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巴黎 | 现当代艺术拍卖

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JOSEPH INGUIMBERTY 约瑟夫‧恩桂波提 (1896-1971) Au bord de l'eau, 1933 Huile sur toile, signée et datée en bas à gauche 65 x 92 cm - 25 1/2 x 36 1/4 in. Oil on canvas, signed and dated lower left 河畔, 1933年 画布油画，署名与日期于左下方 PROVENANCE Collection privée, Paris. Acquis directement auprès de l'artiste à Hanoï et conservé depuis. 来源 巴黎 私人收藏 直接于河南艺术家处购得并收藏至今 The professional career of a painter usually reflects the turpitudes of his private life. An artist feels and interprets the world around him intensely, and every significant experience in his life has some kind of impact upon his work. Because of the physical and psychological displacement it involves, travel seems to be the most familiar of these events. The painter who retains our interest here, Joseph Inguimberty, was an artist particularly affected by this phenomenon in the sense that far more than a journey, a whole period of his life unfolded abroad, in the distant lands of Indochina. Born in Marseille, Inguimberty had a highly successful early career as a landscapist from the age of thirty, when he received the Prix National de Peinture at the Salon of 1924. After a four-year European «tour», he grasped the opportunity to teach the decorative arts at the Ecole des Beaux-Arts in Hanoi, at the suggestion of its director, Victor Tardieu, and the artist Nam Son. Inguimberty certainly taught classes, but his fascination with temple decorations also led him to in-depth studies on the art of lacquering. He spent twenty years of his life in this way, until 1946, criss-crossing the Mekong Delta and depicting landscapes and scenes of local life. He also painted women, both typical peasant women in hats and, for the first time, nude models posing modestly in private apartments. His attitude and thus his painting were strongly influenced by this period. Even after his final return to the south of France, his work retained distinct traces of this Asian atmosphere. The work presented today was bought directly from the artist in Indochina. It reflects the two facets of his work: one Provençal, the other Asian. Though moving between olive groves and paddy fields, his painting is imbued with the same spirit: a straightforward approach focused on the exploration of light and colour. It is also poetic and touching, because he truly rendered his passion for what he saw through his brush. Typical of his Asian period, it remarkably illustrates the talent of an artist whose painting was genuinely uplifted through the years he spent in Asia. JOSEPH INGUIMBERTYl La carrière professionnelle d'un peintre est généralement liée aux turpitudes de sa vie privée. Un artiste ressent et retranscrit le monde qui l'entoure de la façon la plus intime qui soit et chacun des jalons qui parsème sa vie a une incidence plus ou moins grande sur son oeuvre. Parmi ces évènements, le voyage, par le dépaysement physique et psychologique qu'il implique, semble le plus familier. Le peintre qui nous intéresse ici, Joseph Inguimberty est un artiste particulièrement concerné par ce phénomène dans la mesure où plus qu'un voyage, c'est un morceau de sa vie qui s'est écrit à l'étranger, dans les lointaines contrées d'Indochine. Natif de Marseille, Inguimberty voit sa jeune carrière de peintre paysagiste couronnée de succès, dès l'âge de trente ans, lorsqu'il reçoit pour son travail le prix National de peinture au Salon de 1924. Après un «tour» européen de quatre années, il saisit l'opportunité qui lui est offerte d'enseigner en arts décoratifs à l'Ecole des Beaux-Arts de Hanoï, sous l'impulsion de Victor Tardieu, qui en est l'administrateur, et de l'artiste Nam Son. Inguimberty dispense des cours, certes, mais, subjugué par les décors des temples, il mène aussi des recherches poussées sur l'art de la laque. Il passe ainsi vingt années de sa vie, jusqu'en 1946, à arpenter le delta du Mékong, à dépeindre les paysages, les scènes de vie locales, et s'adonne également à la représentation des femmes, que ce soit la typique paysanne au chapeau ou, pour la première fois, le modèle nu posant avec pudeur dans les appartements privés. De cette période, il demeure marqué dans son esprit et donc dans sa peinture. Ainsi, même après son retour définitif dans le Sud de la France, son travail conservera les réminiscences de cette atmosphère asiatique. L'oeuvre présentée aujourd'hui a été acquise auprès de l'artiste directement en Indochine. Elle reflète les deux visages de son oeuvre, l'un provençal, l'autre asiatique. Voyageant entre oliviers et rizières, sa peinture n'a pourtant qu'un seul esprit: elle est franche et appliquée autour de la recherche sur la lumière et les couleurs| poétique et émouvante car le pinceau rend ici véritablement la passion de l'homme pour ce qu'il voit. Typique de sa période asiatique, elle témoigne remarquablement du talent de l'artiste dont la peinture s'es

JOSEPH INGUIMBERTY 约瑟夫‧恩桂波提  (1896-1971)

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LE PHO 黎谱 (1907-2001) Tourterelles, circa 1937 Encre et couleurs sur soie, signée en bas à droite 64 x 96 cm à vue - 25 x 37 3/4 in. Ink and color on silk, signed lower right 斑鸠, 约1937年 绢本设色，署名于右下方 BIBLIOGRAPHIE P. Le Tan| Le Pho, Fequet et Baudier, Paris, 1970, repr. page 18 pour une oeuvre en rapport PROVENANCE Collection privée, Paris Acquis vers 1952 et conservé depuis, Collection privée. 来源 巴黎 私人收藏 约购置于1952年，并收藏至今 Le Pho, fils du vice-roi du Tonkin, est né en 1907 à Hadong. Manifestant un intérêt poussé et des prédispositions précoces pour la peinture et le dessin, il intègre l'Ecole des Beaux-Arts d'Indochine. Il y est initié à l'art et aux techniques occidentales telles que la peinture à l'huile. Toutefois, l'enseignement dispensé au sein de l'établissement ne sacrifie en aucune façon l'identité culturelle de ses élèves, et les professeurs exhortent les étudiants à conserver un style et une mise en oeuvre asiatiques. La plupart des camarades de Le Pho: Le Van De, Mai Trung Thu, Vu Cao Dam, s'illustreront ainsi par leur pratique de la détrempe sur soie. En 1931, Victor Tardieu ' le fondateur et directeur de l'école ' sensible au talent du jeune homme, choisit d'en faire son assistant à l'occasion de Exposition coloniale qui se tient alors à Paris. Une fois l'Exposition achevée Le Pho décide de sillonner l'Europe: l'Italie, les Pays-Bas puis la Belgique. La découverte des primitifs flamands et italiens, mais aussi des grands maîtres de la Renaissance aura un impact décisif sur l'évolution et la maturation du style du jeune artiste. Le Pho regagne un temps son pays natal avant d'effectuer, en 1934, un voyage à Pékin durant lequel la peinture traditionnelle chinoise se révèlera à lui. En 1937, il s'installe définitivement à Paris. Faisant preuve d'une étonnante capacité d'assimilation, Le Pho élabore un art de synthèse original qui connaît une évolution sensible tout au long de sa carrière. Il se détache peu à peu d'une certaine tradition issue de l'observation des maîtres classiques chinois et de la peinture italienne de la Renaissance pour affirmer des affinités avec des protagonistes plus récents, à l'instar des figures majeures de l'avant-garde française auprès desquelles il a été introduit. Son of the Viceroy of Tonkin, Le Pho was born in 1907 at Hadong. Evincing a keen interest in painting and drawing, and a precocious talent for both, he entered the Ecole des Beaux-Arts d'Indochine, where he was introduced to Western art and techniques such as oil painting. However, the school's teaching in no way impinged upon the cultural identity of its students, and the teachers urged their pupils to maintain an Asian style and technique. Most of Le Pho's classmates ' Le Van De, Mai Trung Thu and Vu Cao Dam ' became famous for their use of tempera on silk. In 1931, Victor Tardieu, the school's founder and director, impressed by the young man's talent, made him his assistant during the Colonial Exhibition then held in Paris. After the Exhibition, Le Pho decided to travel around Europe, visiting Italy, the Netherlands and Belgium. His discovery of the Flemish and Italian Primitives and the great Renaissance masters considerably influenced the development and maturing of his style. He returned for a while to his native country before visiting Beijing in 1934, when he discovered traditionalChinese painting. In 1937, he settled permanently in Paris. With his extraordinary capacity for assimilation, Le Pho developed a highly original synthetic art that underwent significant changes over the course of his career. He gradually moved away from a certain tradition derived from his study of classical Chinese masters and Italian Renaissance painting, and like the majorFrench avant-garde figures he encountered, asserted his kinship with more recent artists. 黎谱为东京（河内旧名）总督之子，1907 年生于北越河内以南河东郡，少年时对绘画及素描有的极高的天分和兴趣，并就读于河内美术学院（l’Ecole des Beaux-Arts d’Indochine） 。进而接触到西方艺术与油画的绘画技巧。然而，校方的教育理念上并不希望学生放弃自身的文化认同，教师们更鼓励学生维持亚洲的风格与形式。黎谱大部分的同窗，如黎文第（Le Van De）、梅忠恕（Mai TrungThu）和武元谈（Vu Cao Dam），皆以绢本胶彩的创作方式闻名于世。1931年，河内美术学院创办人维克托‧塔迪厄（Victor Tardieu）因十分赏识黎谱的天份，让其以助手身份陪同出席在巴黎举行的殖民地大（l’Exposition Coloniale）。黎在展览结束后造访欧洲意大利、荷兰及比利时等国。受到弗兰德及义大利文艺复兴以前的艺术家及文艺复兴时期大师们的启发，对当时年轻的黎谱在风格演变的过程中产生极大影响。黎重返祖国，直到1934年前往中国北京旅游时领略到中国传统书画的奥妙，最後于1937年回到巴黎并就此定居。黎谱展现惊人的艺术领悟力，其艺术生涯中不断地够透过融合不同艺术特色，发展出他独特的风格。为了更进一步融入同一时期的法国前卫术风格，他逐渐放下对传统国画艺术及对义大利文艺复兴绘画的观察与理解。 LE PHO TOURTERELLES, CIRCA 1937 De par son sujet riche en symbole, la technique employée, l'incroyable qualité d'exécution, les Tourterelles sont un remarquable aboutissement dans le travail de l'artiste suite à ses recherches menées en Chine. Nous sommes en 1937, Le Pho vient d'achever un long voyage à Pékin et de poser ses va

LE PHO 黎谱 (1907-2001)

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MAI TRUNG THU 梅忠恕 (1906-1980) Jeune fille à l'éventail Encre et couleurs sur soie, signée et marquée du cachet en bas à droite. Dans son cadre d'origine réalisé par l'artiste 20 x 11.2 cm - 7 3/4 x 4 1/4 in. Ink and colors on silk, signed and stamped lower right. Framed by the artist 持扇的年轻女子 绢本设色水墨，署名及印章于右下方 附艺术家自制原装框 PROVENANCE Collection privée, Neuilly-sur Seine. 来源 塞纳河畔讷伊(Neuilly-sur-Seine) 私人收藏 Né en 1906 dans le Nord du Vietnam, près de Haïphong, Mai Trung Thu réalise sa scolarité au Lycée français de Hanoï, où il est introduit à la culture occidentale. En 1925, il intègre l'Ecole des Beaux-Arts d'Indochine. Il y suit l'enseignement de Victor Tardieu, fondateur de l'institution, et de Joseph Inguimberty, professeur éclairé 'aux côté de ses camarades Le Pho, Vu Cao Dam ou encore Le Van De. Grâce au concours de ses compagnons, il participe à l'Exposition coloniale de 1931. C'est à cette occasion qu'il découvre la France. Au terme de divers voyages en Europe, Mai Thu décide de s'y installer définitivement. Malgré l'enseignement reçu au sein des Beaux-Arts d'Indochine et l'immersion du peintre en Occident, l'oeuvre de Mai Thu conserve une très forte identité vietnamienne ' de par le style et la technique employés mais aussi par les sujets abordés dans ses peintures. Il abandonne la peinture à l'huile pour revenir à un procédé plus traditionnel| la détrempe sur soie. Mai Thu a réalisé plusieurs oeuvres similaires à la Jeune fille à l'éventail, à savoir des portraits de femmes en pied, debout, dans un décor très dépouillé. La simplicité de la composition, l'absence de volume et la palette ' réduite à sa plus simple expression' mettent en exergue la beauté de la ligne. Quelques traits suffisent à évoquer l'ovale délicat du visage, la courbe discrète des hanches et de la poitrine ainsi que la posture gracile de la jeune fille. Enfin l'éclat rose de la ceinture dynamise la palette, autrement très sobre. Le sentiment d'harmonie qui se dégage de l'oeuvre tient également au fait que Mai Thu a lui-même réalisé le cadre qui accompagne aujourd'hui encore la peinture. Considérant chacune de ses créations comme une oeuvre d'art totale, la réalisation du cadre était une pratique courante de l'artiste. Born in 1906 in North Vietnam, near Haiphong, Mai Trung Thu studied at the French Lycée in Hanoi, where he was introduced to Western culture. In 1925, he went to the Ecole des Beaux-Arts d'Indochine, where he studied with Victor Tardieu, the school's founder, and an enlightened teacher called Joseph Inguimberty, alongside his contemporaries Le Pho, Vu Cao Dam and Le Van De. With help from his companions, he took part in the colonial exhibition of 1931. This was where he discovered France. After various trips to Europe, Mai Thu decided to settle there permanently. Despite what he had learned at the Beaux- Arts d'Indochine and his immersion in Western culture, Mai Thu's output retained a strong Vietnamese identity through not only his style and technique, but also the subjects he chose. He abandoned oil painting and returned to a more traditional process: tempera on silk. He produced several works similar to the Jeune fille à l'éventail, i.e. fulllength portraits of standing women in very simple settings. Here the simplicity of the composition, the absence of volume and the colour range ' reduced to its simplest expression ' emphasise the beauty of the line. A few strokes are all it takes to evoke the delicate oval of the face, the unobtrusive curve of hips and bosom and the graceful posture of the young girl. The bright pink belt gives energy to an otherwise restrained palette. The sense of harmony emanating from the work also lies in the fact that Mai Thu himself made the frame that still surrounds the painting today. Considering each of his creations as a total work of art, the artist often provided his own frames 1906年生于越南北部海防市附近，梅忠恕高中就读于河内的法语学校，自此开启他对西方文化的认识。于1925年进入河内美术学院。如同其他同期越南艺术家黎谱（Le Pho）、武元谈（Vu Cao Dam）和黎文第（Le Van De），梅忠恕师从学院创办人维克托‧塔迪厄（Victor Tardieu）及知识渊博的艺术家约瑟夫‧恩桂波提（Joseph Inguimberty）。1931年，受邀赴法参加环球沙龙展（Ｌ’exposition coloniale），在多次赴欧旅游后，梅忠恕于1937年正式定居法国且在此渡过余生。尽管受教于塔迪厄和恩桂波提，并经历西方现代性的洗礼，梅忠恕仍一直保持着浓厚的越南传统文化根基。在其创作生涯中，他很快就放弃了油画技法，转向于具有强烈亚洲特色的绢本绘画，这也使其在保留东方传统绘画技法的同时建立起独特的个人风格。梅绘制了多幅此类主题的作品，持扇的年轻女子时呈坐姿时而站立，配以质朴的装饰。简化的构图可见于艺术家对空间及色彩的精心安排，极简的表现形式反而加强了线条之美。寥寥几笔即能展现少女精致的脸庞与婀娜的体态。最后，以醒目的粉红色裙带平衡了整件作品朴实的色调。为使作品整体氛围更加和谐，画家亲手为此幅作品装框，且伴随此画直至今日。因为非常看重每一幅艺术创作的整体性，故梅忠恕常为自己的作品制作画框。

MAI TRUNG THU 梅忠恕 (1906-1980)

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LE PHO 黎谱 (1907-2001) Maternité, circa 1937-1938 Encre et couleurs sur soie, signée en haut à droite et titrée au dos 50 x 38 cm - 19 ¾ x 15 in. Ink and color on silk, signed upper right, titled on reverse 母子图, 约1937-1938年间 绢本设色水墨，署名于右上方，标题于画布背面 PROVENANCE Galerie Romanet, Galerie d'art Pasteur, Alger vers 1941-42, n°52 Collection privée, France. 来源 Romanet 画廊, Pasteur 艺廊, 约1941-42年间购置 法国 私人收藏 Cette maternité témoigne de l'incroyable maitrise picturale de l'artiste. Tandis que le canon des protagonistes demeure asiatique, le sujet et la composition sont hérités de la peinture religieuse de la Renaissance. La mère enlace l'enfant qui repose endormi contre son sein. Ils sont représentés à mi-corps sur un fond neutre| et seuls quelques branchages animent l'arrière-plan. La scène évoque la longue tradition des Vierges de tendresse, initiée par les iconographes byzantins et reprise, entre autres, par Lippi, Botticelli ou encore Raphaël. La simplicité de la composition et de la palette accentue la beauté du dessin ' parfaitement maîtrisé ' et renforce l'expressivité de la scène. Le spectateur goûte véritablement au moment d'intimité partagé par la mère et son enfant. This mother and child illustrates the artist's extraordinary pictorial mastery. While the model of the protagonists remains Asian, the subject and composition are inherited from Renaissance religious painting. The mother clasps the sleeping child to her breast. They are shown half-length on a neutral background, enlivened by only a few branches. The scene evokes the time-honoured tradition of tender Madonnas initiated by Byzantine iconographers, later taken up by artists including Lippi, Botticelli and Raphael. The simplicity of the composition and palette accentuates the beauty of the finely-controlled drawing, and enhances the expressiveness of the scene. The viewer experiences this moment of intimacy between mother and child in a very real way. 此幅《母子图》证明了艺术家对绘画技巧之掌握令人惊艳。虽然主角是以亚洲人的形象呈现，但主题及画面的构成都继承了文艺复兴时期宗教画的形式。母亲搂抱着依靠在胸前的婴儿，人物皆以半身呈现，选用大自然景色作为背景。此场景正是起源于拜占庭东正教圣像画的传统主题《温柔的圣母像》之表现模式，且之后被多位画家如利皮（Lippi）, 波提切利（Botticelli） 及拉斐尔（Raphaël）等艺术家沿用。简单的构图与用色更加突出作品线条之美，也强化了作品的张力。使观者更能感受且分享这母子间的亲密时刻。

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LE PHO 黎谱 (1907-2001) Allégorie du sommeil, 1940 Aquarelle, gouache et crayon sur papier, signée et datée en bas à gauche 26 x 40.5 cm - 10 1/4 x 15 3/4 in. Watercolor, gouache and pencil on paper, signed and dated lower left 睡眠的寓言, 1940年 纸本水粉彩，署名与日期于左下方 PROVENANCE Collection privée, France. 来源 法国 私人收藏 Ce thème est rarement abordé par Le Pho. Une femme, dénudée, sommeille sur un grand lit. Absente du monde extérieur, elle repose sur le côté, s'abandonnant totalement au regard du spectateur. Le dessin est sobre mais expressif, quelques lignes suffisent à évoquer le corps de la jeune de la jeune femme. La pâleur de la carnation contraste fortement avec le noir des cheveux et le rouge des lèvres, ce qui renforce encore davantage le caractère érotique de cette scène. Notre regard est attiré par une belle fleur de lotus qu'elle tient à la main, symbole de féminité. Les touches blanches qui rythment le dessin symbolisent la pureté et la spiritualité. L'état inconscient du modèle, le style adopté, la composition du dessin, la délicatesse du tracé permettent à l'artiste, sans pour autant verser dans la vulgarité, de rendre hommage à la beauté de ce corps féminin.This a rare subject in Le Pho's work. We see a nude woman asleep on a large bed. Completely cut off from the outer world, she is lying on her side, yielding herself entirely to the viewer's gaze. The drawing is sober but expressive, outlining the young woman's body in a few lines. Her pale complexion contrasts strongly with her black hair and red lips, emphasising the eroticism of the scene still further. The eye is drawn to a beautiful lotus flower held in her hand: a symbol of femininity. The white points punctuating the drawing symbolise purity and spirituality. Through the model's unconscious state, the style adopted, the composition of the drawing and the delicate line, the artist pays tribute to the beauty of this female body without the slightest vulgarity 这是黎谱作品中颇为少见的一个题材。宽大的床上，一名仿佛与外界隔绝的全裸女子侧身而眠，玉体尽现观者眼前。 简练素雅的画面堪称活色生香，年轻女子的胴体只需区区几笔便跃然纸上。其白净的肤色与黑发红唇形成鲜明对比，更增加了画面的情色韵味。观者的目光被其手中代表女性的美丽荷花所吸引。画面中萦绕的白色则是纯洁与神圣的象征。透过人物的沉睡之态、画面的风格与构图以及细腻柔美的笔触，艺术家在表现女性躯体之美的同时又毫不流于粗俗。

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VU CAO DAM 武高谈 (1908-2000) artist pays tribute to the beauty of this female body without the slightest vulgarity

VU CAO DAM 武高谈 (1908-2000) Nu féminin, circa 1930-1935 Encre et couleurs sur soie, signée en bas à gauche 52.5 x 37 cm à vue - 20 1/2 x 14 1/2 in. Ink and color on silk, signed lower left 裸女, 约1930-1935年间 绢本设色，署名于左下方 PROVENANCE Collection privée, France 来源 法国 私人收藏 EXPOSITION Du fleuve rouge au Mékong, Visions du Viêt Nam, Musée Cernuschi, du 20 septembre 2012 au 27 janvier 2013 展览 2012年 九月20至2013年一月27,《Du fleuve rouge au Mékong, Visions du Viêt Nam》于巴黎Cernuschi博物馆 BIBLIOGRAPHIE Catalogue de l'exposition Du fleuve rouge au Mékong, Visions du Viêt Nam, Musée Cernuschi, du 20 septembre 2012 au 27 janvier 2013, reproduit p.102. 书录 巴黎Cernuschi博物馆《Du fleuve rouge au Mékong, Visions du Viêt Nam展览图录》, 102页 Vu Cao Dam est né en 1908 à Hanoï d'un père francophone et francophile mandaté par le gouvernement vietnamien pour représenter son pays lors de l'Exposition universelle de 1889 à Paris. Baignant dans un univers érudit et aisé, Vu Cao Dam ne tarde pas à intégrer l'Ecole des Beaux-Arts de Hanoï, fondée en 1925 par le peintre français Victor Tardieu. Il étudie la peinture, le dessin mais également la sculpture de 1926 à 1931. Participant, grâce au soutien de son professeur, à l'Exposition internationale de Paris en 1931, il parcourt la capitale et découvre une partie de la France, Vu Cao Dam choisit de s'y établir. Tout d'abord reconnu pour sa pratique de la sculpture, qui lui vaut de nombreuses commandes lors de son arrivée à Paris, il s'adonne également à la peinture sur soie. Dans ces deux domaines, l'art de Vu Cao Dam se concentre sur la figure humaine| bustes dans un cas, scènes de genre charmantes ou thèmes religieux dans l'autre. Les oeuvres présentées ont été réalisées dans les années 1930 et sont empreintes des préceptes traditionnels asiatiques. A l'instar des Glaïeuls, la figure de la femme représentée se détache sur un fond neutre. La simplicité de la mise en page souligne la grande beauté de la ligne. Les courbes subtiles expriment dans un cas les formes sensuelles du corps et dans l'autre, la nature fugace des fleurs épanouies. Si le cadrage des Glaïeuls est plutôt classique, celui du Nu l'est beaucoup moins. La scène est en légère contreplongée expose sans détours le corps de la jeune fille assoupie et permet à l'artiste d'inviter ainsi le spectateur à pénétrer l'intimité de la jeune femme, à admirer sa jeunesse et sa beauté le temps d'un regard. 武高谈于1908年生于河内，父亲不但会说法语与法国关系密切，1889年更受越南政府之托，代表国家出席于巴黎举办的世界博览会。浸浴于文人和学者的世界，武高谈很快就进入由法国画家维克托‧塔迪厄所创办的河南美术学院就读。1926年至1931年间，武除了在此习画之外，亦学习雕塑。在老师的支持与协助下，于1931年参予在巴黎举行的世界博览会。游历法国部分城市后，进而选择定居于此。初抵巴黎时，武高谈的雕塑技巧最先受到瞩目，也为他带来不少订单，同时他亦持续绢本绘画的创作。在这两个领域中，武高谈的绘画着重于人像的创作，同时亦有风俗民情及宗教题材等。

VU CAO DAM 武高谈 (1908-2000)

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LE PHO 黎谱 (1907-2001) Bouquet de fleurs, circa 1955 Encre, couleurs et gouache sur soie, signée en bas à droite 104.5 x 68,5 cm - 41 x 27 in. Ink, color and gouache on silk, signed lower right 瓶花, 约1955年 绢本设色，署名于右下方 PROVENANCE Collection privée, Paris 来源 巴黎 私人收藏

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VU CAO DAM 武高谈 (1908-2000) Fleurs de prunier, circa 1947 Gouache, encre et couleurs sur soie, signée en bas à gauche 44.5 x 28.5 cm - 17 1/4 x 11 in. Gouache, ink and color on silk, signed lower left 梅花, 约1947年 绢本设色，署名于左下方 PROVENANCE Collection privée, France 来源 法国 私人收藏

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QI BAISHI 齐白石 (1864-1957) Coq et sauterelles Peinture, encre et couleurs sur papier, signée et marquée de deux cachets sur le côté gauche 135.5 x 54.5 cm - 53 x 21 in. Painting, ink and colors on paper, signed and stamped twice 公鸡斗蟋蟀 纸本水墨设色，署名且钤印于左方 PROVENANCE Collection L (Lei Shiduo de son nom chinois) en poste à l'Ambassade française à Chongqing dans les années 1940 Vente Pescheteau-Badin, Drouot, Paris, expert Cabinet Portier, 30 mai 2007, n° 105 Collection privée, Paris 来源 Lei Shiduo(于40年间工作于重庆法国大使馆) 收藏 2007年五月30日购于 德鲁奥Pescheteau-Badin拍卖行，Portier鉴定专家工作室，第105 号拍品 巴黎 私人收藏 QI BAISHI Né en 1864 dans la province chinoise du Hunan, Qi Baishi est issu d'un milieu rural modeste. Quittant l'école très tôt afin de subvenir aux besoins de ses huit frères et soeurs, il devient menuisier. Il excelle dans ce domaine et ce n'est que plus tard qu'il s'oriente vers la calligraphie, la poésie, la peinture et la glyptique. Longtemps, le jeune Qi Baishi copie sans relâche. Il commence à voyager vers l'âge de 40 ans et parcourt les différentes régions de son pays natal. Il sillonne les montagnes, les vallées et les fleuves, se passionnant pour la nature si changeante et fascinante. Il remplit des cahiers entiers d'esquisses et d'études de paysages, de fleurs d'oiseaux et d'insectes de toutes sortes. Sa main gagne en assurance, en précision et en agilité et sa peinture se débarrasse de tout ce qui est superflu. Et si l'artiste reste attaché à la peinture chinoise traditionnelle et en conserve certains critères, notamment l'importance du vide qui doit illustrer le plein, il crée un style de peinture révolutionnaire, dans lequel les couleurs vives s'opposent à l'encre noire. Dans les années 1920, Chen Shizeng, critique d'art et grand admirateur des techniques artistiques occidentales, décide d'emmener quelques travaux de Qi Baishi pour les exposer au Japon. Le succès est immédiat et marque le point de départ d'une renommée internationale. Qi Baishi was born in 1864 into a modest rural home in the Chinese province of Hunan. He left school at a young age to help provide for his eight younger brothers and sisters and became a carpenter. He was very gifted in his craft and it was only later that he tried his hand at calligraphy, poetry, painting and glyptic. The young QiBaishi relentlessly copied year in and year out. He started to travel in his forties, visiting different regions of his homeland. He explored the mountains, the valleys and the rivers, falling in love with the fascinating and everchanging Nature. He filled entire sketchbooks with studies of landscapes, flowers, birds and insects of all kind. His hand grew steadier and sure, he was extremely meticulous. The end result is even more spontaneous and true, there is nothing superfluous about his paintings. And if the artist never lost his fondness for traditional Chinese painting and kept some of its standards such as the importance of the void which is supposed to illustrate a filled space, he created a personal style of painting in which bright colors would contrast with black ink 1864年出生于中国湖南省。齐白石是一个简朴的的乡下人，很早就离开学校成为木匠，以养育他的八个兄弟姐妹。在这领域极具天份，不久之后更转向书法，诗词，绘画及雕刻。日复一日，年轻的齐白石坚持不懈地临摹练习。年近不惑时开始游历于中国各大省份。行径多座高山，峡谷与川流，留恋震慑于大自然的多变。画册中满是草图及对风景与花鸟草虫的各种练习。越画手感越灵敏精准，风格更简单极致。尽管艺术家并未依附传统国画的形式，但他仍巧妙的运用留白，使用鲜艳的色彩结合黑墨创造出革命性的新绘画风格。 陈师曾一位对西方技法相当推崇的艺评家，于20年代带了几件齐白石的作品赴日展出，获得极大的回响，跨出齐扬名国际的第一步。

QI BAISHI 齐白石 (1864-1957)

CHINE période Jiaqing (1796-1820) Bol en porcelaine et émaux polychromes à décor au revers de fleurs, criquet et canards, l'intérieur orné de fruits et chauves-souris, le pourtour souligné d'un filet doré. Marque Jiaqing à six caractères sur la base. H. 6,5 - Diam. 14,5 cm 清嘉庆 粉彩荷塘鸭戏纹碗

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JEAN-BAPTISTE CAMILLE COROT 让-巴蒂斯·卡米耶·柯洛 (1796-1875) Un Soldat anglais, vers 1856 Huile sur papier, signée en bas à droite 10,7 x 8 cm à vue - 4 x 3 in. Oil on paper, signed lower right 一个英国士兵, 约1856年 纸本油画，署名于右下方 PROVENANCE Collection Abel Osmond, ami de l'artiste Collection Floris Osmond Transmis familialement, collection privée, France 来源 艺术家好友Abel Osmond 收藏 Floris Osmond 收藏 家庭继承，法国 私人收藏 BIBLIOGRAPHIE A. Robaut, L'oeuvre de Corot: catalogue raisonné et illustré, t. III, Paris, H. Floury, 1905, repr. n°2449, p. 388-389. 书录 A. Robaut着,《L’oeuvre de Corot : catalogue raisonné et illustré, t. III》, 巴黎：H. Floury,出版, 1905年，编号2449，388-389页 Jean-Baptiste Corot se dirige vers une carrière artistique à l'âge de 26 ans. Il se forme d'abord auprès d'Achille-Etna Michallon, qui l'encourage à peindre sur le motif. A la mort de Michallon, Corot intègre l'atelier du maître de ce dernier: Jean-Victor Bertin. Bertin, sans nul doute le plus grand peintre paysagiste de son temps, lui inculque alors les règles du paysage classique. A l'instar de nombreux jeunes hommes issus de familles aisées, Corot décide de voyager dans le but de parfaire son éducation - ainsi que sa formation de peintre.Il se rend ainsi plusieurs fois en Italie, en Suisse, aux Pays-Bas ainsi qu'en Angleterre. Lors de son premier séjour en Italie, entre 1825 et 1828, il se fascine pour Rome et son atmosphère colorée. Il réalise alors près de 150 huiles sur papier - exécutées directement sur le motif - de la ville mais aussi de la campagne romaine. Au terme de ce voyage, l'artiste décrit les éléments naturels au sein de compositions très structurées. Les couleurs sont très peu modulées, ce qui aboutit à un aplatissement des formes. Dans le courant des années 1850, la technique de l'artiste évolue radicalement. La lumière est plus subtile. Corot met au point un chromatisme particulier, argenté, inspiré de l'art de Watteau et de ses pairs. Il se dégage de ses oeuvres un effet d'atmosphère vaporeux, ce qui leur confère un caractère éminemment mystérieux, poétique. La notoriété du peintre ne cesse de croître. En 1846, Corot est nommé Chevalier de la Légion d'Honneur et en 1867, l'Empereur le promeut officier. A la fin de sa vie, Jean-Baptiste Corot compte parmi les plus célèbres peintres de Paris. Il sera unanimement adulé par la postérité et les peintres des siècles suivants ne cesseront de s'inspirer de son travail. Edgar Degas affirmera «il est toujours le plus grand», Claude Monet dira quant à lui «il y a un seul maître, Corot». Connu avant tout pour ses paysages, Corot s'illustra également dans d'autres genres. Mary Cassat, Van Gogh, Gauguin et même Picasso, admirèrent ainsi ses portraits de femmes. La petite huile sur papier intitulée Un soldat anglais a pu être réalisée au cours de l'un des voyages du peintre. Le sujet, rapidement brossé, indique que l'oeuvre a très probablement été réalisée sur le motif. La facture est grossière mais néanmoins expressive. Quelques traits de pinceau suffisent à évoquer les bateaux ainsi que les habitations. La palette est très sobre à l'exception de la veste rouge du soldat, qui égaie l'ensemble de la scène. Cette peinture peut être considérée à la fois comme un témoignage de la vie au XIXe siècle et un souvenir du périple de Jean-Baptiste Corot à travers l'Europe.Jean-Baptiste Corot turned to art at the age of 26. He first studied with Achille-Etna Michallon, who encouraged him to paint from life. After Michallon's death, Corot joined the studio of his master's teacher, Jean-Victor Bertin, undoubtedly the greatest landscapist of his time, who taught him the rules of classical landscape painting. Like many young men from a wealthy background, Corot decided to travel, to round off his education and his training as a painter. He went several times to Italy, Finland, the Netherlands and England. During his first stay in Italy between 1825 and 1828, he developed a fascination for Rome and its colourful atmosphere, producing nearly 150 oils on paper of the city and the Roman countryside, painted directly from life. By the end of this trip, the artist was depicting natural elements within highly- structured compositions. The colours were little modulated, which resulted in a flattening of forms. During the 1850s, his technique changed radically. He made subtler play with light, and developed a particular form of silvery chromaticism inspired by the art of Watteau and his contemporaries. These works emanate a misty, atmospheric effect, giving them a distinctly mysterious and poetic feel. His reputation grew constantly| in 1846, he was made Chevalier de la Légion d'Honneur and in 1867 the Emperor promoted him to the next rank, «Officier». By the end of his life, Jean-Baptiste Corot was one of the most celebrated painters in Paris. He was unanimously acclaimed by posterity, and painters continued to be inspired by his work in

JEAN-BAPTISTE CAMILLE COROT 让-巴蒂斯·卡米耶·柯洛 (1796-1875)

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Léon Victor DUPRE (1816-1879) Paysage, 1867 Huile sur toile, signée et datée en bas à droite 19,5 x 24,5 cm - 7 1/2 x 9 1/2 in. Oil on canvas, signed and dated lower right

Léon Victor DUPRE (1816-1879)

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Johan-Barthold JONGKIND (1819-1891) Le fort Rabot au bord de Lisère, Grenoble, 1885 Huile sur toile, située et datée en bas 33 x 56 cm - 13 x 22 in. Oil on canvas, situated and dated lower part Une version très similaire est conservée au Rijksmuseum Vincent van Gogh à Amsterdam Le certificat rédigé en date du 22 janvier 1981 par Robert Schmit sous le n°1499 sera remis à l'acquéreur BIBLIOGRAPHIE Victorine Hefting, Jongkind, sa vie, son oeuvre, son époque, Arts et métiers graphiques, Paris 1975, repr.n° 786 p.300 sous le titre «L'Isère à Grenoble» Anne-Marie Bergeret-Gourbin,Jongkind, Au fil de l`eau, Paris 1994, ill. en couleur p. 62 Adolphe Stein, Sylvie Brame, François Lorenceau, Janine Sinizergues, Jongkind, Catalogue critique de l`oeuvre, Peintures, tome I, Paris 2003, repr. n° 847 p. 313 PROVENANCE Collection Alexandre Blanc, Paris Vente Galerie Georges Petit, Paris, 3 - 04 décembre 1906, n°55 Collection Meyer Goodfriend, New-York Vente The American Art Galleries, New-York, 04 janvier 1923, n° 19 Kraushaar Galleries, New-York, 1925 Arthur Tooth & Sons, Londres Collection Mareschal, Paris Johan Bartold Jongkind naît dans la ville de Lattrop au Pays-Bas. En 1837, il intègre l'Académie de dessin de La Haye, où il devient l'élève du célèbre paysagiste Andreas Schelfhout. Ce dernier l'initie notamment à l'aquarelle, une technique qui marquera profondément l'oeuvre de Jongkind. Cette dernière lui permet en effet de croquer, sur le vif, effets d'atmosphère et jeux de lumière ' qu'il retranscrit ensuite sur une toile, dans son atelier. Quelques années plus tard, Jongkind fait la rencontre du peintre Eugène Isabey, qui lui propose de rejoindre son atelier à Paris. Jongkind accepte et gagne la capitale, où il fait la connaissance de nombreuses personnalités de l'époque, telles que Daubigny, Baudelaire, Nadar, Rousseau ou encore Corot. Jongkind multiplie les représentations de la ville, affectionnant tout particuliè

Johan-Barthold JONGKIND (1819-1891)

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Narcisse Virgile DIAZ de LA PENA (1807-1876) Bouquet de pivoines Huile sur panneau, signée en bas à gauche 22,5 x 16 cm - 8 1/2 x 6 in. Oil on panel, signed lower left

Narcisse Virgile DIAZ de LA PENA (1807-1876)

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Félix ZIEM (1821-1911) Saint-Pierre, Rome Huile sur toile, signée en bas à droite 41.5 x 27.5 cm - 16 x 10 1/2 in. Oil on canvas, signed lower right BIBLIOGRAPHIE Anne Burdin-Hellebranth «Félix Ziem 1821-1911», Bruxelles 1998, tome I, n°. 991, ill. p. 394 PROVENANCE Vente, Hôtel Drouot, Paris, 20.02.1970, n°. 114 Vente Parke-Bernet, Los Angeles, 27.05.1974, n°. 26 Vente Sotheby's Parke-Bernet, NY, 29.10.1981, n°. 213, Schweitzer Gallery, NY

Félix ZIEM (1821-1911)

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EUGEN JETTEL (1845-1901) Paysage à Fontainebleau, 1876 Huile sur panneau, signée, située Paris et datée en bas à droite 65 x 105.5 cm - 25 1/2 x 41 1/4 in. Oil on panel, signed, situated Paris and dated lower right PROVENANCE Collection Sedelmayer, Paris Kunlthaus Bühler, Stuttgart

EUGEN JETTEL (1845-1901)

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Georges STEIN (1870-1955) Paris Paire d'huiles sur panneau, signées et situées en bas à gauche 18.5 x 24 cm - 7 x 9 1/2 in. Pair of oil on panel, signed and situated lower left

Georges STEIN (1870-1955)

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Pierre-Auguste RENOIR (1841-1919) Petite Vénus à la pomme Bronze à patine gris bleu nuancé. Marqué d'un cachet Valsuani et d’un numéro VIII/VIII Hauteur : 58,4 cm - 23 in. Bronze with brown patina, inscribed, numbered VIII / VIII and stamped with a foundry mark Valsuani PROVENANCE Monsieur Desmoineaux St cloud Collection privée, Paris, acquise vers 2012

Pierre-Auguste RENOIR (1841-1919)

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Maxime MAUFRA (1861-1918) Mer sous le soleil, Quiberon, Morbihan, 1916-1918 Huile sur toile, signée et datée en bas à gauche 46 x 55 cm - 18 x 21 1/2 in. Oil on canvas, signed and dated lower left Le certificat rédigé par Caroline Durand-Ruel Godfroy en date du 27 décembre 1989 indiquant une insertion au catalogue raisonné alors en préparation sera remis à l'acquéreur BIBLIOGRAPHIE Maxime Maufra, Le Chasse-Marée. Editions de l'Estran, repr. planche 48 EXPOSITION Paris, Galerie Durand-Ruel, Maxime Maufra, octobre-novembre 1942, n°29 St. Germain-en-Laye. Musée du Prieuré, Maxime Maufra, août-novembre 1986, n°33 PROVENANCE Galerie Durand-Ruel, Paris (n° inv. 11291, n° de photo 10136) en 1942 Collection privée, Saint Cloud

Maxime MAUFRA (1861-1918)

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VICENTE DE REGO MONTEIRO (1899-1970) O Aguardenteiro Couleurs sur soie, signée en bas à droite 59 x 72 cm - 23 1/4 x 28 1/3 in. Color on silk, signed lower right PROVENANCE Salon des Indépendants, Paris, 1961 Collection privée, Paris OEUVRE EN RAPPORT Sao Paulo, Museu de Arte Moderna, 1977En 1932, Monteiro rentre au Brésil et il diversifie ses activités. Il s'adonne notamment à la fabrication de cachaça dans le moulin qu'il possède près de chez lui. L'une des oeuvres que nous vous présentons ici, figurant un meneur d'âne chargé de canne à sucre, participe non seulement à la récurrente présence des scènes rurales dans l'oeuvre de l'artiste, mais aussi à la mise en exergue de l'une des étapes de la fabrication de cet alcool. Monteiro effectua plusieurs versions sur ce sujet et une oeuvre comparable s'intitule d'ailleurs «O Aguardenteiro», comprenez: «Le faiseur d'eau-de-vie», Brésil, 1936. Huile sur toile, 51 x 60,5 cm. Les oeuvres de Monteiro ne font pas partie par hasard des fonds de certains des plus grands musées. En effet, cet artiste est des plus intéressants pour la mise en regard qu'il opère entre sa culture d'origine et les avant-gardes européennes de la première moitié du XXe. Par son oeuvre, par l'organisation d'expositions sur l'École de Paris à Recife, São Paulo et Rio de Janeiro, ainsi que par les enseignements qu'il donna, Monteiro, également reconnu pour ses talents de poète, de peintre et de sculpteur, contribua très activement à l'émergence du modernisme pictural au Brésil. Monteiro returned to Brazil in 1932, and began to diversify his activities. In particular, he began making cachaça in the mill he owned near his house. One of the pictures we are presenting here, a man driving a donkey laden with sugar cane, not only added to the ever-growing rural aspect of the artist's work but also highlighted one of the stages in making this alcohol. Monteiro produced several versions of this subject, and a similar work, is incidentally en

VICENTE DE REGO MONTEIRO (1899-1970)

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VICENTE DE REGO MONTEIRO (1899-1970) Enfant, 1924 Couleurs sur soie, signée et datée en bas à droite 46 x 38 cm - 18 x 15 in. Color on silk, signed and dated lower right PROVENANCE Collection privée, Paris

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Georges PAPAZOFF (1894-1972) * Le couple, 1930 Huile sur toile, signée en bas à gauche 116 x 89 cm - 45 1/2 x 35 in. Oil on canvas, signed lower left EXPOSITION Galerie Françoise Tournié, du 25 janvier au 25 février 1973, Paris PROVENANCE Vente Galateau, Limoges, 1983 Collection privée

Georges PAPAZOFF (1894-1972)

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André DERAIN (1880-1954) Portrait de femme Sanguine sur papier, signée en bas à droite 60 x 44.5 cm à vue - 23 1/2 x 17 1/4 in. Red chalk on paper, signed lower right PROVENANCE Collection privée

André DERAIN (1880-1954)

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Octave GUILLONNET (1872-1967) Conversation dans un jardin fleuri, 1923 Huile sur toile, signée et datée en bas à droite 81 x 65 cm - 31 3/4 x 25 1/2 in. Oil on canvas, signed and dated lower right PROVENANCE Collection privée, Paris

Octave GUILLONNET (1872-1967)

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André HAMBOURG (1909-1999) A marée basse, à Trouville, 1975 Huile sur toile, signée en bas à gauche, monogrammée et titrée au dos 33.5 x 55 cm - 13 x 21 1/2 in. Oil on canvas, signed lower left, monogrammed and titled on reverse Le certificat d'authenticité rédigé en date du 2 mai 2017 par Nicole Hambourg sera remis à l'acquéreur PROVENANCE Collection privée, Paris

André HAMBOURG (1909-1999)

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ELOI-NOËL BOUVARD DIT MARC-ALDINE (1875-1957) Le palais des Doges, Venise Huile sur toile, signée en bas à droite 50 x 65 cm - 19 1/2 x 25 1/2 in. Oil on canvas, signed lower right BIBLIOGRAPHIE Cette oeuvre sera reproduite au catalogue raisonné actuellement en préparation par Monsieur Ludovic Saulnier sous le n°600

ELOI-NOËL BOUVARD DIT MARC-ALDINE (1875-1957)

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