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Peintres D’Asie Œuvres Majeures - Họa Sĩ Châu Á Tác Phẩm Quan Trọng -  亞洲繪畫，經典傑作 (31)

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SANYU (1901-1966) 常玉 Ink on paper, signed lower right 43.5 x 26.5 cm -17 1/8 x 10 3/8 in. Private collection, France (acquired from the previous owner around 1970) Then by descent Sanyu was born in 1901, to a family that owned the largest silk business in Sichuan province. Already displaying talent for the plastic arts at a young age and encouraged by those close to him, he learned calligraphy from Zhao Xi and painting from his father. After his studies at the University of Shanghai, Sanyu discovered Japan on a trip in 1919, as well as France, where he decided to settle. Living in the Montparnasse neighborhood as of 1923, he met figures from the avant-garde, artists of the School of Paris, and attended the Académie de la Grande Chaumiere, where he completed his training. Sanyu, among the first generation of Chinese painters to join the French art scene, became deeply inspired by western culture and spent his life in the City of Light - unlike some of his fellow countrymen, such as Lin Fengmian The subtle blend of allusions to his native culture and influences of modern western art make Sanyu’s work very compelling. The purified aesthetics which he devel - oped recalls some artists of the School of Paris, such as Brancusi and Modigliani. Like the latter, Sanyu also extensively styl - ized lines and anatomical distortions. As for his recurrently isolated motifs on canvas or paper, they are reminiscent of the 17th-cen - tury calligraphy artist Ba Da Shan Ren,for whom Sanyu held boundless admiration. The reign of Vietnamese emperors continued throughout the French protectorate which started in 1885. The reign of the second to last emperor of Annam, Khải Định (1885-1925) was architecturally marked by the construction in 1920 of his tomb, which was to be the last mausoleum of the Nguyen dynasty. A skillful blend of Annamite and Western know-how, this monument is an architectural feat built in a deliberately ostentatious style. Mixing symbols from the French iconographic repertoire with Indian references, this construction is very much alike Khải Định : luxurious. Using both Eastern and Western materials, the emperor wanted a life-size sculpture for his mausoleum. The commission fell to Paul Ducuing (1867-1949), a sculptor from Toulouse known for his photographic realism. The brilliant academic sculptor carried out numerous public commissions and taught at the Manufacture de Sèvres. His friendship with Albert Sarraut, Governor of Indochina and Minister of the Colonies, enabled him to be commissioned and to obtain several public orders between December 1921 and February 1922. For this purpose, Ducuing, conscientious, studied the various stylistic currents and the different symbols of Far Eastern art. For the realization of the sculpture of Khải Định, the artist adopts a narrative faithful to objective reality. In order to master the best his subject, the sculptor began with a representation of a simple bust, in a smaller scale, which he exhibited in May 1922 at the Exposition Coloniale in Marseille. This model received the approval of the Emperor Khải Định who commissioned in addition to the version intended for the mausoleum, which was to be full-length and larger, several copies of the original bust intended for members of his family Adopting the codes of Western sculpture, Ducuing chose for this commission a bust format adapted to the representation of emperors since Roman antiquity. The symbolic language, however, borrows more from Annamite culture. The outfit - a tunic and a sober but elegant traditional turban - underlines the humility that a person of the rank of Khải Định must show. His social status is underlined by the various attributes he wears, including the Grand Cross of the Dragon of Annam, formed by an eight-pointed star surmounted by a dragon, an Annamite and then colonial order. Paul Ducuing paints a realistic portrait of a majestic and humble sovereign at the height of his power. When Bảo Đại was to succeed his father, his young age did not allow him to rule and he used a period of Regency to pursue his education in France. His enthronement name Bảo Đại means “he who protects from greatness” and shows a desire for reform from the very beginning of his reign. The Second World War, as well as the government formed by Hồ Chí Minh carried by the rumbling nationalist movement, would sound the death knell for the Empire. The last Emperor, concerned about his country, said in his memoirs: “They want a revolution, I will make it but without shedding blood, by a political evolution. If one takes into account the history of the peoples, there is only one solution: my departure.” Bảo Đại retained an honorary title but the various political elements forced him to eventually find exile in France where he remained until the end of his life. The sculpture we present for sale is one of the last vestiges of Vietnam’s imperial past. Passed on to the heirs of Bảo Đại, it recalls a bygone era, that of the Nguyên dynasty

SANYU (1901-1966) 常玉 常玉 纸本水墨，右下角署名 法国私人收藏（于1970年左右购于前任藏家） 随后由其后人收藏 1970年，巴黎的收藏家C先生在让·克劳德·里德尔的画 廊里发现了常玉的作品。他收藏了大约创作于1930年的 《花瓶里的花与铭文》（布面油画，由奥古特在2015年6 月2日以408万欧元售出）和一些水墨作品，其中包括今 天拍卖的这幅作品。 常玉于1901年出生于四川的富裕家庭。自幼随 四川名书画家赵熙及父亲学习书画，在充满 艺 术氛围的环境中浸润成长。在完成上海的 学业 后，常玉于1919年前往日本旅游，同年 来到法 国并就此安顿下来。1923年起常玉便 定居于当 时巴黎画派先锋艺术家们的聚集地 蒙伯纳斯地 区，并在大茅舍艺术学院进修， 与很多重要的 西方现代艺术家往来交流。与 同时期的中国艺 术家(如林风眠)相较不同的 是，常玉选择了终 身在巴黎生活和创作，而 其艺术风格也更为偏 向西方现代主义。 常玉 的作品总是可见中西方两种文化的影响。 其 作品时而让人联想到当时巴黎画派的布朗库 西和莫迪利亚尼。特别是常玉作品中简化的 人 物主体线条更是与莫迪利亚尼人物肖像画 中常 出现的几何线条式轮廓的人物有异曲同 工之 妙。而从中国书画的角度来说，常玉作 品中传 统写意式的线条仿佛在向17世纪国画 名家八大 山人遥相致敬。

SANYU (1901-1966)  常玉

SANYU (1901-1966) 常玉 Nu féminin de dos Encre sur papier, signée en bas à droite 43.5 x 26.5 cm -17 1/8 x 10 3/8 in. 纸本水墨，右下角署名 PROVENANCE Collection Jean-Claude Riedel, Paris Collection privée, France (acquis auprès du précédent vers 1970) Puis par descendance 法国私人收藏（于1970年左右购于前任藏家） 随后由其后人收藏 Sanyu est né en 1901 d’une famille possédant la plus importante soierie de la province du Sichuan. Montrant des prédispositions précoces pour les arts plastiques, encouragé par son entourage, il apprend la calligraphie avec Zhao Xi et la peinture auprès de son père. Après des études à l’université de Shanghai, Sanyu découvre le Japon lors d’un voyage en 1919, ainsi que la France où il décide de s’installer. Demeurant dans le quartier de Montparnasse à partir de 1923, il côtoie les protagonistes de l’avant-garde, les membres de l’Ecole de Paris et fréquente l’Académie de la Grande Chaumière où il parfait sa formation. Sanyu, qui fait partie de la première génération de peintres chinois investissant la scène artistique française, s’imprègne profondément de la culture occidentale et choisit de résider sa vie durant dans la Ville Lumière – contrairement à certains de ses compatriotes, à l’instar de Lin Fengmian. L’œuvre de Sanyu s’impose comme un mélange raffiné entre références à sa culture natale et emprunts à l’art moderne occidental. L’esthétique de l’épuration qu’il y développe évoque la manière de certains des protagonistes de l’École de Paris, à l’image de Brancusi ou de Modigliani. Comme lui, le peintre chinois procède à une stylisation poussée des lignes et à des déformations anatomiques qui rappellent le singulier maniérisme modiglianien. L’isolation récurrente de motifs sur la toile ou le papier éveille quant à elle, sous la forme d’une réminiscence lointaine, le souvenir des créations de Ba Da Shan Ren, artiste-calligraphe du XVIIIe siècle auquel Sanyu voue une admiration sans borne. En 1970, monsieur C. collectionneur parisien découvre Sanyu dans la galerie de Jean-Claude Riedel. Il achète Fleurs dans un vase portant une inscription, circa 1930 (toile vendue par Aguttes le 2/6/15 pour 4.08 millions d’euros) et quelques encres, dont celle présentée aujourd’hui en vente. Si le Vietnam devient protectorat français dès 1885, le règne de ses empereurs perdure tout au long de cette période. Celui de l’avant-dernier empereur d’Annam, Khải Định (1885-1925) est marqué architecturalement par la construction en 1920 de son tombeau qui sera le dernier mausolée de la dynastie des Nguyên. Savant mélange du savoir-faire annamite mais aussi occidental, il s’érige comme une prouesse dans un style ostentatoire volontairement assumé. Mêlant des symboles du répertoire iconographique français à des références indiennes, cette construction est à l’image de Khải Định, luxueuse. Employant des matériaux aussi bien orientaux qu’occidentaux, l’empereur souhaite pour son mausolée une sculpture grandeur nature. Cette commande revient à Paul Ducuing (1867-1949), sculpteur toulousain connu pour son réalisme photographique. Brillant sculpteur académique, il a réalisé de nombreuses commandes publiques et enseigne à la Manufacture de Sèvres. Son amitié avec Albert Sarraut, Gouverneur d’Indochine et Ministre des Colonies lui permet d’être chargé de mission et d’obtenir plusieurs commandes publiques entre décembre 1921 et février 1922. Pour cela, Ducuing, consciencieux, étudie les divers courants stylistiques et les différents symboles de l’art extrêmeoriental. Pour la réalisation de la sculpture de Khải Định, l’artiste adopte une narration fidèle à la réalité objective. Afin de mieux maîtriser son sujet, le sculpteur commence par une représentation d’un simple buste, dans un plus petit format, qu’il expose en mai 1922 à l’Exposition Coloniale de Marseille. Ce modèle reçoit l’approbation de l’Empereur Khải Định qui commande, en plus de la version destinée au mausolée, qui sera de en pied et de plus grande dimension, plusieurs exemplaires du buste original destinés aux membres de sa famille. Reprenant les codes de la sculpture occidentale, Ducuing a choisi pour cette commande un format buste adapté à la représentation d’empereur depuis l’Antiquité Romaine. Le langage symbolique emprunte cependant davantage à la culture annamite. La tenue composée d’une tunique et d’un turban traditionnel sobre mais élégant souligne l’humilité dont doit faire preuve un personnage du rang de Khải Định. Son statut social est souligné par les différents attributs qu’il porte dont la plaque de Grande-Croix du dragon d’Annam, formée d’une étoile à huit branches surmontée d’un dragon, ordre annamite puis colonial. Paul Du

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PHAM VAN DON (1917-2000) Temple au Laos, 1985 Incised and highlighted with polychrome lacquer, signed and dated lower left 49.5 x 70 cm - 19 1/2 x 27 1/2 in. Pham Van Don made this work in Hanoi in 1985 after a trip in Laos.

PHAM VAN DON (1917-2000) 老挝的寺庙，1985年 带有多色增强效果的雕花漆器，左下方有签名和日期 49.5 x 70 cm - 19 1/2 x 27 1/2 in. 范文同于1985年在河内创作了这件作品，此前他曾在Loas停留过。 范文同的崇拜者直接从艺术家的工作室收集到的作品 范文同是1917年出生于河内的越南艺术家，擅长表现越南传统的日常生活。被艺术家的眼光所吸引，今天出售其作品的收藏家在80年代末参观了他的工作室，以捕捉范文同作品的精髓。 Phạm Văn在1917年的时候，就已经是个大人物了。 在越南，有一个叫sống thường nhật的人。您可以在您的网站上看到 "Bị hấp dẫn bởi góc nhìn của họn phẩmđúng của tác phǩm. 在这个问题上，我想说的是，在这个问题上，我们要做的是，在这个问题上，我们要做的是，在这个问题上，我们要做的是，在这个问题上，我们要做的是，在这个问题上，我们要做的是，在这个问题上，我们要做的是，在这个问题上，我们要做的是，在这个问题上，我们要做的是，在这个问题上，我们要做的是，在这个问题上，我们要做的是，在这个问题上，我们要做的是 在这里，你可以看到你的朋友，你的朋友，你的朋友，你的朋友，你的朋友，你的朋友，你的朋友，你的朋友，你的朋友，你的朋友，你的朋友，你的朋友，你的朋友，你的朋友，你的朋友，你的朋友，你的朋友。

PHAM VAN DON (1917-2000)

PHAM VAN DON (1917-2000) Temple au Laos, 1985 Laque incisée et réhaussée de polychromie, signée et datée en bas à gauche 49.5 x 70 cm - 19 1/2 x 27 1/2 in. Pham Van Don réalise cette oeuvre à Hanoî en 1985, suite à un séjour au Loas. Collection d'un admirateur de Pham Van Don venant directement de l'atelier de l'artiste Artiste vietnamien né à Hanoï en 1917, Pham Van Don s'est spécialisé dans la représentation de la vie quotidienne vietnamienne traditionnelle. Charmé par la vision de l'artiste, le collectionneur dont les oeuvres sont vendues aujourd'hui s'est rendu dans son atelier à la fin des années 1980 afin de saisir l'essence du travail de Pham Van Don. Họa sĩ Phạm Văn Đôn sinh năm 1917 tại Hà Nội, tranh của ông thiên về mô tả cảnh sinh hoạt trong cuộc sống thường nhật của người Việt Nam. Bị hấp dẫn bởi góc nhìn của họa sĩ, chủ nhân của tác phẩm được bán đấu giá ngày hôm nay đã từng đích thân đến thăm xưởng vẽ vào thời điểm cuối thập niên 80, để hiểu rõ hơn các tác phẩm của Phạm Văn Đôn.

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PHAM VAN DON (1917-2000) La rivière au Laos, 1986 Incised and highlighted with polychrome lacquer, signed and dated lower left 50 x 70 cm - 19 5/8 x 27 1/2 in. Pham Van Don made this work in Hanoi in 1985 after a trip in Laos.

PHAM VAN DON (1917-2000) 老挝的河流，1986年 带有多色增强效果的雕花漆器，左下方有签名和日期 50 x 70 cm - 19 5/8 x 27 1/2 in. 范文同于1985年在河内创作了这件作品，此前他曾在Loas停留过。

PHAM VAN DON (1917-2000) La rivière au Laos, 1986 Laque incisée et réhaussée de polychromie, signée et datée en bas à gauche 50 x 70 cm - 19 5/8 x 27 1/2 in. Pham Van Don réalise cette oeuvre à Hanoî en 1985, suite à un séjour au Loas.

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PHAM VAN DON (1917-2000) La marche Set of stencils, most of them signed and dated in the sheet 24.1 x 39.5 cm - 9 1/2 x 15 1/2 in.

PHAM VAN DON (1917-2000) 步行 24.1 x 39.5 cm - 9 1/2 x 15 1/2 in. 漂亮的范文同（1917-2000）的油画集，大多数都有签名和日期。

PHAM VAN DON (1917-2000) La marche 24.1 x 39.5 cm - 9 1/2 x 15 1/2 in. BEL ENSEMBLE DE POCHOIRS PAR PHAM VAN DON (1917-2000), la plupart signés et datés dans la planche

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PHAM VAN DON (1917-2000) Les enfants et les animaux dans la nature 25 x 38.8 cm - 9 3/4 x 15 1/4 in.

PHAM VAN DON (1917-2000) 自然界中的儿童和动物 25 x 38.8 cm - 9 3/4 x 15 1/4 in.

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PHAM VAN DON (1917-2000) Jeunes enfants aux palanches 23.6 x 35.4 cm - 9 1/4 x 13 7/8 in.

PHAM VAN DON (1917-2000) 门口的幼童 23.6 x 35.4 cm - 9 1/4 x 13 7/8 in.

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PHAM VAN DON (1917-2000) Les enfants devant le panier de légumes 24.5 x 35 cm - 9 5/8 x 13 3/4 in.

PHAM VAN DON (1917-2000) 孩子们在菜篮子前 24.5 x 35 cm - 9 5/8 x 13 3/4 in.

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PHAM VAN DON (1917-2000) Nature morte aux fruits, 1972 24 x 37.5 cm - 9 3/8 x 14 3/4 in.

PHAM VAN DON (1917-2000) 静物与水果，1972年 24 x 37.5 cm - 9 3/8 x 14 3/4 in.

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PHAM VAN DON (1917-2000) Fleurs 32.5 x 24.4 cm - 12 3/4 x 9 5/8 in.

PHAM VAN DON (1917-2000) 鲜花 32.5 x 24.4 cm - 12 3/4 x 9 5/8 in.

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PHAM VAN DON (1917-2000) Deux jeunes vietnamiennes, 1978 36 x 25.5 cm - 14 1/8 x 10 in.

PHAM VAN DON (1917-2000) 1978年，两位年轻的越南妇女 36 x 25.5 cm - 14 1/8 x 10 in.

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PHAM VAN DON (1917-2000) Joueur de flûte et femme au plateau de pommes 46.2 x 34.3 cm - 18 1/8 x 13 1/2 in.

PHAM VAN DON (1917-2000) 魔笛手和拿着苹果拼盘的女人 46.2 x 34.3 cm - 18 1/8 x 13 1/2 in.

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PHAM VAN DON (1917-2000) Les enfants dans les bois 35 x 24.5 cm - 13 3/4 x 9 5/8 in.

PHAM VAN DON (1917-2000) 树林里的孩子 35 x 24.5 cm - 13 3/4 x 9 5/8 in.

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PHAM VAN DON (1917-2000) Les narcisses, 1971 35 x 27 cm - 13 3/4 x 10 5/8 in.

PHAM VAN DON (1917-2000) 水仙, 1971 35 x 27 cm - 13 3/4 x 10 5/8 in.

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PHAM VAN DON (1917-2000) Barques de pêche 21 x 39.8 cm - 8 1/4 x 15 5/8 in.

PHAM VAN DON (1917-2000) 渔船 21 x 39.8 cm - 8 1/4 x 15 5/8 in.

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PHAM VAN DON (1917-2000) Ho Chi Minh pendant ses années de guérilla, 1972 25.4 x 35.4 cm - 10 x 13 7/8 in.

PHAM VAN DON (1917-2000) 胡志明在游击队时期，1972年 25.4 x 35.4 cm - 10 x 13 7/8 in.

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Pham Hau (1903-1995) Paysage aux jonques Lacquer with gold and silver highlights and crushed mother-of-pearl, signed lower right Screen with 3 panels Hauteur 105.6 cm - 41 1/2 in. Largeur des panneaux: 50 + 100 + 50 cm Width of the panels: 19 5/8 + 39 3/8 + 19 5/8 in. Full screen: 105.6 x 200 cm - 41 1/2 x 78 3/4 in. PHẠM HẬU Born in 1903 in the village of Đông Ng ạc in Ha Dong province in a poor family, Ph ạm Hậu lost his parents at the age of 10. Although his siblings tried to provide for him, his childhood was marked by a very precarious situation. His marriage in 1926 with Ph ạm Th ị Chuyên the daughter of a wealthy family, enabled him to meet the painter Nam S ơn. He made him want to enter the Indochina School of Fine Arts, joining the 5th class from 1929- 1934. During these years of apprenticeship, he discovered and deepened the technique of lacquer. Supported by his teacher Joseph Inguimberty and helped by his classmates such as Lê Phổ and Trần Văn C ẩn, Ph ạm Hậu renewed this ancestral craftsmanship. He experimented the addition of new pig - ments and new materials which allowed him to produce more layers and create new effects. After graduating in 1934, Ph ạm Hậu returned to his native village where he continued to produce paintings, objects and lacquered furniture. With the help of Victor Tardieu, the artist obtained an order for 50 lacquered ciga - rette cases marked by the Art Nouveau and Art Deco taste very much appreciated in France. He found success, and in front of the increase of orders Ph ạm Hậu recruited apprentices. His talent was rewarded on several occasions by many organizations, including the SADEAI (Society to encourage art and industry) in Hanoi, which awarded him the gold medal in 1935 and the First Certificate in 1936. His fame is such that his biography can be read in the Vietnamese Who’s who in 1943, which lists only two other painters. Attached to the promotion and spreading of his country’s craftsmanship, he created in 1949 the National School of Handicrafts, the first university of art in the country and still active today under the name of University of Industrial Fine Art. In addition to his teaching, the high quality of his lacquerware has led him to exhibit in many countries such as Thailand, the Philippines, Indonesia and North Korea. His unique style based on the ancestral technique of lacquer but enriched by new contributions makes the artist one of the best ambassadors of Vietnamese art. Mainly inspired by the rep - resentation of landscapes and forests but also of animals, his lacquers are collected by Euro - pean collectors and Vietnamese amateurs.  The enthusiastic admirer of Vietnam’s natural riches Phạm Hậu has constantly depicted landscapes surrounding him. Among them, a bay similar to Halong was a great inspiration for him. Although the artist tirelessly reproduced this subject, some nuances and subtleties stand out in each of the works. In Paysage aux jonques presented in this sale, the master lacquerer enhances innovative processes. Strengthen by the teaching of Joseph Inguimberty he received at the Hanoi School of Fine Arts from 1929 to 1934, Phạm Hậu relies on the introduction of new colors such as lagoon blue, pink and even green. The brilliant craftsman and artist extends this modernity through a revision of the technique of lacquer. In order to create more depth and a new volume, Phạm Hậu chooses to combine the technique of painting with that of sculpture. By first creating the foreground and not the background, and then applying the layer of lacquer, the artist brings a new rendering. The exceptional mastery of the master allows him to go beyond the precepts of traditional lacquer and to contribute to the influence of this art throughout his country and abroad

Pham Hau (1903-1995) 景观与垃圾 漆器配以金色和银色的亮点和碎珍珠母，右下方有签名 屏幕分3个板块。 高度为105.6厘米-41 1/2英寸。 面板的宽度：50+100+50厘米 面板的宽度：19 5/8 + 39 3/8 + 19 5/8英寸。 全屏：105.6 x 200 cm - 41 1/2 x 78 3/4 in. 证据 一位1950年左右居住在印度支那的法国人的收藏品 私人收藏，法国（前主人从印度支那回来时提供的，此后一直保留）。 相关作品 范佳音, So'n Mài Pham Hâu, The lacquer art of Pham Hau, Nhà Xuât Bàn My Thuât Fine Arts 出版社，2019年，再版第44页 PHẠM HẬU 1903年，在位于河东省的Đông Ngạc村，年轻的Phạm H ậu出生于一个贫困的家庭，10岁时成为孤儿。虽然他的兄弟姐妹们努力供养他，但他的童年却处于非常不稳定的状态。他在1926年与Phạm Thị Chuyên结婚，她是一个富裕家庭的女儿，这使他能够认识画家Nam S ơn，后者激励他进入印度支那美术学校，在1929-1934年加入第五班。这些年的学徒生涯让他发现并深化了漆器的技术。在他的老师Joseph Inguimberty的支持下，在他的同学Lê Phổ或Trần V ăn C ẩn的帮助下，Phạm H ậu更新了这个祖传的技术。加入新的颜料和以前测试过的材料，可以产生更多的层次，创造出新的效果。1934年毕业后，Phạm H ậu回到了他的家乡，继续生产漆画、物品和家具。由于维克多-塔迪欧的帮助，艺术家获得了50个漆面香烟盒的订单，这些香烟盒带有新艺术和装饰艺术的味道，在法国很受赞赏。成功就在那里，面对订单的增加，Phạm H ậu招收了学徒。他的才华多次受到一些组织的奖励，包括河内的SADEAI（鼓励艺术和工业的协会），该协会在1935年授予他金质奖章，并在1936年授予他一级证书。他的名气很大，在1943年的《越南名人录》中可以看到他的传记，其中只列出了其他两位画家。他致力于推广和传播他的国家的技术，于1949年创建了国家手工业学校，这是该国第一所应用艺术大学，至今仍以工业美术大学的名义活跃。除了教学之外，他的高质量漆器还使他在许多国家展出，如泰国、菲律宾、印度尼西亚和朝鲜。他的独特风格以祖传的漆器技术为基础，但通过新的贡献来丰富，使艺术家成为越南艺术的最佳代言人之一。他的灵感主要来自于风景和森林的表现，但也有动物的表现，他的漆器被欧洲和越南的业余爱好者收藏。 作为越南自然财富的狂热崇拜者，Phạm Hậu不断描绘他周围的风景。其中，一个与下龙湾相似的海湾对他来说特别有启发。虽然艺术家不知疲倦地再现了这一主题，但每件作品中的细微差别和微妙之处非常突出。在本次拍卖会上推出的《Paysage aux jonques》中，这位漆器大师倾向于引入创新工艺。在Joseph Inguimberty于1929年至1934年在河内美术学校授课的鼓舞下，Phạm Hậu依靠引进新的颜色，如泻湖蓝、粉红甚至绿色。作为一名出色的工匠，艺术家通过对漆器技术本身的修改来扩展这种现代性。为了创造更多的深度和新的体积，Phạm Hậu选择了将绘画技术与雕塑技术相结合。通过先创造前景而不是背景，然后再涂上漆层，艺术家带来了新的渲染。大师出类拔萃的技艺使他超越了传统漆器的戒律，为这门艺术在他的国家和世界的传播做出了贡献。 1903年的时候，在中国大陆的一个城市里，有一个叫 "Dongng Ngạc "的人，他的名字叫 "Phạm Hậu"，他的名字叫 "Mồ côi"。诸如此类的例子还有很多，比如说："我的朋友们，你们的朋友们，你们的朋友们，你们的朋友们，你们的朋友们，你们的朋友们，你们的朋友们，你们的朋友们，你们的朋友们，你们的朋友们，你们的朋友们，你们的朋友们，你们的朋友们，你们的朋友们，你们的朋友们，你们的朋友们，你们的朋友们，你们的朋友们，你们的朋友们，你们的朋友们，你们的朋友们，你们的朋友们......"。从1926年开始，Phạm Thị Chuyên就开始了他的工作，在他的工作中，我们发现了很多的问题。在1929年至1934年期间的第5个年头里，他曾被称为 "MỹǞǞ"。采访中，记者了解到："我是一个很有爱心的人，我希望通过我的努力，让更多的人加入到我们的队伍中来。

Pham Hau (1903-1995)

Pham Hau (1903-1995) Paysage aux jonques Laque avec réhauts d'or et d'argent et nacre pilée, signée en bas à droite Paravent en 3 panneaux: Hauteur 105.6 cm - 41 1/2 in. Largeur des panneaux: 50 + 100 + 50 cm Width of the panels: 19 5/8 + 39 3/8 + 19 5/8 in. Full screen: 105.6 x 200 cm - 41 1/2 x 78 3/4 in. PROVENANCE Collection d'un français ayant vécu en Indochine vers 1950 Collection privée, France (offert par le précédent à son retour d'Indochine et conservé depuis) OEUVRE EN RAPPORT Pham Gia Yên, So'n Mài Pham Hâu, The lacquer art of Pham Hau, Nhà Xuât Bàn My Thuât Fine Arts Publishing House, 2019, repr. p. 44 PHẠM HẬU  Né en 1903, dans le village de Đông Ng ạc situé dans la province de Ha Dong, le jeune Ph ạm H ậu, issu d’une famille défavorisée, se retrouve orphelin à l’âge de 10 ans. Bien que ses frères et sœurs aient tenté de subvenir aux besoins du jeune homme, son enfance est marquée par une situation très précaire. Son mariage en 1926 avec Ph ạm Th ị Chuyên, fille d’une famille aisée lui permet de rencontrer le peintre Nam S ơn qui lui suscite l’envie d’intégrer l’Ecole des Beaux-Arts d’Indochine, rejoignant ainsi la 5 e promotion, celle de 1929-1934. Ces années d’apprentissages lui permettent de découvrir et approfondir la technique de la laque. Porté par son professeur Joseph Inguimberty et aidé de ses camarades tels que Lê Ph ổ ou encore Trần V ăn C ẩn, Ph ạm H ậu renouvelle ce savoirfaire ancestral. L’ajout de nouveaux pigments et matériaux préalablement testés permet de produire davantage de couches créant ainsi des effets nouveaux. Après son diplôme en 1934, Ph ạm H ậu retourne dans son village natal où il continue de produire des peintures, objets et meubles laqués. Grâce à l’aide de Victor Tardieu, l’artiste obtient la commande de 50 étuis à cigarettes laqués marqués par le goût Art Nouveau et Art Déco très apprécié en France. Le succès est au rendez-vous, et face à l’augmentation des commandes Ph ạm H ậu recrute des apprentis. Son talent est récompensé à plusieurs reprises par plusieurs organismes dont la SADEAI (Society to encourage art and industry) à Hanoï qui lui décerne la médaille d’or en 1935 mais aussi le Premier Certificat en 1936. Sa renommée est telle que sa biographie peut se lire dès 1943 dans le Who’s who vietnamien qui recense seulement deux autres peintres. Attaché à la promotion et à la diffusion du savoir-faire de son pays, il créé en 1949 l’Ecole Nationale d’Artisanat, première université d’art appliqué du pays et toujours active aujourd’hui sous le nom d’University of Industrial Fine Art. Parallèlement à l’enseignement qu’il dispense, la grande qualité de ses laques l’amène à exposer à travers de nombreux pays comme la Thaïlande, les Philippines, l’Indonésie ou encore la Corée du Nord. Son style unique appuyé sur la technique ancestrale de la laque mais enrichi par des apports nouveaux fait de l’artiste l’un des meilleurs ambassadeurs de l’art vietnamien. Principalement inspiré par la représentation de paysages et de forêts mais aussi d’animaux, ses laques sont collectionnées par les amateurs européens et vietnamiens.  Fervent admirateur des richesses naturelles du Vietnam, Phạm Hậu n’a cessé de représenter des paysages l’entourant. Parmi eux, une baie similaire à celle d’Halong a su l’inspirer particulièrement. Si l’artiste a inlassablement reproduit ce thème, des nuances et des subtilités se distinguent sur chacune des œuvres. Dans le Paysage aux jonques présenté dans cette vente, le maître laqueur a privilégié l’introduction de procédés novateurs. Porté par l’enseignement de Joseph Inguimberty reçu à l’Ecole des Beaux-Arts d’Hanoï de 1929 à 1934, Phạm Hậu s’appuie sur l’introduction de couleurs nouvelles telles que le bleu lagon, le rose ou encore le vert. Brillant artisan, l’artiste prolonge cette modernité grâce à une révision de la technique même de la laque. Afin de créer davantage de profondeur et un volume nouveau, Phạm Hậu choisit d’allier la technique de la peinture à celle de la sculpture. En commençant par créer en premier lieu le premier-plan et non l’arrière-plan, puis d’apposer la couche de laque, l’artiste apporte un rendu inédit. La maîtrise exceptionnelle du maître lui permet de dépasser les préceptes de la laque traditionnelle et de contribuer au rayonnement de cet art à travers son pays mais aussi dans le monde. Sinh năm 1903, tại làng Đông Ngạc ở tỉnh Hà Đông, chàng trai trẻ Phạm Hậu lớn lên trong một gia đình khó khăn, mồ côi ở tuổi lên 10. Mặc dù anh chị em của ông đã cố gắng trợ cấp cho chàng trai trẻ, thời thơ ấu của ông rơi vào một hoàn cảnh rất bấp bênh. Đám cưới của ông

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LÊ PHỔ (1907-2001) Jeune femme au lotus et à l'éventail Ink and color on silk, signed upper left 34.2 x 24.8 cm - 13 3/8 x 9 3/4 in. Considered as one of the leading figures of modern Vietnamese art, Lê Phổ was born in 1907 in Hà Tây province into a respected mandarin family, his father being the last viceroy of Tonkin. Showing a predisposition for painting and drawing, he entered the first class of the Indochina School of Fine Arts in 1925. He was soon noticed by the director and founder of the school, Victor Tardieu, for whom he retained a strong attachment throughout his life. Lê Phổ assimilated to perfection the teachings of his teachers. The school promoted Vietnamese artistic traditions such as painting on silk or lacquer, while sensitizing this new generation of artists to Western history and artistic techniques. Indeed, one can read with ease the influences of the Italian Primitives or the Impressionists in Lê Phổ ‘s works. In 1931, he came to France to present his works on the occasion of the International Colonial Exhibition. He chose to stay in Paris for a year to attend classes at the Ecole des Beaux-Arts, then undertook several trips to Europe. He returned to Vietnam in 1933 and taught at the Indochina School of Fine Arts in Hanoi. He decided to settle permanently in France in 1937 and quickly became very well known. The great painter of women Lê Phổ has represented the models in family or alone, maternal or sensual. The way he portrayed them varies, but each of them show the same nobility. Jeune femme au lotus et à l’éventail was created during the artist’s early years of practice. Influenced by the teaching of the Hanoi School of Fine Arts, he mainly uses the technique of ink on silk. This technique rooted in ancestral Chinese practices was taken up and developed under the precepts of Victor Tardieu, the director of the School and a close friend of Lê Phổ. The fineness of the silk allows a particularly delicate rendering, adapted to the representation of feminine softness. The diluted ink enables to preserve harmony between each colour. The palette here is typical of the artist’s first period: sober and composed of dark tones. This chromatic range is subtly enhanced by a discreet touch of yellow on the sleeve edging and by the red button on the collar. These refinement details contribute to the elegance of the model. Wearing the traditional ao dai and a turban around her hair, separated by a parting in the middle, this young woman embodies the Vietnamese ideal beauty. Her fine oval features, her ebony hair and her graceful posture recall her origins. However, Western influences can also be seen in this composition. The serpentine line giving the young woman a movement made of curves recalls Lê Phổ’ discovery of the Mannerists in the early 1930s. The very treatment of the portrait featuring the model in the center of the composition, framed by two curtained panels, is reminiscent of Western codes. While Asian and European influences can be read, universal codes are also present. Lotus is the very emblem of femininity and has been asserted in the two cultures as a sensual flower. Embodying womanhood, it is also the attribute of purity in Japanese literature. Contributing to the representation of delicacy, the remarkably transparent scarf and fan complete this dreamlike vision. The fan - a symbol of royal dignity in Asia - underlines the nobility of the woman. Her attitude - head slightly lowered and eyes tilted downwards - reinforces the peaceful and intimate feeling of this scene. Like a Venus from Asia, Lê Phổ captures the beauty of the women of his country and leaves a magnificent testimony to posterity

LÊ PHỔ (1907-2001) 年轻女子手持莲花和扇子 丝绸上的水墨和色彩，左上方有签名 34.2 x 24.8 cm - 13 3/8 x 9 3/4 in. 买方将获得一份列入艺术家目录的证书，该目录目前正由夏洛特-阿古特斯-雷尼尔为巴黎的亚洲艺术家协会准备。 证据 私人收藏，阿尔及尔（1940年代初艺术家的礼物 然后通过后裔，法国 LÊ PHỔ Lê Phổ被认为是越南现代艺术的领军人物之一，他于1907年出生在Hà Tây省一个受人尊敬的官吏家庭，他的父亲是最后一个越南总督。他表现出对绘画的倾向性，于1925年加入了印度支那美术学校的第一期课程。他很快就被学校的主任和创始人维克多-塔迪欧注意到了，他一生都对他保持着强烈的感情。Lê Phổ把他的老师的教导吸收得很完美。该学校重视越南的艺术传统，如丝绸画和漆器，同时也让这批新一代的艺术家了解西方的艺术历史和技术。事实上，人们很容易在Lê Phổ的作品中读到意大利原始派或印象派的影响。1931年，他来到法国，在国际殖民地展览会上展示他的作品。他选择在巴黎呆了一年，以便进入美术学院，然后进行了几次欧洲旅行。他于1933年回到越南，在河内的印度支那美术学校任教。1937年，他决定在法国永久定居，并很快获得了巨大的声誉。 作为一位女性画家，Lê Phổ能够在他的作品中捕捉到她们作为一个家庭或单独的、母性的或感性的形象。虽然他描写他们的方式各不相同，但他们都有同样的高贵气质。拿着莲花和扇子的年轻女子是在艺术家早期的实践中创作的。受他在河内美术学校教学的影响，他主要使用丝绸上的水墨技术。这种起源于中国祖先做法的媒介，在学校校长和Lê Phổ的亲密朋友Victor Tardieu的指导下，得到了发展。丝绸的细度允许特别细腻的渲染，适应于表现女性的柔软。稀释后的墨水使每个颜色之间保持和谐。这里的调色板是艺术家第一个时期的特点：冷静，由暗色调组成。袖子边缘低调的黄色和衣领上的红色纽扣巧妙地加强了这一色度范围。这些细化的细节有助于提高模型的优雅程度。这位年轻女子穿着传统的奥黛，头发上围着头巾，中间有一道分界线，体现了越南人的理想。她精致的椭圆形特征、乌黑的头发和优雅的姿态让人想起她的出身。然而，在这幅作品中也可以看到西方的影响。蛇形的线条给年轻女子带来了由曲线构成的运动，让人想起Lê Phổ在1930年代早期发现的曼纳派。这幅肖像画的处理方式是将模特放在构图的中心，由两块窗帘板框住，这让人想起了西方的规范。虽然可以读出亚洲和欧洲的影响，但也存在着普遍的代码。莲花，是女性的象征，在不同的文化中被作为一种感性的花朵而竖立起来。它体现了女性的特点，也是日本文学中的纯洁属性。在这种精致的表现中，非常透明的围巾和扇子完成了这个梦幻般的愿景。扇子，在亚洲象征着皇家的尊严，强调了这个女人的高贵。她的态度，头略微低下，眼睛向下倾斜，加强了这个场景的和平和亲密的感觉。Lê Phổ就像来自亚洲的维纳斯，固定了她的国家的妇女的美丽，并给后人留下了华丽的见证。 我们的目标是，让所有的人都能享受到我们的服务，让所有的人都能享受到我们的服务，让所有的人都能享受到我们的服务。Lê Phổ sinh năm 1907 tại tỉnh Hà Tây trong một gia đình quan lại ương kính nể, cha là kinh lươc sứng cùa Bắc Kỳ。在1925年的时候，他就已经开始为Trường MỹThuật Đông Dương提供服务。维克多-塔迪厄（Victor Tardieu），他的父亲，以及他的妻子，都是一个很好的例子。Lê Phổ tiếp thu một cách hoàn hảo những lời dạy của những ngời thầy của mình.Trường quảng bá giá trị của truyền thống nghệ tậhu

LÊ PHỔ   (1907-2001)

LÊ PHỔ (1907-2001) Jeune femme au lotus et à l'éventail Encre et couleurs sur soie, signée en haut à gauche 34.2 x 24.8 cm - 13 3/8 x 9 3/4 in. Une attestation d'inclusion au catalogue raisonné de l'artiste actuellement en préparation par Charlotte Aguttes-Reynier pour l'Association des Artistes d'Asie à Paris sera remise à l'acquéreur PROVENANCE Collection privée, Alger (don de l'artiste au début des années 1940) Puis par descendance, France LÊ PHỔ  Considéré comme l’une des figures de proue de l’art moderne vietnamien, Lê Phổ nait en 1907 dans la province de Hà Tây au sein d’une famille de mandarins respectée, son père étant le dernier vice-roi de Tonkin. Manifestant des prédispositions pour la peinture et le dessin, il intègre la première promotion de l’Ecole des Beaux-Arts de l’Indochine en 1925. Il est très vite remarqué par le directeur et fondateur de l’école, Victor Tardieu, pour lequel il conserve toute sa vie un fort attachement. Lê Phổ assimile à la perfection les enseignements de ses professeurs. L’Ecole valorise les traditions artistiques vietnamiennes comme la peinture sur soie ou la laque, tout en sensibilisant cette nouvelle génération d‘artistes à l’histoire et aux techniques artistiques occidentales. En effet, on lit avec aisance les influences des Primitifs italiens ou des Impressionnistes dans les œuvres de Lê Phổ. En 1931, il vient en France présenter ses œuvres à l’occasion de l’Exposition coloniale internationale. Il choisit de rester un an à Paris afin de suivre des cours à l’Ecole des Beaux-Arts, puis entreprend plusieurs voyages en Europe. Il rentre au Vietnam en 1933, et enseigne à l’Ecole des Beaux-Arts de l’Indochine à Hanoï. Il décide de s’installer définitivement en France en 1937 et acquiert rapidement une grande notoriété. Peintre des femmes, Lê Phổ a su les capturer en famille ou solitaire, maternelle ou sensuelle tout au long de son Œuvre. Si sa façon de les portraiturer varie, toutes présentent la même noblesse. Jeune femme au lotus et à l’éventail a été réalisée durant les premières années de pratique de l’artiste. Marqué par son enseignement à l’Ecole des Beaux-Arts d’Hanoï, il utilise majoritairement la technique de l’encre sur soie. Ce médium, tenant ses origines dans les pratiques ancestrales chinoises, a été repris et développé sous les préceptes de Victor Tardieu, le directeur de l’Ecole et proche de Lê Phổ. La finesse de la soie permet un rendu particulièrement délicat, adapté à la représentation de la douceur féminine. L’encre diluée permet de conserver une harmonie entre chaque couleur. La palette est ici caractéristique de la première période de l’artiste : sobre et composée de tonalités sombres. Cette gamme chromatique est subtilement rehaussée par une discrète touche de jaune sur le liseret des manches ainsi que par le bouton rouge sur le col. Ces détails de raffinement participent à l’élégance du modèle. Portant la tenue traditionnelle, l’ao daï, ainsi qu’un turban autour de ses cheveux séparés par une raie au milieu, cette jeune femme incarne l’idéal vietnamien. Ses traits fins dessinant un ovale, sa chevelure ébène mais aussi sa posture gracile rappellent ses origines. Pourtant des influences occidentales peuvent aussi se lire dans cette composition. La ligne serpentine assurant à la jeune femme un mouvement fait de courbes, rappelle la découverte des Maniéristes par Lê Phổ, au début des années 1930. Le traitement même du portrait figurant le modèle au centre de la composition, encadré par deux pans de rideaux reprend les codes occidentaux. Si les influences asiatiques et européennes se lisent, des codes universaux sont également présents. Emblème même de la féminité, le lotus s’érige à travers les différentes cultures comme une fleur au parfum sensuel. Incarnant la femme, c’est aussi l’attribut de la pureté dans la littérature japonaise. Participant à cette représentation de délicatesse, le foulard et l’éventail remarquablement transparents complètent cette vision onirique. L’éventail symbolisant la dignité royale en Asie souligne la noblesse de cette femme. Son attitude, tête légèrement baissée, les yeux inclinés vers le bas renforce le ressenti paisible et intimiste de cette scène. Telle une Vénus venue d’Asie, Lê Phổ fixe la beauté des femmes de son pays et lègue à la postérité un magnifique témoignage. Được coi là một trong những nhân vật hàng đầu của nền mỹ thuật Việt Nam hiện đại, Lê Phổ sinh năm 1907 tại tỉnh Hà Tây trong một gia đình quan lại được kính nể, cha là kinh lược sứ cuối cùng của Bắc Kỳ. Thể hiện thiên hướng về hội họa và vẽ, ông tham gia khóa đầu tiên của Trường Mỹ Thuật Đông Dương vào năm 1

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Pham Hau (1903-1995) Village animé Lacquer with gold and silver highlights Screen with 5 panels Hauteur 110,5 cm - 43 1/2 in. Largeur des panneaux: 32.6 + 33 + 32.8 + 32.8 + 32.5 cm Width of the panels: 12 3/4 + 13 + 12 7/8 + 12 7/8 + 12 3/4 in. Full screen: 110.5 x 164 cm - 43 1/2 x 64 1/2 in. Phạm Hậu - the key craftsman artist of 20th century Vietnam - embodies the artistic revival of lacquerware. Lacquerware was for a long time considered as craft but Phạm Hậu has contributed to its recognition as a true art. Attached to the traditional heritage of his country, his works are based on ancestral know-how. Village illustrates the artist’s brilliance in combining tradition and modernity. Composed of a five-panel screen, Village uses the colors traditionally used in lacquerware: vermilion, auburn, gold. However, their application shows a certain modernity: the gold powder skillfully enhances the composition while the master lacquerer’s knowledge brings a unique depth and volume. Although this screen is displayed as a showcase for the artist’s talent, it is above all a true tribute to Vietnam. Through the representation of lush vegetation, Phạm Hậu recalls the prosperity and natural wealth of his country. Proud of his homeland, he does not hesitate to sublimate the humility of women at work in this predominantly rural country. The patriot Phạm Hậu offers here a unique representation where the symbiosis between human, nature and vegetation is remarkably harmonious.

Pham Hau (1903-1995) 热闹的村庄 漆器配以金银色亮点，左下角有签名 画面分5个板块。 高度110,5厘米 - 43 1/2英寸。 面板的宽度：32.6 + 33 + 32.8 + 32.8 + 32.5厘米 面板的宽度：12 3/4 + 13 + 12 7/8 + 12 7/8 + 12 3/4 英寸。 全屏：110.5 x 164 cm - 43 1/2 x 64 1/2 in. 证据 一位1950年左右居住在印度支那的法国人的收藏品 私人收藏，法国（由前主人在从印度支那回来时提供，并保存至今 作为20世纪越南的重要艺术家和手工艺人，Ph ạm H ậu独自体现了漆器的艺术复兴。长期以来，Phạm H ậu被认为是一门手艺，为其被认可为真正的艺术做出了贡献。他热爱自己国家的传统遗产，他的作品以祖传的技术为基础。村庄说明了艺术家在结合传统和现代方面的聪明才智。村庄由五扇屏风组成，使用了传统上用于漆器的颜色：朱红色、紫红色和金色。然而，它们的应用显示了某种现代性：金粉巧妙地增强了成分，而漆器大师的精湛技艺带来了独特的深度和体积。如果说这个屏幕是对艺术家才华的展示，那么它首先是对越南的真正致敬。通过表现茂盛的植被，Phạm H ậu提醒我们他的国家的繁荣和自然财富。他为自己的祖国感到骄傲，毫不犹豫地升华了这个以农村为主的国家中工作的妇女的谦逊。作为一个爱国者，Phạm H ậu在这里提供了一个独特的代表，人性和植被之间的共生是非常和谐的。 Phạm Hậu - nghệ nhân và nghệ sĩ tiêu biểu của Việt Nam thế kỷ 20 - là hiện thân của sục hưng nghệ thuật sơn mài.在这个问题上，我们要做的是，让我们的客户在我们的网站上看到我们的产品，并在我们的网站上看到我们的产品，并在我们的网站上看到我们的产品，并在我们的网站上看到我们的产品。如果你想了解更多信息，请联系我们。Bức Village (Ngôi làng) thể hiện sự sáng suốt của ngời nghệ sĩ trong việc kết hợp giữa truyền thống và hiệnđại.他说："我的儿子，我的儿子，我的儿子，我的儿子，我的儿子，我的儿子，我的儿子，我的儿子，我的儿子，我的儿子，我的儿子，我的儿子，我的儿子，我的儿子，我的儿子，我的儿子，我的儿子，我的儿子，我的儿子，我的儿子，我的儿子，我的儿子，我的儿子，我的儿子，我的儿子，我的儿子，我的儿子，我的儿子，我的儿子，我的儿子，我的儿子，我的儿子，我的儿子，我的儿子，我的儿子，我的儿子，我的儿子，我的儿子，我的儿子。Tuy nhiên, cách úng dụng c c tông màu ấy lại rất hiện đại:在这一过程中，我们可以看到，在我们的生活中，有很多人都在为自己的生活而努力，有很多人都在为自己的生活而努力，有很多人都在为自己的生活而努力。在这个问题上，我想说的是，如果你想了解更多的信息，请联系我们，我们将为你提供更多的信息。Phạm Hậu在他的作品中使用的是 "P "字形，而不是 "M "字形。在此，我想说的是，如果你想了解更多的信息，请联系我们。在这个问题上，Pham Hậu是一个很好的例子，它可以帮助我们了解我们的工作，但它也是一个很好的例子。

Pham Hau (1903-1995) Village animé Laque avec réhauts d'or et d'argent, signé en bas à gauche Paravent en 5 panneaux: Hauteur 110,5 cm - 43 1/2 in. Largeur des panneaux: 32.6 + 33 + 32.8 + 32.8 + 32.5 cm Width of the panels: 12 3/4 + 13 + 12 7/8 + 12 7/8 + 12 3/4 in. Full screen: 110.5 x 164 cm - 43 1/2 x 64 1/2 in. PROVENANCE Collection d'un français ayant vécu en Indochine vers 1950 Collection privée, France (offert par le précédent à son retour d'Indochine et conservé depuis) Artiste et artisan incontournable du Vietnam du XX e siècle, Ph ạm H ậu incarne à lui seul le renouveau artistique de la laque. Longtemps considéré comme un artisanat, Ph ạm H ậu a contribué à sa reconnaissance en tant que véritable art. Attaché à l’héritage traditionnel de son pays, ses oeuvres s’appuient sur un savoir-faire ancestral. Village illustre le brio de l’artiste à allier tradition et modernité. Formé d’un paravent à cinq panneaux, Village reprend les couleurs traditionnellement employées dans les laques : vermillon, auburn, doré. Toutefois, leur application fait preuve d’une certaine modernité : la poudre d’or rehausse habilement la composition tandis que la maîtrise du maître laqueur permet d’apporter une profondeur et un volume unique. Si ce paravent s’affiche comme un fairevaloir du talent de l’artiste, il est avant tout un véritable hommage au Vietnam. A travers la représentation d’une végétation luxuriante, Ph ạm H ậu rappelle la prospérité et la richesse naturelle de son pays. Fier de sa patrie, il n’hésite pas à sublimer l’humilité des femmes au travail, dans ce pays majoritairement rural. Patriote, Ph ạm H ậu offre ici une représentation unique où la symbiose entre la nature humaine et la végétation est remarquablement harmonieuse. Phạm Hậu - nghệ nhân và nghệ sĩ tiêu biểu của Việt Nam thế kỷ 20 - là hiện thân của sự phục hưng nghệ thuật sơn mài. Sơn mài từ lâu vốn bị coi là nghề thủ công mỹ nghệ nhưng Phạm Hậu đã góp phần công nhận nó là một chất liệu nghệ thuật đích thực. Gắn liền với di sản truyền thống của đất nước, các tác phẩm của ông đều dựa trên những kỹ thuật khéo léo của cha ông. Bức Village (Ngôi làng) thể hiện sự sáng suốt của người nghệ sĩ trong việc kết hợp giữa truyền thống và hiện đại. Toàn thể khung cảnh Ngôi làng được gói gọn trong năm tấm sơn mài, sử dụng các sắc màu sơn mài truyền thống: Đỏ son, vàng nâu và vàng lá. Tuy nhiên, cách ứng dụng các tông màu ấy lại rất hiện đại: Bột vàng được sử dụng khéo léo nhằm tôn lên bố cục trong khi kiến thức uyên bác của người thợ sơn mài bậc thầy mang lại chiều sâu và nội dung dồi dào, độc đáo. Mặc dù bức sơn mài năm tấm này là một minh chứng cho tài năng của tác giả, thì trên hết đây là một tác phẩm tôn vinh vẻ đẹp của Việt Nam. Thông qua việc thể hiện những thảm thực vật tươi tốt, Phạm Hậu gợi nhớ đến thiên nhiên trù phú và màu mỡ của đất nước mình. Tự hào về quê hương, ông không ngần ngại đề cao hình ảnh khiêm tốn của người phụ nữ nông thôn trong cuộc sống lao động thường nhật. Người con yêu nước Phạm Hậu mang đến cho tác phẩm một sự thể hiện độc đáo, nơi sự cộng sinh giữa con người, thiên nhiên và thảm thực vật diễn ra hết mực hài hòa.

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Lot non venu

Pham Hau (1903-1995) Scène d'aquarium avec les poissons rouges d'abondance, circa 1950-1960 Lacquer with gold highlights and eggshell, signed lower right 200 x 100,5 cm - 78 3/4 x 39 1/2 in. Nature is one of Phạm Hậu’s main sources of inspiration and the representation of goldfish - nicknamed “abundance” - has particularly stood out. Carrying a strong positive symbol, goldfish is synonymous with wealth, peace, love but also hope. In Fonds sous-marin et poissons rouges, Phạm Hậu brilliantly captures aquatic life using innovative materials. Thus, coral comes to life thanks to eggshell material while seaweed stirs under the fineness of gilding. The incredible skills of the master lacquerer allows the diversity of the underwater world to be accurately reproduced. The swimming goldfish let out small bubbles of oxygen, the crab melts in the quicksand, the Bernard l’Hermitte peacefully vegetates. The crimson background highlights the majesty of this luxuriant vegetation populated by its aquatic vertebrates. The variety of tones and the diversity of material participate in magnifying the composition and make Phạm Hậu one of the greatest lacquerers of his time, symbolizing himself the art of lacquer.

Pham Hau (1903-1995) 有大量金鱼的水族箱场景，约1950-1960年 带有金色和蛋壳光泽的漆器，右下方有签名 200 x 100,5 cm - 78 3/4 x 39 1/2 in. 证据 私人收藏，比利时 PHẠM HẬU 虽然大自然是Phạm Hậu的主要灵感来源之一，但他对金鱼的描绘，绰号d'abondance，特别突出。带着积极的象征意义，它们是财富、和平、爱以及希望的同义词。在Fonds sous-marin et poissons rouges中，Phạm Hậu利用创新材料出色地捕捉了水生生物。因此，珊瑚通过蛋壳活了过来，而海藻则在镀金的细度下搅动。漆器大师的不懈努力使水下世界的多样性得到了准确的再现。金鱼游动着，放出小的氧气泡，螃蟹在流沙中融化，伯纳德-艾尔米特平静地吃着素。深红色的背景突出了这种由水生脊椎动物组成的繁茂植被的威严。丰富的调色板和所用材料的多样性有助于放大构图，使Phạm Hậu成为他那个时代最伟大的漆匠之一，象征着漆艺。 如果你想了解更多关于Phạm Hậu的信息，请联系我们。在汉字中，我们可以看到汉字的字形、字形、字形、字形、字形、字形、字形、字形、字形、字形、字形、字形、字形、字形、字形、字形、字形、字形、字形、字形、字形、字形、字形、字形、字形、字形、字形、字形、字形、字形、字形、字形、字形、字形、字形、字形、字形、字形等。在水下基金和金鱼（Cá vàng và thế giới dưới nước）的问题上，Phạm Hậu 做出了一些努力。如果你想了解更多的信息，请联系我们，我们将为你提供更多的信息。在这个问题上，我们可以说是 "一言堂"，也可以说是 "一言堂"。在这个过程中，你会发现，你的朋友们都很喜欢你，你的朋友们都很喜欢你，你的朋友们都很喜欢你。如果你想了解更多的信息，请联系我们。ự Phong phú của bảng màu và sự đa dạng của các chất liệu đợc sử dụng giúp làm nổi bật bố cụ c và đa Phạm Hậu trở thành một trong những nghệ sĩ sơn mài vĩ đi nhất trong thời dại của ông。một biểu tượng cho nghệ thuật sơn mài truyền thống.

Pham Hau (1903-1995) Scène d'aquarium avec les poissons rouges d'abondance, circa 1950-1960 Laque avec rehauts d'or et coquille d'oeufs, signée en bas à droite 200 x 100,5 cm - 78 3/4 x 39 1/2 in. PROVENANCE Collection privée, Belgique PHẠM HẬU Si la nature est l’une des principales sources d’inspiration de Phạm Hậu, les représentations de poissons rouges surnommés d’abondance se sont particulièrement distinguées. Porteurs d’une symbolique positive, ils sont synonymes de richesse, paix, amour mais aussi espoir. Dans Fonds sous-marin et poissons rouges, Phạm Hậu capture avec brio la vie aquatique en s’appuyant sur des matériaux novateurs. Ainsi le corail prend vie grâce à la coquille d’œuf tandis que les algues s’agitent sous la finesse des dorures. La maîtrise implacable du maître laqueur permet de restituer avec précision la diversité des fonds sousmarin. Les poissons rouges nagent laissant échapper des petites bulles d’oxygène, le crabe se fond dans les sables mouvants, le Bernard l’Hermitte végète paisiblement. L’arrière-plan carmin met en relief la majesté de cette végétation luxuriante peuplée de ses vertébrés aquatiques. La richesse de la palette et la diversité des matériaux utilisés participent à magnifier la composition et font de Phạm Hậu l’un des plus grands laqueurs de son temps, symbolisant à lui seul l’art de la laque. Nếu thiên nhiên là một trong những nguồn cảm hứng chính của tranh sơn mài Phạm Hậu, thì hình ảnh con cá vàng - biểu trưng cho sự phong phú - lại nổi lên thành một hình tượng đặc biệt. Cá vàng mang năng lượng tích cực, đồng nghĩa với sự giàu có, dư dả, hòa bình, tình yêu cũng như hy vọng. Trong bức sơn mài Fonds sous-marin et poissons rouges (Cá vàng và thế giới dưới nước), Phạm Hậu đã xuất sắc nắm bắt được khung cảnh thế giới thủy sinh và thể hiện nó bằng chất liệu rất sáng tạo. Ta có thể thấy, rặng san hô trở nên sống động hơn nhờ các mảng khảm vỏ trứng trong khi cây tảo như đang khuấy động làn nước nhờ lớp dát vàng tinh tế. Bàn tay thành thạo, không ngừng trau dồi của người thợ sơn mài bậc thầy giúp ông có thể tái tạo chính xác sự đa dạng của cuộc sống dưới nước. Những chú cá vàng bơi lội, nhả ra từng chùm bong bóng khí nhỏ li ti, con cua tan vào cát lún, chú ốc cứ thảnh thơi, yên bình sống. Tất cả được bao bọc bởi lớp nền sơn mài đỏ thẫm làm nổi bật vẻ hùng vĩ của thảm thực vật tươi tốt, nơi cư ngụ của các động vật thủy sinh. Sự phong phú của bảng màu và sự đa dạng của các chất liệu được sử dụng giúp làm nổi bật bố cục và đưa Phạm Hậu trở thành một trong những nghệ sĩ sơn mài vĩ đại nhất trong thời đại của ông, một biểu tượng cho nghệ thuật sơn mài truyền thống.

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Alix AYMÉ (1894-1989) Portrait de Thi Ba, circa 1935 Oil on canvas, signed lower right 81 x 60 cm - 31 7/8 x 23 5/8 in. ALIX AYMÉ Student of Maurice Denis, with whom she corresponded throughout her career, Alix Aymé conceived a passion for the Asian continent on her first trip there with her husband, when he was sent on a mission to China by the French government. She then spent over twenty years travelling in Laos, Cambodia and Vietnam. Appointed professor at the Fine Arts School of Hanoi, she contributed to the revival of lacquer work with Inguimberty. Her works reflect the style of both the Nabis (a great influence on her) and traditional Vietnamese painting, for which she developed a deep affection.   Alix Aymé was commissioned by the French government to produce paintings for the Laos pavilion at the 1931 Universal Exhibition, but in her studio she never stopped working to capture the Indochinese essence that surrounds her. Hard-working, passionate and curious, she endeavored to immortalize the people around her. If Portrait de Thi Ba, stands out from the classical productions, it takes up all the codes of composition works where attention is paid to every detail. The pensive young girl seated in three-quarter view has her head slightly lowered and eyes tilted downwards. Her beautiful and slender hands, are quietly one on top of the other, about to move. The shy and dictated attitude of the model recalls the innocence of her age. Far from the somewhat sensual nude model, this lovely young girl with a sober outfit has a touching candor. All in simplicity, dressed in a white shirt with a tight fit and long hair loose, she embodies the sweetness of childhood, devoid of superficiality. The construction of the decor recalls the artist’s careful study of composition. A hanging fabric is carelessly thrown on the right, joining a curtain on the left side: the artist plays with contrasts of materials and movements. Only an armchair completes this décor, ensuring a simple reading. Being a former student of Maurice Denis, Alix Aymé adopts a Nabi palette where colors bloom with joy while maintaining a certain harmony. Crimson, peach pink and aqua on the draperies mingle with the off-white of the shirt, delicately bringing out the black of the pants and the midnight blue highlights of the hair. Thanks to a shimmering chromatic range with skillful reflections, but also to a model with a disarming softness, Alix Aymé immortalizes her vision of an Indochina which will make her say “The general impression that one has of Laos is certainly not that of a rich country, but of a simple and happy country”.

Alix AYMÉ (1894-1989) Thi Ba的肖像，约1935年 布面油画，右下角有签名 81 x 60 cm - 31 7/8 x 23 5/8 in. 证据 帕斯卡尔-拉孔布收藏，法国 私人收藏，法国（1991年从前者那里获得）。 展览1998年，3月20日至5月17日，巴黎，Pavillon des arts，巴黎-河内-西贡，L'aventure de l'art moderne au Viêt Nam, in cat expo, n° 21 (titled "Jeune fille dans un intérieur rouge" ) 参考文献 Pascal Lacombe, Guy Ferrer, Alix Aymé, Une artiste peintre en Indochine 1920-1945. Somogy, Editions d'Art, Paris, p. 73, repr. 阿利克斯-艾梅（ALIX AYMÉ 阿里克斯-艾梅是莫里斯-德尼的学生，在她的职业生涯中一直与德尼保持着持续的通信联系，她在第一次旅行中对亚洲大陆产生了浓厚的兴趣，当时她陪同丈夫参加了法国政府派往中国的任务。她在老挝、柬埔寨和越南旅行了二十多年。她被任命为河内美术学院的教授，与英格贝蒂一起为漆器的回归做出了贡献。她的作品是她所受影响的Nabis风格和她所喜爱的传统越南绘画之间的交汇点。 尽管阿里克斯-艾梅受法国政府委托制作绘画，以装饰1931年世界博览会的老挝馆，但这位艺术家从未停止在她的工作室工作，以捕捉周围的印度支那精华。她努力工作，充满激情和好奇心，努力使她周围的人不朽。尽管《氏巴的肖像》与经典作品不同，但它使用了作曲作品的所有准则，对每个细节都给予了关注。因此，坐在四分之三视角的年轻女孩微微低着头，眼睛向下倾斜，陷入沉思。她的双手，美丽而纤细，明智地一上一下，等待移动。模特儿害羞、听话的态度让人想起她这个时代的纯真。与有些感性的裸体模特相比，这个可爱的年轻女孩的清醒装束有一种感人的坦诚。她一身朴素，穿着紧身的白衬衫，长发披散，体现了童年的甜蜜，没有肤浅的感觉。装饰品的构造让人想起艺术家对构图的仔细研究。一幅挂画被不经意地扔到了右边，与左边的窗帘连在一起，从而发挥了材料和动作的对比性。只有一把扶手椅完成了这种装饰，确保了简化的阅读。作为Maurice Denis的前学生，Alix Aymé采用了Nabi的调色板，在保持某种和谐的情况下，色彩快乐地绽放。悬挂物的胭脂红、桃粉色和水绿色与衬衫的米白色交织在一起，巧妙地衬托出裤子的黑色和头发的午夜蓝亮点。由于闪烁的色度范围和娴熟的反射，也由于具有迷人的柔和性的模型，阿里克斯-艾梅使他对印度支那的看法不朽，这将使他说："人们对老挝的总体印象当然不是一个富裕的国家，而是一个简单而幸福的国家。 从Maurice Denis的角度来看，Alix Aymé说，他对Châu Á的看法是："我认为Châu Á是一个很好的选择。在20年后的今天，Cô đã du lịch qua Lào, Cam-pu-chia và cả Việt Nam tong su t hơn 20 năm。曹德旺是一个很有才华的人，他的名字叫Mẳng Mỹ thuật，他的名字叫Inguimberty，他的名字叫Góp phần vào sự hồi sinh của sơn mài.如果你想了解更多关于Nabi的信息，请与我们联系。 ǞǞǞǞǞǞǞǞǞǞǞǞǞǞǞǞǞǞǞ Ǟ Ǟ Ǟ Ǟ Ǟ在此，我向大家介绍一下我的观点。Chăm chỉ, đam mê và ham họn phương án đúng chỗ lực đểbiến những nhân vật xung quanh mình trở nên bất tử。Thi Ba的肖像(Chân dung Thị Ba)，是Alix Aymé的作品，是Alix Aymé的作品。如果你想了解更多信息，请联系我们。如果你想了解更多信息，请联系我们。Phong thái rụt rè và e lệ của cô gái trẻ gợi nhới đến sự hồn nhiên ¾ lứa tuổ của cô.如果您想了解更多信息，请联系我们，我们将为您提供更多信息。在中国的发展中，有很多人对中国的未来充满信心，但也有很多人对中国的未来充满信心，但也有很多人对中国的未来充满信心。

Alix AYMÉ (1894-1989)

Alix AYMÉ (1894-1989) Portrait de Thi Ba, circa 1935 Huile sur toile, signée en bas à droite 81 x 60 cm - 31 7/8 x 23 5/8 in. PROVENANCE Collection Pascal Lacombe, France Collection privée, France (acquis auprès du précédent en 1991) EXPOSITION 1998, 20 mars-17 mai, Paris, Pavillon des arts, Paris - Hanoï - Saigon, L'aventure de l'art moderne au Viêt Nam, in cat expo, n° 21 (titré «Jeune fille dans un intérieur rouge») BIBLIOGRAPHIE Pascal Lacombe, Guy Ferrer, Alix Aymé, Une artiste peintre en Indochine 1920-1945 Somogy, Editions d'Art, Paris, p. 73, repr. coul ALIX AYMÉ Elève de Maurice Denis, avec qui elle entretient une correspondance soutenue durant toute sa carrière, Alix Aymé se prend de passion pour le continent asiatique lors d’un premier voyage où elle accompagne son mari missionné en Chine par le gouvernement français. Elle sillonne le Laos, le Cambodge ou encore le Vietnam pendant plus de vingt ans. Nommée professeur à l’Ecole des BeauxArts d’Hanoï, elle contribue avec Inguimberty au retour de la laque. Ses œuvres sont le lieu de la rencontre entre le style des Nabis, dont elle subit l’influence, et de la peinture traditionnelle vietnamienne pour laquelle elle se prend d’affection.  Bien qu’Alix Aymé ait été mandatée par le gouvernement français pour réaliser des peintures destinées à orner le pavillon du Laos lors de l’Exposition Universelle de 1931, l’artiste n’a cessé de travailler au sein de son studio pour saisir l’essence indochinoise l’entourant. Travailleuse, passionnée et curieuse, elle s’est attachée à immortaliser les personnages l’entourant. Si Portrait de Thi Ba, se démarque des productions classiques, il reprend tous les codes propres aux oeuvres de composition où l’attention est portée à chaque détail. Ainsi, la jeune fille assise de trois-quarts a la tête légèrement baissée, les yeux inclinés vers le bas, pensive. Ses mains, belles et fines, sont sagement posées l’une sur l’autre, attendant de pouvoir bouger. L’attitude timide et dictée du modèle rappelle l’innocence de son âge. Loin des modèles nus alanguis quelque peu sensuels, la tenue sobre de cette ravissante jeune fille a une candeur touchante. Toute en simplicité, vêtue d’une chemise blanche à la coupe ajustée, les cheveux longs détachés elle incarne la douceur de l’enfance, dénuée de superficialité. La construction du décor rappelle l’étude approfondie de la composition voulue par l’artiste. Une tenture est négligemment jetée sur la droite, rejoignant sur le côté gauche un rideau, jouant ainsi des contrastes de matières et des mouvements. Seul un fauteuil vient compléter ce décor, assurant une lecture simplifiée. Ancienne élève de Maurice Denis, Alix Aymé adopte une palette nabi où les couleurs éclosent joyeusement tout en conservant une certaine harmonie. Le rouge carmin, le rose pêche et le vert d’eau des tentures se mêlent au blanc cassé de la chemise faisant délicatement ressortir le noir du pantalon mais aussi de la chevelure aux reflets bleu nuit. Grâce à une gamme chromatique chatoyante aux reflets habiles, mais aussi à un modèle à la douceur désarmante, Alix Aymé immortalise sa vision d’une Indochine qui lui fera dire « L’impression générale que l’on a du Laos n’est certes pas celle d’un pays riche, mais d’un pays simple et heureux ». Là học sinh của Maurice Denis và là người thường xuyên trao đổi thư từ trong suốt sự nghiệp của mình, Alix Aymé say mê Châu Á kể từ chuyến công tác cùng chồng ở Trung Quốc do chính phủ Pháp bổ nhiệm. Cô đã du lịch qua Lào, Cam-pu-chia và cả Việt Nam trong suốt hơn 20 năm. Được bổ nhiệm làm giáo sư tại Trường Cao đẳng Mỹ thuật ở Hà Nội, cùng với Inguimberty, cô đã góp phần vào sự hồi sinh của sơn mài. Các tác phẩm của cô là nơi gặp gỡ giữa phong cách Nabi mà cô bị ảnh hưởng và của cái mà cô yêu thích là hội họa truyền thống Việt Nam.  Mặc dù Alix Aymé được chính phủ Pháp ủy thác cho việc sáng tác những bức tranh nhằm tô điểm cho gian trưng bày của Lào trong Đấu Xảo Thế giới năm 1931, thì nữ nghệ sĩ vẫn không ngừng làm việc trong xưởng vẽ của bà để nắm bắt hồn cốt Đông Dương đang hiện hữu xung quanh. Chăm chỉ, đam mê và ham học hỏi, bà đã nỗ lực để biến những nhân vật xung quanh mình trở nên bất tử. Bức Portrait de Thi Ba (Chân dung Thị Ba) hiện lên nổi bật so với các tác phẩm kinh điển khác, nó kết hợp tất cả đặc trưng trong các tác phẩm Alix Aymé sáng tác, nơi bà luôn chú ý đến từng chi tiết. Quả thật như vậy, ta thấy khung hình với ba phần tư cơ thể, cô gái trẻ

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LÊ PHỔ (1907-2001) Bouquet de fleurs Oil, ink and color on silk, signed lower left 50 x 50 cm - 19 5/8 x 19 5/8 in. PROVENANCE Aktuaryus Gallery, Strasbourg Private collection, France (acquired from the former in the 1960s) Then by descent, at the end of the 1980s LÊ PHỔ Graduating from the first school year, Lê Phổ became an emblematic artist of the Hanoi School of Fine Arts. Very talented, he is quickly considered by Victor Tardieu - the director - as the best of his students. If his know-how and technicality ensured him this recognition, the constant assimilation of Asian and Western cultures in his work made Lê Phổ the best ambassador of the School. Indeed, although beginning with a style marked by the Italian primitives and evolving towards a touch influenced by the impressionists, the references to his native country are constant. Bouquet de fleurs, is at the crossroads of these two periods. Settled in France for several years, the artist tamed a new medium more Western: oil painting. Not totally abandoning his first love for ink and silk, he managed to use these different mediums while keeping his traditional support. The use of color on silk, which does not allow any mistake, underlines the artist’s great mastery but also his attachment to the Eastern techniques. Marked by the discovery of the Impressionists since his French settlement, Lê Phổ introduces a more vivid and colorful palette. Canary yellow, powdery pink and raspberry red all join the darker tones typical of his first period. The choice of subject matter also marks a turning point, in fact it is more in his early period that the artist was depicting the softness of the women of his country. Halfway between modernity and tradition, Bouquet de fleurs perfectly embodies Lê Phổ’s duality style.

LÊ PHỔ (1907-2001) 一束花 丝绸上的油画、墨水和色彩，左下方有签名 50 x 50 cm - 19 5/8 x 19 5/8 in. 买方将得到一份列入艺术家目录的证书，该目录目前正由夏洛特-阿古特-雷尼尔为巴黎的亚洲艺术家协会准备。 起源 Aktuaryus 画廊，斯特拉斯堡 法国私人收藏（1960 年代首次购得） 然后下降，在 1980 年代末 LÊ PHỔ Lê Phổ是第一届毕业生，是河内美术学校的代表性艺术家。他很有天赋，很快就被导演Victor Tardieu认为是他的学生中最优秀的。如果说他的专业技能和技术性保证了他的认可，那么在他的作品中不断吸收亚洲和西方文化，使李菲成为学校的最佳大使。事实上，尽管他一开始的风格是以意大利原始派为标志的，并逐渐演变为受印象派影响的风格，但对他的祖国的引用是一直存在的。Bouquet de fleurs，位于这两个时期的铰链处。在法国定居数年后，艺术家一直在驯服一种新的、更西方的媒介：油画。他没有完全放弃对水墨和丝绸的初衷，而是在保持传统支持的同时，设法使用这些不同的媒介。在丝绸上使用颜色，不允许有任何悔改，这强调了艺术家的伟大的掌握，但也强调了他对远东技术的依恋。自他在法国定居以来，以印象派画家的发现为标志，Lê Phổ引入了一个更加生动和多彩的色调。小鸡黄、粉红和覆盆子红加入了他第一个时期特有的暗色调。主题的选择也标志着一个转折点，因为艺术家在早期更多的是表现他的国家的妇女的柔软性。在现代和传统之间，Bouquet de fleurs完美地体现了Lê Phổ的双重风格。 Lê Phổ trở thành họn phương án đúng án đúng đúng đúng đúng đúng đúng đúng đúng đúng đúng đúng đúng đúng đúng đúng đúng đúng在这个问题上，维克多-塔迪厄（Victor Tardieu）是一个很好的例子。在这个问题上，我们要做的是把我们的工作做细做实。Tây trong hội họn phương án đão khiến Lê Phổ trở thành đại sứ xuất shất của ngôi trường ông theo học.如果你想了解更多关于意大利的信息，请联系我们。在这个问题上，我想说的是，如果你想了解更多信息，请联系我们。Bức Bouquet of flowers nằm ở chính giai đoạn giao thoa ấy.在这个问题上，我们可以说是 "一石激起千层浪"，我们可以说是 "一石激起千层浪"。在这个问题上，我想说的是，在这个问题上，我们要做的是，在这个问题上，我们要做的是，在这个问题上，我们要做的是，在这个问题上，我们要做的是，在这个问题上，我们要做的是，在这个问题上，我们要做的是，在这个问题上，我们要做的是，在这个问题上，我们要做的是，在这个问题上，我们要做的是，在这个问题上，我们要做的是，在这个问题上，我们要做的是，在这个问题上，我们要做的是，在这个问题上，我们要做的是，在这个问题上，我们要做的是，在这个问题上，我们要做的是，在这个问题上，我们要做的是在这种情况下，如果你想让你的朋友知道你的情况，那么你就必须让他们知道你的情况，如果你想让他们知道你的情况，那么你就必须让他们知道你的情况，如果你想让他们知道你的情况，那么你就必须让他们知道你的情况。如果您想知道更多的信息，请联系我们。您可以在您的网站上看到 "您"、"您"、"您"、"您"、"您"、"您"、"您"、"您"、"您"、"您"、"您"、"您"、"您"、"您"、"您"、"您"、"您"。汉字系统中，有一个被称为 "大 "的字段，它是由一个字段组成的，在这个字段中，我们可以看到，它是由 "大 "和 "小 "组成的，而不是由 "小 "和 "大 "组成的，它是由 "大 "和 "小 "组成的。在这里，您可以看到，您的花束被认为是最合适的。

LÊ PHỔ (1907-2001)

LÊ PHỔ (1907-2001) Bouquet de fleurs Huile, encre et couleurs sur soie, signée en bas à gauche 50 x 50 cm - 19 5/8 x 19 5/8 in. Une attestation d'inclusion au catalogue raisonné de l'artiste actuellement en préparation par Charlotte Aguttes-Reynier pour l'Association des Artistes d'Asie à Paris sera remise à l'acquéreur PROVENANCE Galerie Aktuaryus, Strasbourg Collection privée, France (acquis auprès du précédent dans les années 1960) Puis par descendance, à la fin des années 1980 LÊ PHỔ Diplômé de la première promotion, Lê Phổ s’inscrit comme un artiste emblématique de l’Ecole des Beaux-Arts d’Hanoï. Talentueux, il est très vite considéré par Victor Tardieu le directeur, comme le meilleur de ses élèves. Si son savoir-faire et sa technicité lui assurent cette reconnaissance, l’assimilation constante des cultures asiatiques et occidentales dans son œuvre font de Lê Phổ le meilleur ambassadeur de l’Ecole. En effet, bien que débutant avec un style marqué par les primitifs italiens et évoluant vers une touche influencée par les impressionnistes, les références à son pays natal ne cessent de se ressentir. Bouquet de fleurs, se situe à la charnière de ces deux périodes. Installé en France depuis plusieurs années, l’artiste apprivoise un nouveau médium plus occidental : l’huile. Ne délaissant pas totalement son amour premier pour l’encre et la soie, il parvient à utiliser ces différents médiums tout en conservant son support traditionnel. L’utilisation de couleurs sur la soie ne permettant aucun repentir souligne la grande maîtrise de l’artiste mais aussi son attachement pour les techniques d’Extrême-Orient. Marqué par la découverte des impressionnistes depuis son installation française, Lê Phổ introduit une palette plus vive et colorée. Le jaune poussin, le rose poudré et le rouge framboise viennent rejoindre les tonalités plus sombres caractéristiques de sa première période. Le choix du sujet marque également un tournant, l’artiste ayant davantage représenté la douceur des femmes de son pays dans ses débuts. A michemin entre modernité et tradition, Bouquet de fleurs incarne parfaitement le style emprunt de dualité de Lê Phổ Tốt nghiệp khóa I, Lê Phổ trở thành họa sĩ tiêu biểu của Trường Mỹ thuật Hà Nội. Với tài năng xuất chúng, ông đã nhanh chóng được hiệu trưởng Victor Tardieu coi là học trò xuất sắc nhất của mình. Ngoài vốn hiểu biết sâu sắc cùng với việc nắm bắt kỹ thuật điêu luyện đã làm nên tên tuổi của mình, thì việc lĩnh hội hai nền tư tưởng văn hóa Đông - Tây trong hội họa đã khiến Lê Phổ trở thành đại sứ xuất sắc nhất của ngôi trường ông theo học. Rõ ràng chúng ta nhận thấy, dù bắt đầu với phong cách nghệ thuật theo trường phái Nguyên sơ của Italy và phát triển theo trường phái Ấn tượng, nhưng hồn cốt quê hương vẫn hiện lên trong tranh ông rất thường xuyên. Bức Bouquet de fleurs nằm ở chính giai đoạn giao thoa ấy. Sau khi định cư ở Pháp trong vài năm, người nghệ sĩ Việt đã thuần hóa một chất liệu mới từ Tây phương: Tranh sơn dầu. Không hoàn toàn từ bỏ tình yêu đầu tiên của mình đối với mực và lụa, ông đã cố gắng thử nghiệm những phương tiện truyền đạt khác nhau trong khi vẫn giữ sự ủng hộ với chất liệu truyền thống. Việc sử dụng màu sắc trên lụa yêu cầu người cầm cọ không được để xảy ra bất kỳ sai sót nào, nhấn mạnh trình độ bậc thầy của người nghệ sĩ cũng như sự gắn bó của ông với các kỹ thuật phương Đông. Với việc theo đuổi trường phái Ấn tượng từ khi định cư ở Pháp, Lê Phổ giới thiệu một bảng màu rực rỡ và sống động. Màu vàng hoàng yến, màu hồng phấn và màu đỏ mâm xôi kết hợp hài hòa với các tông màu đậm hơn, đặc trưng của thời kỳ đầu ông học vẽ. Việc lựa chọn chủ đề cũng đánh dấu một bước ngoặt bởi thực tế, trong thời kỳ đầu, họa sĩ đã tập trung hơn vào miêu tả dáng vẻ mềm mại của những người phụ nữ ở đất nước mình. Nằm giữa hiện đại và truyền thống, bức Bouquet de fleurs thể hiện một cách hoàn hảo phong cách Á-Âu của Lê Phổ.

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Vũ Cao Đàm (1908-2000) Les musiciennes, 1963 Oil on canvas, signed and dated lower left 90 x 73 cm - 35 3/8 x 28 3/4 in.

Vũ Cao Đàm (1908-2000) 音乐家》，1963年 布面油画，左下方有签名和日期 90 x 73 cm - 35 3/8 x 28 3/4 in. 买方将获得一份列入艺术家目录的证书，该目录目前正由夏洛特-阿古特斯-雷尼尔为巴黎的亚洲艺术家协会准备。 证据 私人收藏，比利时（直接从艺术家那里获得）私人收藏，比利时（1988年在前者的收藏品销售中获得）。

Vũ Cao Đàm (1908-2000)

Vũ Cao Đàm (1908-2000) Les musiciennes, 1963 Huile sur toile, signée et datée en bas à gauche 90 x 73 cm - 35 3/8 x 28 3/4 in. Une attestation d'inclusion au catalogue raisonné de l'artiste actuellement en préparation par Charlotte Aguttes-Reynier pour l'Association des Artistes d'Asie à Paris sera remise à l'acquéreur PROVENANCE Collection privée, Belgique (acquis directement auprès de l'artiste)Collection privée, Belgique (acquis lors de la vente de la collection du précédent en 1988

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Paul Jean Marie DUCUING (1867/68-1949) Portrait de l’empereur d’Annam S.M. Khải Định, circa 1922 Bronze with gold patina, signed in the right sleeve, stamped F. Barbedienne Fondeur Paris on the base 33 x 22 x 12 cm - 13 x 8 5/8 x 4 3/4 in. The model offered for sale today, a small cast by the renowned foundryman Barbedienne in Paris, comes from the personal collection of Khải Ðịnh’s son, Bảo Ðại, the last emperor of Vietnam.Nguyễn Phúc Vĩnh Thụy, from his birth name, an only son born in 1913, inherited it shortly after his creation in 1922 as his father died in 1925. This model was entrusted to us by one of his grandchildren, great-grandchild of Khải Ðịnh. The reign of Vietnamese emperors continued throughout the French protectorate which started in 1885. The reign of the second to last emperor of Annam, Khải Định (1885-1925) was architecturally marked by the construction in 1920 of his tomb, which was to be the last mausoleum of the Nguyen dynasty. A skillful blend of Annamite and Western know-how, this monument is an architectural feat built in a deliberately ostentatious style. Mixing symbols from the French iconographic repertoire with Indian references, this construction is very much alike Khải Định : luxurious. Using both Eastern and Western materials, the emperor wanted a life-size sculpture for his mausoleum. The commission fell to Paul Ducuing (1867-1949), a sculptor from Toulouse known for his photographic realism. The brilliant academic sculptor carried out numerous public commissions and taught at the Manufacture de Sèvres. His friendship with Albert Sarraut, Governor of Indochina and Minister of the Colonies, enabled him to be commissioned and to obtain several public orders between December 1921 and February 1922. For this purpose, Ducuing, conscientious, studied the various stylistic currents and the different symbols of Far Eastern art. For the realization of the sculpture of Khải Định, the artist adopts a narrative faithful to objective reality. In order to master the best his subject, the sculptor began with a representation of a simple bust, in a smaller scale, which he exhibited in May 1922 at the Exposition Coloniale in Marseille. This model received the approval of the Emperor Khải Định who commissioned in addition to the version intended for the mausoleum, which was to be full-length and larger, several copies of the original bust intended for members of his family Adopting the codes of Western sculpture, Ducuing chose for this commission a bust format adapted to the representation of emperors since Roman antiquity. The symbolic language, however, borrows more from Annamite culture. The outfit - a tunic and a sober but elegant traditional turban - underlines the humility that a person of the rank of Khải Định must show. His social status is underlined by the various attributes he wears, including the Grand Cross of the Dragon of Annam, formed by an eight-pointed star surmounted by a dragon, an Annamite and then colonial order. Paul Ducuing paints a realistic portrait of a majestic and humble sovereign at the height of his power. When Bảo Đại was to succeed his father, his young age did not allow him to rule and he used a period of Regency to pursue his education in France. His enthronement name Bảo Đại means “he who protects from greatness” and shows a desire for reform from the very beginning of his reign. The Second World War, as well as the government formed by Hồ Chí Minh carried by the rumbling nationalist movement, would sound the death knell for the Empire. The last Emperor, concerned about his country, said in his memoirs: “They want a revolution, I will make it but without shedding blood, by a political evolution. If one takes into account the history of the peoples, there is only one solution: my departure.” Bảo Đại retained an honorary title but the various political elements forced him to eventually find exile in France where he remained until the end of his life.

Paul Jean Marie DUCUING (1867/68-1949) 安南皇帝H.M. Khải Định的画像，大约在1922年。 青铜器，有金色的铜锈，右下角袖子上有签名，有印章F。基地上的Barbedienne Fondeur Paris 33 x 22 x 12 cm - 13 x 8 5/8 x 4 3/4 in. 证据 Bảoại (1913-1997)的个人收藏（特别为他设计） Monique Toinel的收藏，Bảoại的最爱（前者提供的）。 他们的女儿在1965年出生）然后通过血统。 报告作品展览 1922年，马赛殖民博览会，为一个小型青铜模型。1931年，巴黎国际殖民博览会，安南馆的镀金彩绘石膏（高77.5厘米）。奥赛博物馆（历史背景）为殖民地部的镀金彩绘石膏（高77.5厘米），然后存放在非洲和大洋洲国家艺术博物馆（1946年）。 今天出售的模型是由巴黎著名铸造师Barbedienne铸造的小型雕塑，来自于Khải Ðịnh的儿子Bảo Ðại的个人收藏，他是越南的最后一位皇帝。Nguyễn Phúc Vĩnh Thụy是1913年出生的独子，由于父亲在1925年去世，他在1922年公司成立后不久就继承了公司。这个模型是他的一个孙子委托给我们的，他是孔乙己的曾孙子。 虽然越南在1885年成为法国的保护国，但其皇帝的统治在这一时期一直持续。安南的倒数第二位皇帝康熙（1885-1925）在建筑上的标志是在1920年建造了他的陵墓，这也是阮氏王朝的最后一座陵墓。它巧妙地融合了安南和西方的技术，作为一项壮举，它的风格是刻意炫耀的。融合了法国图腾剧目中的符号和印度的参照物，这个建筑就像Khải Định一样，很豪华。利用东方和西方的材料，皇帝希望为他的陵墓建造一个真人大小的雕塑。这项委托落在了保罗-杜库林（1867-1949）身上，他是一位来自图卢兹的雕塑家，以摄影写实主义闻名。作为一名出色的学术雕塑家，他接受了许多公共委托，并在塞夫勒工厂任教。他与印度支那总督兼殖民地部长阿尔伯特-萨拉特（Albert Sarraut）的友谊，使他在1921年12月间被委以重任并获得了几项公共命令。 和1922年2月。为此，杜库林认真地研究了远东艺术的各种风格潮流和不同符号。为了实现Khải Định的雕塑，艺术家采用了忠实于客观现实的叙述方式。为了更好地掌握他的主题，雕塑家从表现一个简单的半身像开始，尺寸较小，他于1922年5月在马赛的殖民地博览会上展出了这个作品。这个模型得到了Khải Định皇帝的认可，除了为陵墓准备的全长和更大的版本之外，他还为他的家庭成员准备了几份原始半身像的副本。 杜库林采用了西方雕塑的准则，为这次委托选择了一种适合表现罗马古代以来的皇帝的半身像格式。然而，其象征性语言更多的是借用了安南文化。这套衣服由外衣和朴素而优雅的传统头巾组成，强调了Khải Định级别的人必须表现出的谦逊。他的社会地位通过他佩戴的各种属性得到了强调，包括安南龙的大十字，由一个八角星组成，上面有一条龙，一个安南人，然后是殖民秩序。保罗-杜库林描绘了一个威严而谦逊的君主在其权力巅峰时期的真实写照。当Bảo Đại要继承他的父亲时，他年轻的年龄不允许他统治，他利用摄政时期在法国接受教育。"保护伟大的人"，正如他的登基名字Bảo Đại的意思，从他统治的一开始就呈现出改革的愿望。第二次世界大战，以及由隆隆的民族主义运动携带的回民组成的政府，将为帝国敲响丧钟。最后一位皇帝关心他的国家，在他的回忆录中说："他们想要一场革命，我将进行革命，但不流血，通过政治演变。如果考虑到各民族的历史，只有一个解决办法：我的离开"。

Paul Jean Marie DUCUING (1867/68-1949)

Paul Jean Marie DUCUING (1867/68-1949) Portrait de l’empereur d’Annam S.M. Khải Định, circa 1922 Bronze à patine dorée, signé en bas sur la manche droite, signé du cachet F. Barbedienne Fondeur Paris sur le socle 33 x 22 x 12 cm - 13 x 8 5/8 x 4 3/4 in. PROVENANCE Collection personnelle de Bảo Ðại (1913-1997)(conçu spécialement à son attention) Collection de Monique Toinel, favorite de Bảo Ðại (offert par le précédent à l’occasion de la naissance de leur fille en 1965) Puis par descendance. EXPOSITION D’OEUVRES EN RAPPORT 1922, Exposition Coloniale de Marseille, pour un petit modèle en bronze. Huế, mausolée ou tombeau de Khải Định, pente de la montagne Chau Chu, le long de la rivière des Parfums, pour la version finale en pied. 1931, Exposition Coloniale Internationale de Paris, Pavillon de l’Annam pour un plâtre peint doré (H. 77.5 cm). Musée du Quai d’Orsay (fond historique) pour un plâtre peint doré (H. 77.5 cm) provenant du Ministère des Colonies puis déposé au Musée National des Arts d’Afrique et d’Océanie (1946). Le modèle proposé à la vente aujourd’hui,petite sculpture fondue par le fondeur renommé Barbedienne à Paris, provient de la collection personnelle du fils de Khải Ðịnh, Bảo Ðại, dernier empereur du Vietnam. Nguyễn Phúc Vĩnh Thụy, de son nom de naissance, fils unique né en 1913, en a hérité peu de temps après sa conception en 1922 puisque son père décéda en 1925. Ce modèle nous a été confié par l’un de ses petits-enfants, arrière petit-enfant de Khải Ðịnh. Si le Vietnam devient protectorat français dès 1885, le règne de ses empereurs perdure tout au long de cette période. Celui de l’avant-dernier empereur d’Annam, Khải Định (1885-1925) est marqué architecturalement par la construction en 1920 de son tombeau qui sera le dernier mausolée de la dynastie des Nguyên. Savant mélange du savoir-faire annamite mais aussi occidental, il s’érige comme une prouesse dans un style ostentatoire volontairement assumé. Mêlant des symboles du répertoire iconographique français à des références indiennes, cette construction est à l’image de Khải Định, luxueuse. Employant des matériaux aussi bien orientaux qu’occidentaux, l’empereur souhaite pour son mausolée une sculpture grandeur nature. Cette commande revient à Paul Ducuing (1867-1949), sculpteur toulousain connu pour son réalisme photographique. Brillant sculpteur académique, il a réalisé de nombreuses commandes publiques et enseigne à la Manufacture de Sèvres. Son amitié avec Albert Sarraut, Gouverneur d’Indochine et Ministre des Colonies lui permet d’être chargé de mission et d’obtenir plusieurs commandes publiques entre décembre 1921 et février 1922. Pour cela, Ducuing, consciencieux, étudie les divers courants stylistiques et les différents symboles de l’art extrêmeoriental. Pour la réalisation de la sculpture de Khải Định, l’artiste adopte une narration fidèle à la réalité objective. Afin de mieux maîtriser son sujet, le sculpteur commence par une représentation d’un simple buste, dans un plus petit format, qu’il expose en mai 1922 à l’Exposition Coloniale de Marseille. Ce modèle reçoit l’approbation de l’Empereur Khải Định qui commande, en plus de la version destinée au mausolée, qui sera de en pied et de plus grande dimension, plusieurs exemplaires du buste original destinés aux membres de sa famille. Reprenant les codes de la sculpture occidentale, Ducuing a choisi pour cette commande un format buste adapté à la représentation d’empereur depuis l’Antiquité Romaine. Le langage symbolique emprunte cependant davantage à la culture annamite. La tenue composée d’une tunique et d’un turban traditionnel sobre mais élégant souligne l’humilité dont doit faire preuve un personnage du rang de Khải Định. Son statut social est souligné par les différents attributs qu’il porte dont la plaque de Grande-Croix du dragon d’Annam, formée d’une étoile à huit branches surmontée d’un dragon, ordre annamite puis colonial. Paul Ducuing dresse ici le portrait réaliste d’un souverain majestueux et humble au sommet de puissance. Quand Bảo Đại doit succéder à son père, son jeune âge ne lui permet de pas de régner et il met à profit une période de Régence pour poursuivre son éducation en France. « Celui qui protège de la grandeur », comme le signifie son nom d’intronisation Bảo Đại, présente une volonté de réforme dès son début de règne. La Seconde Guerre Mondiale ainsi que le gouvernement formé par Hồ Chí Minh porté par le mouvement nationaliste qui gronde, sonnera le glas de l’Empire. Le dernier Empereur, soucieux de son pays dira dans ses mémoires « Ils veulent une révolution, je vais la faire mais sans verser le sang, par une évolution politique. Si l’on tient compte de l’

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Bảo Đại Coupe-papier oblong en or jaune uni (18 carats). Gold letter opener Longueur 18 cm| Largeur: 1.5 cm Poids: 119,5 g

Bảo Đại 普通黄金（18克拉）的长方形切纸器。 插座上刻有铭文。 两侧各有 "Ngàn dặm xa xuôi lậy Thánh-Hoàng "和Thương dân thương nước, chóng hồi loan"。 刀片，中央有轻微的边缘，包括两边刻有单字："V.B.D"（代表Vĩnh Bảo Đại）。印记：边缘有 "18K"。 长度：18厘米。 宽度：1.5厘米 重量：119.5克 出处： Bảo Đại (1913-1997)的个人收藏（专门为他设计） Monique Toinel的收藏，Bảo Đại的最爱（1965年他们的女儿出生时由前者提供）然后由后裔提供。

Bảo Đại

Bảo Đại Coupe-papier oblong en or jaune uni (18 carats). La prise gravée des inscriptions : «Ngàn dặm xa xuôi lậy Thánh-Hoàng» et Thương dân thương nước, chóng hồi loan» sur chacune des faces. La lame, à légère arête centrale, comprenant le monogramme gravé: «V.B.D» (pour Vĩnh Bảo Đại), sur chacune des faces. Poinçon: «18k» sur la tranche. Longueur 18 cm| Largeur: 1.5 cm Poids: 119,5 g PROVENANCE: Collection personnelle de Bảo Đại (1913-1997) (conçu spécialement à son attention) Collection de Monique Toinel, favorite de Bảo Đại (offert par le précédent à l’occasion de la naissance de leur fille en 1965) Puis par descendance.

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