sur serviette en papier 38 x 38 cm - 15 x 15 in. Ink on napkin PROVENANCE Galerie Alice Pauli, Lausanne Collection privée 无题, 1990-1991 年 38 x 38 厘米 餐巾纸, 水墨 来源 洛桑Alice Pauli 画廊 私人收藏 YANG JIECHANG Yang Jiechang naît en 1956 dans la province de Guangdong, en Chine. Dans les années 70, il prend part à la révolution Culturelle en tant que garde rouge. Il intègre par la suite l’Académie des beaux-arts de Guangzhou, où il étudie la calligraphie et la peinture traditionnelle chinoise. Il y enseignera jusqu’en 1988. Yang Jiechang s’initie également, plusieurs années durant, au Taoïsme ainsi qu’au Bouddhisme Zen. Sous l’influence des deux philosophies de vie, le langage formel de l’artiste se «réduit à l’essentiel[1].» En 1989, l’artiste et deux de ses compatriotes, Huang Yong Ping et Gu Dexin, sont invités à prendre part à l’exposition les Magiciens de la Terre, qui se tient alors au centre Pompidou. L’évènement constitue une étape cruciale dans la diffusion de l’art contemporain chinois en France. En effet, c’est la première fois que des artistes chinois sont amenés à exposer hors de leur pays. Les Magiciens de la terre change le cours de la vie de Yang Jiechang qui décide de s’installer définitivement en France. [1] Yang Jiechang – Sur la Terre comme au Ciel, Slash/ [page consultée en ligne le 03/03/2017]. http://slash-paris.com/fr/evenements/yang-jiechang-sur-la-terre-comme-au-ciel Au cours de l’exposition Yang Jiechang réalise quatre œuvres sur papier. Ces dernières sont constituées de bandes de gaze, de couches successives d’encre traditionnelle, ainsi que de matériaux divers empruntés à la pharmacopée chinoise – tels que des huiles essentielles, différentes résines et plantes médicinales. L’emploi de tels matériaux témoigne du profond intérêt porté par l’artiste à l’histoire et à la culture de son pays. La série d’œuvres, intitulée Cent couches d’encre, sera développé par l’artiste jusqu’au début du XXIe siècle. Des œuvres issues de la série les Cents couches d’encre ainsi qu’un certain nombre de variations, sont aujourd’hui présentées à la vente par la maison Aguttes. L’association du papier, de l’encre et autres matériaux permet l’obtention d’incroyables jeux de reliefs, brillances et matités. L’emploi de l’encre, produit un noir intense, et confère une puissance toute particulière aux œuvres de Yang Jiechang. 杨诘苍 杨诘苍1956年出生于中国广东省。在70年代期间，他在文革时当上红卫兵队长。之后进入广州美术学院学习传统书法和水墨画，之后更在此任教到1988年。杨诘苍亦受了道教与佛教禅宗的影响，亦领悟出将艺术语汇减至最少的这种表现形式。 1989年，艺术家与另外两位同胞黄永砯与顾德新同时受蓬皮杜艺术中心之邀参予“大地魔术师（Magiciens de la Terre）”展，跨出了中国当代艺术在法国传播的第一步。此举，更是中国艺术家第一次踏出国土，到国外展出。此展之后更促使杨诘苍决定永久定居于法国。 展出期间，艺术家创作了四件纸本水墨作品，包覆着纱布绷带加上传统的油墨图层，以及以中国药草为媒材，如精油、树酯及本草药物。此种形式，体现了杨诘苍对自身国家历史与文化的浓厚兴趣。画家持续创作一系列以《千层墨》的作品，直至二十一世纪初。 这一系列与《千层墨》相关的作品，多少有些微变化，今日收入于Aguttes拍卖公司的拍卖中。融合纸张与墨还有其他媒材，使得作品呈现了浮雕般，且具有亮、雾面的特殊效果。透过对墨的使用，黑色所呈现的强烈张力，赋予了杨诘苍的作品一种特殊的能量。

YANG JIECHANG 杨诘苍 (1956)

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WANG YIGANG 王易罡 (NÉ EN 1961) Qianjiang n° 54, 2012 Huile sur toile, signée et datée en bas à droite 120 x 90 cm - 47 1/3 x 35 1/2 in. Oil on canvas, signed and dated lower right Un certificat rédigé par l'artiste sera remis à l'acquéreur. ANCIENNE PROVENANCE Centre Artasia, Paris 浅绛系列 第54 号, 2012  年 120 x 90  厘米 油画画布，署名及日期于右下方 来源 巴黎Artasia  中心 另付艺术家手写之原作保证书于成功购得拍品者

WANG YIGANG 王易罡 (NÉ EN 1961)

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