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巴黎 | 现当代艺术拍卖

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Paul-Émile PISSARRO (1884-1972) Les pierres dans l'Orne Huile sur toile, signée en bas à droite 55 x 46 cm - 21 1/2 x 18 in. Oil on canvas, signed lower right Madame Lélia Pissarro a confirmé l'authenticité de cette oeuvre. Elle sera incluse dans le catalogue raisonné des oeuvres de Paul-Emile Pissarro actuellement en préparation

Paul-Émile PISSARRO (1884-1972)

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Maurice BRIANCHON (1899-1979) Calèche dans un sous-bois, 1941 Huile sur toile, signée et datée en bas à gauche 65 x 92 cm - 25 1/2 x 36 1/4 in. Oil on canvas, signed and dated lower left BIBLIOGRAPHIE Pierre Antoine Brianchon & Olivier Daulte, Maurice Brianchon, Catalogue de l'oeuvre peint, Corcelles/Neuchatel 2008, repr| n° 194, Farbass. S.125 EXPOSITION Maurice Brianchon, David Findlay Galleries, 8 mai- 12 juin 2004, New-York,no.11 (ill.) PROVENANCE Vente Christie's, New York, 6 octobre 1988 David Findlay Galleries, New York Vente Christie's, 2013

Maurice BRIANCHON (1899-1979)

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Bernard BUFFET (1928-1999) Bateaux dans le port, 1972 Huile sur toile, signée en haut à droite, datée à gauche 89 x 130 cm - 35 x 51 in. Oil on canvas, signed upper right, dated on the left 港口船舶, 1972年 画布油画，署名于右上方，日期于左方 Le certificat rédigé par Ida et maurice Garnier en date du 10 octobre 2007 sera remis à l'acquéreur 成功购得拍品者将获得由Ida与Maurice Garnier于2007年十月10号开出的保证书 PROVENANCE Collection personnelle de l'artiste Galerie Garnier Collection privée, Dijon 来源 艺术家个人收藏 Garnier 画廊 第戎 私人收藏 BERNARD BUFFET BATEAUX DANS LE PORT, 1972 Il y a d'abord sa «touche», un style, un graphisme, si personnel, que ses contemporains remarquèrent rapidement et qui lui vaudra son succès malgré les critiques. La précocité de son talent, la précision de son trait acéré et la puissance de ses compositions rendent ses oeuvres reconnaissables entre milles. Au cours de sa longue et prolifique carrière, il n'aura de cesse de se réinventer tout en conservant ce «style» si particulier, cette expressivité qui reflète le mieux son rapport fusionnel avec l'art. Son sens de la ligne, aiguë, pour ne pas dire coupante, cette sobriété hiératique presque ascétique où la force ressort justement d'une linéarité et d'une sobriété proche du Classicisme, autant de mots qui définissent le travail d'un artiste que certains considère comme le plus peintre figuratif français du XXe siècle. Il y a aussi sa «marque», une empreinte omniprésente sur ses toiles, affirmation de la paternité de l'artiste sur ses oeuvres comme si sa touche ne suffisait pas: sa signature, sculpturale, aussi travaillée et lisible que ses lignes. Une signature décriée pour sa présence incontournable sur ses oeuvres, mais rarement un artiste aura su traiter son nom à la manière de son art, en l'occurrence par cette calligraphie si reconnaissable. Enfin il y a sa postérité, celle d'un artiste qui aura su dépasser les difficultés, en se retranchant toujours dans le travail pour faire taire les critiques proférées à son encontre. Son véritable accomplissement est surement d'avoir su garder l'identité de sa peinture, l'expression écorchée de son intériorisation des formes et des couleurs. Un art figuratif qui ne ressemble à aucun autre, tel est ce que l'on reprochait à Buffet, et tel est ce que l'on recherche avant tout chez un peintre: l'innovation, l'inventivité et l'honnêteté de sa peinture. Certes, il a connu la reconnaissance: Bernard Buffet remporte le concours d'entrée à l'Ecole Nationale des Beaux-Arts de Paris à 15 ans. Il est fait chevalier de la Légion d'Honneur en 1971 et rentre à l'Académie Française en 1973. En 1973, ouvre le Musée Bernard Buffet au pied du Fuji- Yama, il devient alors le premier peintre au monde à assister à l'ouverture de son vivant d'un musée lui étant entièrement consacré. Mais derrière les honneurs se cache un forcené de travail. Au début des années 70, il achète le château de Villiers-le-Mahieu et s'y cloître pendant environ quatre ans, travaillant des dizaines d'heures par jour à la série des Bateaux dont est issue notre oeuvre, puis à celles de paysages maritimes de Bretagne ou d'Auvergne. Bien avant qu'il ne décide de mettre fin à ses jours, faute de pouvoir encore peindre, Maurice Druon dont il réalisa plusieurs portraits écrivit de lui en 1964: «je le tiens pour un obsédé de la Mort...[...] d'abord et surtout parce qu'il est peintre, suprêmement, et donc il ne cesse de lutter contre la mort, contre la fuite de l'aspect des choses, de l'aspect qu'elles ont pour lui, et qu'il voudrait à tout instant saisir et fixer indéfiniment». La toile que nous vous présentons, parvient à condenser parfaitement tout ce que Buffet pouvait mettre de lui-même dans ses oeuvres, le thème, le format, les lignes, la signature. Une oeuvre complète, sans équivoque, le travail d'un artiste entier.First, there is his «touch»: a highly personal approach and drawing style rapidly singled out by his contemporaries, and which earned him success, despite much criticism. His precocious talent, sharp, precise line and powerful compositions make his works recognisable among thousands. He continually reinvented himself over the course of a long and prolific career, while preserving that extraordinarily individual «style»: an expressiveness that truly reflected his intense bond with art. A keen ' not to mention sharp ' sense of line, and a hieratic, almost ascetic sobriety, whose power derives precisely from a restrained linearity close to Classicism, are all terms that can be used to describe the work of an artist often considered the most figurative painter of the 20th century. Secondly, there is his «trademark»: an imprint omnipresent in all his paintings, affirming the paternity of his works, as though his touch were not enough: a sculptural signature, as practised and legible as his lines ' a signature that has been criticised

Bernard BUFFET (1928-1999)

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Léon Arthur TUTUNDJIAN (1905-1968) Pomme et poire Huile sur toile, signée en bas à droite 81 x 116 cm - 31 3/4 x 45 1/2 in. Oil on canvas, signed lower right PROVENANCE Collection lyonnaise vers 1982-1984 Collection privée Vente Thierry-Lannon, Brest, 2014 Collection privée, Paris BIBLIOGRAPHIE Cette oeuvre sera reproduite au catalogue raisonné actuellement en préparation par Monsieur Alain Le Gaillard. Léon H. Tutundjian naît en 1905 à Amasya, au sein d'une famille arménienne. Echappant au génocide perpétré par l'Empire Ottoman, il s'exile en Grèce, puis en Italie, avant d'arriver à Paris en 1923. Tutundjian est alors immergé dans un milieu en pleine effervescence artistique. Il est fasciné par les idées qui s'y succèdent et les mouvements multiples: postimpressionnisme, fauvisme, cubisme, futurisme.... Le jeune homme est accueilli et soutenu par les membres de la communauté arménienne - dont le peintre et sculpteur Ervand Kotchar - ainsi que le peintre géorgien David Kakabadzé. Artiste excessivement curieux, il s'intéresse à chaque courant. Tout d'abord, il produit des collages d'inspiration cubistes ainsi que quelques oeuvres expressionnistes. En 1925 est organisé l'exposition «l'Art d'Aujourd'hui», rue de la Ville-l'Evêque, à Paris. Tutundjian y découvre les oeuvres de Brancusi, Csaky, Lipchitz, Mondrian ou encore Léger. Sous l'influence combinée des oeuvres aperçues lors de la manifestation et du travail de David Kakabadzé, l'artiste se tourne vers l'abstraction. Il se passionne pour l'abstraction géométrique et explore les possibilités du tachisme et de l'automatisme dans des compositions dites «organiques». Tutundjian sera, par ailleurs, un membre actif des groupes Art concret et Abstraction-Création. En 1930, Léon Tutundjian abandonne l'abstraction pour la figuration surréaliste, un mouvement théorisé par André Breton dans le Manifeste du surréalisme, paru en 1924. Le surréalisme de Tutundjian - et notamment Pomme et

Léon Arthur TUTUNDJIAN (1905-1968)

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Jean DEWASNE (1921-1999) Le Coeur Scellé, circa 1960 Laque glycérophtalique sur panneau d'isorel 50 x 64 cm - 19 1/2 x 25 in. Enamel on hardboard metal Le certificat rédigé en date du 24 avril 2017 par Gérard Galby, ayant-droit, sera remis à l'acquéreur PROVENANCE Collection privée, Italie Collection privée, Londres Après des études classiques et musicales très poussées, Jean Dewasne intègre l'Ecole des Beaux-arts de Paris où il fréquente les ateliers d'architecture. C'est à cette période qu'il découvre l'art de Kandinsky, puis celui de Mondrian. Cette rencontre est vécue comme un véritable choc esthétique et Dewasne décide de se consacrer pleinement à la peinture. En 1943, il s'engage dans la voie de l'abstraction géométrique aux côtés d'Hans Arp, Hans Hartung, Serge Poliakoff ou encore Nicolas de Staël. Deux ans plus tard, l'artiste reçoit le premier prix Kandinsky lors du Salon des Réalités Nouvelles. Dewasne compte certainement parmi les peintres abstraits les plus actifs de l'après-guerre. En 1950, il crée l'Atelier d'art abstrait qui connaît bientôt un rayonnement international. L'artiste multiplie alors les conférences techniques et philosophiques. Il réalise par ailleurs un certain nombre d'oeuvres monumentales destinées à l'espace public telles que la décoration du stade de Glace de Grenoble à l'occasion des Jeux Olympiques de 1968 ou la Longue Marche pour une université de Lilles en 1969. Si Jean Dewasne s'est principalement attaché à réaliser des oeuvres graphiques, il compte aussi à son actif quelques peintures et Antisculptures -réalisées à partir de carrosseries de voitures. En 2011, la veuve de l'artiste effectue une très importante donation au profit des musées de France. Les oeuvres de Dewasne figurent ainsi aujourd'hui dans une douzaine de musées dont le Musée Matisse du Cateau-Cambrésis, le Musée des Beaux-arts de Cambrai, le LaM ainsi que le LAAC à Dunkerque. Le Coeur Scellé a été réalisée vers 1960, soit une p

Jean DEWASNE (1921-1999)

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ZAO WOU-KI 赵无极 (1921-2013) Sans titre, 1997 Encre de chine sur papier, signée et datée en bas à droite, dédicacée "Pour Yann et Jean-Marie, très affectueusement, Paris, 11 mars 1998" au dos 30 x 30 cm - 11 3/4 x 11 3/4 in. China ink on paper, signed and dated lower right, dedicated on reverse 无题, 1997年 纸本水墨, 署名与日期于右下方, 题款 "Pour Yann et Jean-Marie,très affectueusement, Paris, 11 mars 1998" 于作品背面 Un certificat rédigé par Madame Françoise Marquet pour la Fondation sera remis à l'acquéreur 成功购得拍品者将获得由Françoise Marquet女士开出给基金会的保证书 PROVENANCE Don de l'artiste au propriétaire actuel 来源 卖家受艺术家所赠 Nous remercions Yan Hendgen, directeur artistique de la Fondation Zao Wou-Ki, qui nous a aimablement confirmé que notre encre est référencées dans les archives de la Fondation. 本行在此感谢赵无极极基金会之艺术总监Yan Hendgen，为我们确认此件拍品收编于基金会档案中 Zao Wou-Ki est né en 1920 au sein d'une famille d'intellectuels chinois. Il commence à peindre et à dessiner dès l'âge de dix ans. Le grand-père de Zao occupe une place essentielle dans l'éduction artistique du jeune garçon en l'introduisant notamment à l'art de la calligraphie. En 1935, Zao Wou-Ki intègre l'Ecole des Beaux-Arts d'Hangzhou - fondée par Lin Fengmian - où lui sont inculquées les techniques traditionnelles chinoises ainsi que la peinture occidentale. Les dernières recherches picturales européennes exercent un incoercible attrait sur le jeune homme qui décide, en 1948, de gagner la France. Zao Wou-Ki installe son atelier à Paris, rue du Moulin-vert, dans le 14e arrondissement. L'artiste fréquente alors l'Académie de la Grande Chaumière ainsi que les galeries de la capitale - où il rencontre Norman Bluhm, Jean-Paul Riopelle, Nicolas de Staël, Sam Francis, Pierre Soulage ou encore Hans Hartung. Zao Wou-Ki prend bientôt part aux expérimentations abstraites agitant alors le milieu parisien. Il expose à la Galerie de France aux côtés d'Hartung et de Soulages, deux célèbres représentants du mouvement abstraction lyrique. L'artiste réalise de grands paysages informels «opérant la synthèse des techniques modernes et de la grande tradition chinoise du paysage»[1]. Son travail le rattache à la nouvelle école de Paris à laquelle appartiennent Alfred Manessier, Jean Bazaine, Raoul Ubac ou encore Jean Bertholle. A partir de 1952, Zao Wou-Ki est régulièrement exposé à Paris, en Suisse et enfin aux Etats-Unis. Dans les années 1980, sa notoriété gagne l'Asie| Singapour, Hongkong, Taïwan et le Japon. Il est également invité à revenir en Chine pour plusieurs expositions à Pékin et Hangzhou. Décédé en 2013, Zao Wou-Ki est considéré comme l'un des plus grands peintres contemporains. Il a, tout au long de sa vie multiplié les honneurs et les récompenses, et son oeuvre est aujourd'hui exposée dans le monde entier. Nous présentons aujourd'hui à la vente une encre réalisée en 1998. Il s'agit de la technique de prédilection de l'artiste, un temps délaissée, et vers laquelle il se réinvestit particulièrement à partir de 1971, sous l'impulsion notamment du peintre Henri Michaux. L'encre permet à Zao Wou-Ki de «réinterpréter l'abstraction selon la conception chinoise du geste et de l'espace»[2]. L'artiste joue sur les tâches, les traces et les projections. Au terme d'un véritable ballet, le motif jaillit de la feuille blanche pour donner vie à l'oeuvre d'art. Le procédé, éminemment symbolique, permet à l'artiste d'engendrer des oeuvres empreintes d'une indéniable poésie. Zao Wou-Ki was born in 1920 to a family of Chinese intellectuals. He began to paint and draw from the age of ten. His grandfather played a key role in the young boy's artistic education by introducing him to the art of calligraphy. In 1935, Zao Wou-Ki entered the Ecole des Beaux-Arts of Hangzhou (founded by Lin Fengmian), where he was taught both traditional Chinese and Western painting techniques. The latest experiments in European painting considerably influenced the young man, and in 1948 he decided to go to France. He set up a studio in Paris, in Rue du Moulin- vert, in the 14th arrondissement, attended the Académie de la Grande Chaumière, and was a frequent visitor to the capital's art galleries, where he met Norman Bluhm, Jean- Paul Riopelle, Nicolas de Staël, Sam Francis, Pierre Soulages and Hans Hartung. Zao Wou-Ki soon adopted the abstract experimental style then causing a stir in the Paris scene. He was exhibited at the Galerie de France alongside Hartung and Soulages, two famous exponents of Lyrical Abstraction. The artist painted large informal landscapes “synthesising modern techniques with the great Chinese painting tradition”.[1] His work linked him with the new Paris School, which included Alfred Manessier, Jean Bazaine, Raoul Ubac and Jean Bertholle. From 1952, Zao Wou-Ki was regularly shown in Paris, Switzerland and eventually the United States. In th

ZAO WOU-KI 赵无极 (1921-2013)

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Robert COMBAS (Né en 1957) Robert et Geneviève font la danse de Saint Guy, 1988 Technique mixte sur toile, signée et datée en bas 210 x 140 cm - 82 2/3 x 55 1/8 in. Mixed media on canvas, signed and dated lower Cette toile est référencée dans les archives de l'artiste sous le numéro 3207 EXPOSITION L'Amour. Galerie Pierre Huber, Genève, Suisse, 1988 PROVENANCE Vente Horta, Bruxelles, 19 avril 1999 Collection privée, Belgique “Robert et Geneviève font la danse de Saint Guy, ils tournent en faisant des petits bonds. Ils s'enivrent de la tête tournée du fait de valser en valsant. Car ils dansent la valse à «genoux jambes»: des fois se relever et sauter, puis s'embrasser sur les joues puis se remettre sur pied, et crier, «J'ai froid aux tétés ou j'ai la gangrène au vié» puis se retirer aussi sec de là où on est. Tout ça, toujours en tournoyant comme des interprètes d'opéra à la pile wonder.” Robert COMBAS

Robert COMBAS (Né en 1957)

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Igor MITORAJ (1944-2014) Disque Bronze à patine dorée, signé en bas au milieu, numéroté EA 1/4 et marqué Fonderia Tesconi, Pietrasanta Diamètre: 58 cm - Diameter 22 7/8 in. Bibliographie pour des œuvres en rapport: Rudy Shiappini, Igor Mitoraj, cat. expo., Lugano, musée d'art moderne (22 mars-30 juin 2002), Milan, Skira| Lugano, musée d'art moderne, 2002. Corazza grande, 1980, bronze repr. p.29. Quirinus, 1987, bronzo, p.37 Jean-Marie Benoist, Igor Mitoraj: archéologies, cat. expo., Paris, Artcurial (novembre 1978), Paris, Artcurial, 1978. Disque solaire, bronze - tirage 8 ex.- diamètre 60 cm. p. VI Bronze with gold patina, signed lower in the middle, numbered EA 1/4 and stamped Fonderia Tesconi, Pietrasanta

Igor MITORAJ (1944-2014)

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MAHIEDDINE BAYA (1931-1998) Musicienne, 1978 Gouache et aquarelle sur papier, signée en bas à gauche 85 x 63.5 cm - 33 1/2 x 24 3/4 in. Gouache and watercolor on paper, signed lower left

MAHIEDDINE BAYA (1931-1998)

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Sakti BURMAN (Né en 1935) Personnages, circa 1975-1978 Huile sur toile, signée en bas 93 x 73 cm - 39 x 28 3/4 in. Oil on canvas, signed lower Le certificat rédigé par l'artiste en date du 5 avril 2017 sera remis à l'acquéreur BIBLIOGRAPHIE Oeuvre en rapport: Eden-Eden, 1965 Guy Vignoht, Sakti Burman. Fumel: Imprimerie de Blayac, 1984, repr. p.57 PROVENANCE Acquis en vente aux enchères en 1978 en Lorraine Conservé depuis, collection privée, Centre. Sakti Burman est né en 1935 à Calcutta, où il étudie les arts avant de gagner Paris dans les années 1950, grâce à l'obtention d'une bourse qui lui permet d'intégrer l'Ecole des Beaux-Arts, et d'y rester cinq ans. Souhaitant s'imprégner de la culture traditionnelle de son pays, l'appréhender à nouveau et de manière plus exhaustive, Sakti Burman regagne l'Inde à la fin de sa formation parisienne. Pourtant, l'artiste reviendra rapidement en France où il réside aujourd'hui depuis plus de cinq décennies. Les années 1960, celles du retour à Paris, voient le style si personnel de Burman éclore| hybridation entre iconographie indienne et occidentale, huiles sur toile éminemment décoratives naissent sous son pinceau inspiré. Une multitude de divinités, tant hindoues que bouddhiques, peuplent les compositions du peintre, illustrant mythes et contes de son Inde natale. Sakti Burman ne cessera jamais d'édifier un oeuvre onirique, à la croisée de l'imaginaire indien et de la tradition esthétique occidentale, et dont l'aspect décoratif répond aux exemples ornementaux de la Renaissance et du baroque ou du rococo. Il a souvent été souligné à quel point les créations de Sakti Burman semblent suspendues entre rêve et réalité| Luc Calvero insiste quant à lui sur l'invitation à la méditation que constituent ces compositions ô combien énigmatiques et envoûtantes. Ses peintures, bien qu'à la facture léchée, manifestent le souci omniprésent d'une application de la couche picturale avec une grande mat

Sakti BURMAN (Né en 1935)

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Claude VENARD (1913-1999) Le flacon aux cerises, circa 1975 Huile sur toile, signée en bas à gauche 100 x 100 cm - 39 3/8 x 39 3/8 in Oil on canvas, signed lower left Le certificat n° FV1357 rédigé par Félix Vercel sera remis à l'acquéreur PROVENANCE Galerie Félix Vercel, Paris, 1983 Collection privée, acquis vers 1983

Claude VENARD (1913-1999)

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Claude VENARD (1913-1999) Pleyel, circa 1975 Huile sur toile, signée en bas à gauche 100 x 100 cm - 39 3/8 x 39 3/8 in. Oil on canvas, signed lower left Le certificat rédigé par Félix Vercel sera remis à l'acquéreur PROVENANCE Galerie Félix Vercel, Paris, 1983 Collection privée, acquis vers 1983

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César (1921-1998) Poule Cartier, 1986 Bronze à patine brune, signé et numéroté 41/200 sur la base 11 x 13 x 6 cm - 4.3 x 5.11 x 2.3 in Bronze with brown patina, signed and numbered 41/200 on the base BIBLIOGRAPHIE: Ce bronze est enregistré sous le n°4340 dans les archives conservées par Madame Denyse Durand-Ruel

César (1921-1998)

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