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Peintres D’Asie -  亚洲画家 Các Họa Sĩ Châu Á Xixe Siècle, Impressionnistes & Modernes Tableaux Russes

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Le Pho (1907-2001) Jeune fille à la rose, circa 1941 Encre et couleurs sur soie, signée en bas à gauche 41 x 32.2 cm - 16 1/8 x 12 5/8 in. Ink and color on silk, signed lower left BIBLIOGRAPHIE L'âme du Vietnam, Editions Cercle d'Art, Paris, 1996, repr. p. 58 Waldemar George, Le Pho, Wally F. Findlay Galleries Int., Inc, oeuvre reproduite EXPOSITION L'âme du Vietnam, Le Bon Marché, Paris, 1996 (?) PROVENANCE XU?T X? Collection privée, Paris B? s?u t?p t? nhân, Paris Témoignage de la mixité culturelle qui a fait de lui l'une des figures de proue de l'Ecole de Hanoi, cette oeuvre est un remarquable travail de Le Pho, par lequel l'artiste rend une fois encore hommage à la beauté féminine. L'attitude de la jeune fille, recueillie et sereine, est dépeinte avec la plus grande délicatesse, dans le respect de la tradition asiatique. La clarté de son teint se détache avec éclat de son vêtement noir et du fond bleuté tandis que son voile, presque aérien, met en valeur sa chevelure d'un noir profond. Les lignes droites de l'encadrement tranchent avec l'ovale de ce doux visage, ainsi porté au rang d'icône. L'influence européenne est également prégnante| la posture humble et le voile clair évoquent les madones de la Renaissance et la rose appelle à elle toute une idéologie occidentale de l'amour et de la virginité, inspirée des oeuvres du Quattrocento. This remarkable artwork by Le Pho is a homage to female beauty and demonstrates the cultural mix that made him a leading figure of the School of Hanoi. The young girl's pensive, calm position is delicately portrayed in keeping with the Asian tradition. Her light complexion stands out due to its contrast with her black clothing and the bluish background. Her almost aerial veil accentuates her deep black hair. The straight lines of the framing provide a contrast to the oval shape of this gentle face, which thereby reaches the rank of an icon. The influence of Europea

Le Pho (1907-2001)

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PAUL MADELINE (1863-1920) Côte rocheuse Huile sur toile, signée en bas à gauche 63 x 99 cm - 24 3/4 x 39 in. Oil on canvas, signed lower left PROVENANCE Collection privée, Paris

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37 - PAUL MADELINE (1863-1920)~ Côte rocheuse~ Huile sur toile, signée en bas à gauche~ 63 x 99 cm - 24 3/4 x 39 in.~ Oil on canvas, signed lower left~ ~ PROVENANCE~ Collection privée, Paris

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Edouard VUILLARD (1868-1940) L'Allée dans les arbres, circa 1937-1938 Pastel sur papier, monogrammé en bas à droite 23 x 32 cm - 9 x 12 1/2 in. Pastel on paper, monogramed lower right PROVENANCE Ancienne collection Félix Vallotton, Paris Ancienne collection F. Fénéon Vente Libert et Boscher 19 juin 1956, n°58 Collection privée, France BIBLIOGRAPHIE A.Salomon et G. Cogeval, Catalogue critique des peintures et pastels, Vol. III. « Vuillard, le regard innombrable » Skira, Wildenstein Institute, 2003, repr. p. 1637 au n° XII-437 Né en 1868 en Saône-et-Loire, dans une famille qui le destine à des fonctions militaires, Edouard Vuillard fréquente régulièrement le Louvre et se consacre finalement à une carrière artistique. Il entre à l'Académie Julian puis à l'Académie des Beaux-Arts en 1887, où il suit l'enseignement de Jean-Léon Gérôme. Inspiré par Maurice Denis, il rejoint quelques années plus tard le cercle des Nabis et, soucieux de s'affranchir des conventions académiques en empruntent à Gauguin ses larges aplats de couleurs, il offre à son art jusqu'ici réaliste un traitement plus subjectif.. La peinture de Vuillard est ainsi imprégnée de l'ensemble des préceptes avant-gardes de la scène artistique de l'époque, que l'artiste conjugue et s'approprie. S'il peint de nombreuses toiles, le peintre réalise aussi des études au pastel, de grands panneaux décoratifs ou encore des photographies. A partir des années 1900, il s'oriente finalement davantage vers la peinture de portraits, commandés par la bourgeoisie parisienne. L'artiste est élu membre de l'Académie des Beaux-Arts en 1938, avant de tomber malade et de décéder, quelques années plus tard, à la Baule. Born in the French region of Saône-et-Loire in 1868, Edouard Vuillard's family wanted him to pursue a military career. He regularly visited the Louvre and eventually devoted himself to art. He first entered the Académie Julian and then, in 1887, the Académie des Beaux-Arts where he was ta

Edouard VUILLARD (1868-1940)

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Ferdinand Loyen du PUIGAUDEAU (1864-1930) Coucher de soleil sur la mer Huile sur toile, signée et datée en bas à droite 61 x 41.5 cm - 24 x 16 1/4 in. Oil on canvas, signed and dated lower right PROVENANCE Collection privée, Paris Né à Nantes, Ferdinand du Puigaudeau est le fils de propriétaires terriens et d'armateurs. Après des études classiques, il perfectionne ses dons artistiques par des voyages en Italie et en Tunisie. En 1886, il se rend à Pont-Aven, où il rencontre Paul Gauguin, Emile Bernard et Charles Laval, qui formeront deux ans plus tard l'Ecole de Pont-Aven. En 1890, Puigaudeau expose sa première oeuvre au salon de la Société nationale des Beaux-Arts. Si ses premiers tableaux sont des scènes de genre, son style évolue par la suite au profit d'un travail sur la lumière. En 1907, il s'installe au Croisic où, jusqu'à la fin de sa vie, il peint le paysage qui s'offre à lui: son jardin, les marais et moulins de Brière, les couchers de soleil sur la mer et les champs de coquelicots. Dans la toile que nous vous présentons, le peintre met sa connaissance de l'impressionnisme au service de son amour pour la lumière. Tous les éléments du tableau permettent la mise en valeur du soleil: point de fuite de l'oeuvre, il attire inévitablement à lui la maison, la colline, la mer et le ciel. L'oeuvre entière s'organise autour de cet astre, presque sacré, dont l'aura, pointilliste, captive l'oeil du spectateur. Avec ce Coucher de soleil sur la mer, Puigaudeau nous offre à contempler un océan sublime, étincelant d'une harmonie infinie. Born in Nantes, Ferdinand du Puigaudeau was the son of landowners and shipowners. After his classical studies, he enhanced his artistic gifts with trips to Italy and Tunisia. In 1886, he went to Pont-Aven, where he met Paul Gauguin, Emile Bernard, and Charles Laval, who two years later formed the Pont-Aven School. In 1890, Puigaudeau exhibited his first work at the Société nationale des Beaux-Arts. While his first paintings w

Ferdinand Loyen du PUIGAUDEAU (1864-1930)

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Louis VALTAT (1869-1952) L'orchestre à la fête foraine, 1897 Huile sur toile, monogrammée en bas à droite 71 x 56 cm - 28 x 22 in. Oil on canvas, monogramed lower right Le certificat rédigé par Jean Valtat en date du 16 mai 1967 sera remis à l'acquéreur PROVENANCE Collection privée, Paris BIBLIOGRAPHIE J. Valtat, Louis Valtat, catalogue de l'oeuvre peint, 1869-1952, t. I, Neuchatel, Editions Ides et Calendes, 1977, p. 20, n°176 Louis Valtat naît à Dieppe en 1869. Dès sa plus tendre enfance, il est initié à la peinture par son père, qui la pratique en amateur. A l'âge de dix-sept ans, en 1886, il intègre l'atelier de Jules Lefebvre à l'Ecole des Beaux-Arts de Paris, et suit parallèlement l'enseignement plus libre proposé par Gustave Boulanger et Benjamin-Constant à l'Académie Julian. Il y rencontre alors certains futurs membres du groupe nabi tels qu'Edouard Vuillard, Pierre Bonnard, Maurice Denis ou encore Paul Sérusier, avec qui il partage une conception de l'art et de l'esthétique directement héritée de Gauguin et Van Gogh. Dans les années 1890, Valtat effectue plusieurs voyages dans le Sud de la France, séjournant en hospice afin de soigner la tuberculose dont il est atteint. La découverte de l'Espagne, où il fait régulièrement des excursions, lui inspire de nouveaux sujets, dont la toile L'orchestre à la fête foraine fait sans doute partie. La lumière observée par Valtat lors de ses séjours septentrionaux influence sa manière de peindre, rénove sa conception de la couleur et son rendu sur la toile. L'oeuvre L'orchestre à la fête foraine témoigne de cette évolution: l'artiste choisit les tons en fonction de leur valeur expressive. L'oeuvre est un témoignage de l'assimilation par Valtat des différentes tendances picturales alors en action sur la scène parisienne Si l'agencement de larges plages et cernes de couleur structure largement la composition, à la manière des Nabis, l'audace du cadrage manifeste quant à elle l'influence

Louis VALTAT (1869-1952)

Louis VALTAT (1869-1952) L'orchestre à la fête foraine, 1897 Huile sur toile, monogrammée en bas à droite 71 x 56 cm - 28 x 22 in. Oil on canvas, monogramed lower right Le certificat rédigé par Jean Valtat en date du 16 mai 1967 sera remis à l'acquéreur PROVENANCE Collection privée, Paris BIBLIOGRAPHIE: J. Valtat, Louis Valtat, catalogue de l'oeuvre peint, 1869-1952, t. I, Neuchatel, Editions Ides et Calendes, 1977, p. 20, n°176 Louis Valtat naît à Dieppe en 1869. Dès sa plus tendre enfance, il est initié par son père à la peinture, ce dernier la pratiquant en amateur. A l'âge de dix-sept ans, en 1886, il intègre l'atelier de Jules Lefebvre à l'Ecole des Beaux-Arts de Paris, suivant parallèlement, l'enseignement plus libre proposé par Gustave Boulanger et Benjamin-Constant à l'Académie Julian. Il y rencontre les futurs membres du groupe nabi tels qu'Edouard Vuillard, Pierre Bonnard, Maurice Denis ou encore Paul Sérusier, avec qui il partage une conception de l'art et de l'esthétique en bien des points commune, directement héritée des maîtres que sont Gauguin ou Van Gogh pour eux. Dans les années 1890, Valtat opère un certain nombre de voyages dans le Sud de la France, séjournant en hospice afin de soigner la tuberculose dont il est atteint. La découverte de l'Espagne, où il fait régulièrement des excursions, lui inspire de nouveaux sujets dont L'orchestre à la fête foraine fait sans doute partie. Un groupe de femmes vêtues du costume algérien offre un moment musical traditionnel. L'angle rapproché choisi par le peintre, qui semble avoir posé son chevalet parmi le public, le personnage que l'on devine sur le côté gauche, les mains suspendues des musiciennes, leurs visages figés à l'expression concentrée... permettent au spectateur de voler un instant de cette scène animée dont le temps s'est figé. La lumière rencontrée par Valtat lors de ses séjours septentrionaux influence sa manière de peindre et

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Pierre LAPRADE (1875-1931/32) Vue de Florence Huile sur toile, signée en bas à gauche 65 x 81 cm - 25 2/3 x 31 7/8 in. Oil on canvas, signed lower left

Pierre LAPRADE (1875-1931/32)

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Louis VALTAT (1869-1952) Geneviève Bouin-Luce, petite-fille de Maximilien Luce, ami du peintre Huile sur toile, signée en bas à droite 46 x 38.5 cm - 18 1/8 x 15 1/8 in. Oil on canvas, signed lower right PROVENANCE Collection de Maximilien Luce Transmis familialement depuis Prolifique, Valtat trouve l'inspiration dans son cercle proche, dont il réalise de nombreux portraits, à l'image de l'oeuvre que nous vous présentons. Geneviève, la fillette représentée, n'est autre que la petite-fille de Maximilien Luce, célèbre peintre néo-impressionniste et ami proche de l'artiste. Tandis que les larges touches de couleurs rappellent le pointillisme, la vivacité du ton confère à la toile une ardente énergie, faisant de celle-ci le parfait résultat de l'assimilation, par le peintre, des différentes tendances picturales alors en place sur la scène parisienne. A prolific artist, Valtat found inspiration in his inner circles, of whom he made many portraits, including the work presented here. Geneviève, the girl depicted, is no other than the granddaughter of Maximilien Luce, the famous Neo-Impressionist painter and a close friend of the artist. Although the large strokes of color are reminiscent of Pointillism, the palette's vivacity bestows a vibrant energy, which makes this painting is an exemplary demonstration of how Valtat assimilated the era's diverse pictorial trends.

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Albert Marquet (1875-1947) Hesnes, le drapeau norvégien Huile sur toile, signée en bas à gauche 50 x 61 cm - 19 5/8 x 24 inches Oil on canvas, signed lower left PROVENANCE Galerie Druet, acquis en 1925, n°111.88 Transmis familialement depuis. Collection privée, Neuilly-sur-Seine Albert Marquet arrive à Paris en 1890, et, dès l'année suivante, se lie d'amitié avec Matisse et Manguin. Elève aux Beaux-arts, il fréquente l'atelier de Gustave Moreau, qui le pousse à s'imprégner des grands maîtres anciens, et découvre avec fascination l'Impressionnisme chez Durand-Ruel. Entre 1897 et1905, Marquet se consacre au motif du paysage, qui devient l'un de ses sujets de prédilection et qu'il exécute dans la veine du fauvisme, avant même que Louis Vauxcelles ne donne son nom au mouvement. Ayant exposé au Salon d'Automne de 1905 dans la fameuse salle VII, il adopte une rapidité d'exécution et une simplification des formes au profit d'une visibilité de la touche. Dès 1906, en quête d'une nouvelle harmonie du ton, le peintre revient toutefois à un style plus modéré et à une palette plus douce, loin de la vision brutale des formes et des couleurs prônée par les fauves. À partir de 1925, Albert Marquet passe tous les hivers à Alger et voyage le reste de l'année. Il se rend en France, en Italie mais également en Norvège, comme l'atteste le fjord qui vous est présenté. Figurant les paysages qu'il traverse et les ports qui l'accueillent, sa peinture retrace les grandes lignes de ses périples et devient ainsi son carnet de voyage. Albert Marquet arrived in Paris in 1890, and befriended Matisse and Manguin the following year. A student at the École des Beaux-Arts, he also frequented the studio of Gustave Moreau, who encouraged him to immerse himself in the great old masters, and he was thrilled to discover Impressionism at Durand-Ruel. From 1897 to 1905, Marquet devoted himself to landscapes, which became one of his favorite subjects. He treated them in

Albert Marquet (1875-1947)

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Tamara de LEMPICKA (1898-1980) Etude de nu féminin assis, de face, circa 1926 Crayon sur papier 18.3 x 12.6 cm à vue Pencil on paper PROVENANCE Galerie Alain Blondel, Paris, 1981 Collection privée, Paris EXPOSITIONS Lempicka, Musées des années 30, Boulogne-Billancourt, 2006 (avec une erreur de dimensions) Lempicka, Museo del Palacio de Bellas Artes, Mexico, 2009 BIBLIOGRAPHIE Lempicka, Catalogue de l'exposition Tamara de Lempicka, Musée des années 30, Editions Flammarion, 2006, repr. p. 64 (avec une erreur de dimensions) Alain Blondel, Lempicka, Catalogue raisonné 1921-1979, Editions Acatos, 1999, repr. n°A.88 p. 453 (avec une erreur de dimensions) Tamara de Lempicka, Catalogue de l'exposition, Museo del Palacio de Bellas Artes, Mexico, Editions TF. Artes graficas, 2009. Editorial d'Alain Bondel. repr. n°54 p.168 (dimensions correctes)

Tamara de LEMPICKA (1898-1980)

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LE PHO (1907 - 2001) Maternité Encre et couleurs sur soie, signée en haut à droite 59.5 x 48 cm - 23 1/2 x 18 7/8 in. Ink and color on silk, signed upper right Mực nho và màu nước trên lụa, ký tên ở góc trên bên phải PROVENANCE XUẤT XỨ Collection privée, Paris B? s?u t?p t? nhân, Paris Acquis vers 1940 et transmis familialement depuis Par une construction en triangle digne des maîtres de la Renaissance, le peintre se réapproprie ici la thématique de la Vierge à l'Enfant. Toutefois, soucieux de se détacher d'une tradition trop académique, il baigne ce portrait d'une spontanéité nouvelle. Un vent de fraicheur semble parcourir la scène, écartant les rideaux et faisant s'envoler le voile maternel, avec une volonté presque impertinente de moderniser le sfumato italien. Répondant aux préceptes des enseignements classiques italiens, l'oeuvre convoque également à elle tout le lexique de l'iconographie asiatique. Disséminés à divers endroits de la scène, l'éventail, le bouquet ou encore le voile clair font de cette soie une oeuvre riche d'allusions aux origines vietnamiennes de l'artiste. In this pyramidal composition worthy of the masters of the Renaissance, Le Pho adopts the theme of the Virgin and Child. Turning away from overly academic traditions, he endows the portrait with fresh spontaneity. A cool breeze seems to blow through the scene, opening the curtains and making the Mother's veil lift, with an almost brash desire to modernize the Italian sfumato. Responding to the classical Italian precepts, the work also summons the repertoire of Asian iconography. Dispersed across various parts of the scene, the fan, the bouquet, and the light veil make this silk work rich with allusions to the artist's Vietnamese origins. Le Pho, son of the Viceroy of Tonkin, was a Vietnamese artist born in 1907. Showing a keen interest and precocious talent for painting and drawing, he attended the Superior Fine Arts School of Indochina, where, from 1925 to 1930, he was part of the first class under the direction of Victor Tardieu. He was taught by various professors, including Joseph Inguimberty. These two men were to have a profound influence on Le Pho's painting. Initiated to Western techniques like oil painting on canvas, he was nonetheless encouraged to maintain an Asian identity in terms of style and creative process, such as using lacquer or painting on silk. In 1931, Victor Tardieu, taken by the young Vietnamese artist's talent, chose Le Pho as his assistant for the Paris Colonial Exhibition. During this time, Le Pho traveled to several European cities. He spent time at the École des Beaux-Arts in Paris around 1932. Traveling across the Netherlands, Italy, and Belgium allowed him to gain knowledge of Western art traditions. Discovering the Belgian and Italian Primitives as well as the great masters of the Renaissance had a profound effect on the developments and maturation process of the young artist's style. In 1933, Le Pho returned to Vietnam where he became a professor at the Hanoi College of Fine Arts. On a trip to Beijing in 1934, he discovered traditional Chinese painting, Song and Ming in particular, which was a revelation. Le Pho returned to Paris in 1937, where he settled and lived until the end of his life. There he discovered the painting of Dufy and Bonnard as well as of Marquet and Matisse, to whom he was respectively introduced in 1941 and 1943. Endowed with an astonishing ability to absorb and assimilate, Le Pho created a very original synthetic form of art which continuously developed throughout his career. He slowly steered away from classical Chinese and Italian Renaissance traditions to assert his affinities with more recent artists such as the eminent figures of the French avant-garde that he met. The works presented here provide an eloquent journey among the artist's most wanted years.

LE PHO (1907 - 2001)

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Le Pho (1907-2001) Femme au bol bleu Gouache sur papier, signée en haut à droite 32 x 24 cm - 12 1/2 x 9 1/2 in. Gouache on paper, signed upper right Màu b?t trên gi?y, ký tên ? góc trên bên ph?i PROVENANCE Collection privée, France Cette oeuvre représente un sujet traditionnel asiatique, à la fois portrait et scène de vie. Elle témoigne de la capacité de Le Pho à conserver son identité culturelle vietnamienne tout en utilisant une technique occidentale. Comme le bol qu'elle porte à ses lèvres ou la table à laquelle elle est assise, la jeune femme présente une beauté toute en rondeur. Du galbe léger de l'épaule au chignon rebondi, en passant par le poignet cassé dans un joli arrondi, cette gouache évoque avec subtilité les courbes d'une féminité que l'on devine à la grâce du geste. A portrait as well as a scene of life, this work portrays a traditional Asian subject. It demonstrates Le Pho's ability to maintain his Vietnamese identity while employing Western techniques. Like the bowl she brings to her lips and the table where she is sitting, the young woman's beauty is represented in roundness. From her shoulder's light curve to the bun of her hair through to her wrist depicted as rounded, this work on paper is a subtle rendering of curved femininity, suggested by the graceful gesture.

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André HAMBOURG (1909-1999) Les petits chevaux sur la plage, vers 1961 Huile sur toile, signée et datée en bas à gauche, titrée, monogrammée et datée au dos 22 x 35 cm - 8 5/8 x 13 3/4 in. Oil on canvas, signed and dated lower left, titled and monogramed on reverse PROVENANCE Galerie Petridès, Paris Collection privée, Paris

André HAMBOURG (1909-1999)

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Le Pho (1907-2001) Jeune fille songeuse, 1936 Laque, signée et datée en bas à gauche 60 x 91 cm - 23 5/8 x 35 3/4 in. Lacquer, signed and dated lower left Sơn mài, ký tên và ngày tháng tại góc dưới bên trái PROVENANCE XUẤT XỨ Collection privée, Paris Bộ sưu tập tư nhân, Paris La technique de la laque est une pratique ancestrale au Viêt Nam, où les artisans ont de tous temps utilisé la résine issue du laquier comme vernis épais et brillant. Dans les années 1930, cette technique fut enseignée à l'Ecole des beaux-arts de l'Indochine, avec une volonté nouvelle de revaloriser ce savoirfaire traditionnel. Allergique à la gomme, Le Pho a rapidement dû renoncer à ce medium. L'oeuvre que nous présentons est datée de 1936, année au cours de laquelle Le Pho réalisa également les panneaux de laque qui décorèrent la section Indochine de l'Exposition Internationale de 1937 à Paris (section dont il fut nommé directeur artistique) Lacquer is an ancient Vietnamese technique. Artisans have always used the sap from the lacquer tree as thick, glossy varnish. In the 1930s, this technique was nonetheless taught at the Fine Arts College of Indochina, with a new desire to reassert the value of this traditional expertise. Allergic to resin, Le Pho was quickly obliged to discontinue using lacquer. His oeuvre, therefore, holds very few examples as the panel presented here. Dated 1936, it has been created the year he also made the lacquer panels for the Indochina section of the International Exhibition of 1937 in Paris (he was named artistic director of this section). Le Pho, fils du vice-roi de Tonkin, est un artiste vietnamien né en 1907. Manifestant un intérêt poussé et des prédispositions précoces pour la peinture et le dessin, il intègre rapidement l'Ecole des Beaux-Arts d'Indochine où il étudie au sein de la première promotion, entre 1925 et 1930, sous la direction de Victor Tardieu et l'enseignement de différents professeurs dont Joseph Inguimberty. Ces deux hommes vont avoir une grande influence sur sa peinture. Initié aux techniques occidentales, comme la peinture à l'huile sur toile, on l'engage cependant à garder une identité asiatique tant du point de vue du style que des procédés de création, à l'instar de la laque ou de la peinture sur soie. En 1931, Victor Tardieu, sensible au talent du jeune vietnamien, choisit de faire de lui son assistant pour l'Exposition coloniale à Paris. L'artiste profite de cette période pour visiter plusieurs villes d'Europe. Il fréquente l'école des Beaux-Arts de Paris vers 1932. La traversée des Pays-Bas, de l'Italie ou encore de la Belgique lui permet de se confronter à la culture et à la tradition occidentales. La découverte des primitifs flamands et italiens, mais aussi des grands maîtres de la Renaissance a un impact profond sur l'évolution et la maturation du style du jeune artiste. En 1933, Le Pho retourne au Vietnam où il devient professeur aux Beaux-Arts de Hanoï. En 1934, il effectue un voyage à Pékin durant lequel la peinture traditionnelle chinoise - plus particulièrement Song et Ming- se révèle à lui. De retour à Paris en 1937, où il demeurera jusqu'à la fin de sa vie, il découvre la peinture de Dufy et de Bonnard, ainsi que celle de Marquet et de Matisse qui lui seront respectivement présentés en 1941 et 1943. Faisant preuve d'une étonnante capacité d'assimilation, Le Pho crée un art de synthèse original qui connaît une évolution sensible tout au long de sa carrière. Il se détache peu à peu d'une certaine tradition issue de l'observation des maîtres classiques chinois et de la peinture italienne de la Renaissance pour affirmer ses affinités avec des protagonistes plus récents, à l'instar des figures majeures de l'avant-garde française auprès desquelles il a été introduit. L'ensemble d'oeuvres que nous présentons propose un voyage éloquent vers les années les plus recherchées de l'artiste.

André HAMBOURG (1909-1999) Les pêcheurs de moules, Luc-sur-mer, 1958 Huile sur toile, signée en bas à droite, titrée et datée au dos 50 x 73 cm - 19 1/2 x 28 3/4 in. Oil on canvas, signed lower right, titled and dated on reverse Le certificat d'authenticité rédigé en date du 2 mai 2017 par Nicole Hambourg sera remis à l'acquéreur BIBLIOGRAPHIE Lydia Harambourg, André Hambourg: Catalogue raisonné de l'oeuvre peint, Editions Desgrandchamps, 2009, tome II, repr. p.32, ref. GP 41 PROVENANCE Collection privée, Paris

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Pablo Picasso (1881-1973) Tête de chèvre de profil, 1952. 5 juin Plat Oblong. E.O Terre de faïence blanche, décor aux engobes sous couverte partielle au pinceau Rouge, grège, vert, gris, patine Tiré à 250 exemplaires 31 x 51 cm BIBLIOGRAPHIE Alain Ramié, Picasso: catalogue de l'oeuvre céramique 1947-1971, Madoura, Paris 1988, repr. p. 80-81 n°146

Pablo Picasso (1881-1973)

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Pablo Picasso (1881-1973) Paysage, 1953. 9 décembre Plat rond. R.A. Terre de faïence blanche, décor aux engobes, gravé au couteau sous couverte partielle au pinceau Bleu, vert, brun, blanc, noir. Tirée à 200 exemplaires numérotées D. 42 cm BIBLIOGRAPHIE Alain Ramié, Picasso: catalogue de l'oeuvre céramique 1947-1971, Madoura, Paris 1988, repr. p.113 n°208

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AUGUSTE FERRANDO (1880-1957) La baie d'Oran Huile sur carton, signée en bas à gauche 75.5 x 213 cm - 29 3/47 x 83 7/8 in. Oil on cardboard, signed on the lower left PROVENANCE Collection privée, Oran, à la fin des années 1940, puis rapporté à Aix-en-Provence Acquis directement chez l'artiste et conservé depuis Né en 1880 à Miliana, Augustin Ferrando est considéré comme le seul peintre fauve d'Algérie. Son talent est repéré dès son plus jeune âge par l'un de ses professeurs, qui pousse le père du jeune prodige à l'inscrire à l'Ecole Nationale des Beaux-Arts d'Alger en 1898. L'artiste intègre rapidement l'académie Druet et fréquente l'élite intellectuelle algéroise qui le convainc de se rendre à Paris en 1906. Il se forme chez Fernand Cormon, chez qui il côtoie Matisse, Derain, Léger, Vlaminck ou encore Utrillo. Incité par son maître à développer une grande curiosité artistique, il se passionne pour Cézanne et Gauguin et fréquente Domergue et Camus. En 1909, nostalgique, il retourne en Algérie qui est devenue en son absence un haut-lieu de la création littéraire et artistique. Le peintre est nommé Directeur des Beaux-Arts d'Oran, où il enseigne pendant près de dix ans, faisant de cette école une institution pluridisciplinaire de renommée internationale. Si les tons et la palette sont harmonieux, l'artiste signe ici sa composition en y ajoutant un rouge détonnant, sous la forme d'un tissu posé sur le dos d'un âne noir. Les bergers se reposent à l'ombre d'arbres devant le panorama magnifique de la baie d'Oran, écrin d'émeraude et d'azur. Les remous de l'eau calme donnent un élan à la toile, comme si le vent circulant entre les falaises de la « Baie d'Oran » revenait jusqu'à eux tandis que la douceur des couleurs exprime une atmosphère de quiétude infinie. Le profond attachement de Ferrando à la beauté de l'Algérie est retranscrit avec une très grande sensibilité dans cette toile qui devient ainsi une invitation au voyage et à la poésie de l'Orient. Born

AUGUSTE FERRANDO (1880-1957)

AUGUSTE FERRANDO (1880-1957) La baie d'Oran Huile sur carton, signée en bas à gauche 75.5 x 213 cm - 29 3/47 x 83 7/8 in. Oil on cardboard, signed on the lower left PROVENANCE Collection privée, Oran, à la fin des années 1940, puis rapporté à Aix-en-Provence Acquis directement chez l'artiste et conservé depuis. Peintre orientaliste français de l'école d'Alger, Augustin Ferrando est considéré comme le seul peintre fauve d'Algérie. Elève des Beaux-Arts d'Alger et de Paris, il se forme chez Fernand Cormon, chez lequel il côtoie Matisse, Derain, Vlaminck ou encore Utrillo. Si les tons sont harmonieux et de même palette, l'artiste signe ici sa composition en y ajoutant un rouge qui détonne, sous la forme d'un tissu posé sur le dos d'un âne noir. Les bergers, arrêtés pour faire paitre leurs brebis, se reposent à l'ombre d'arbres surplombant un écrin d'émeraude et d'azur. Les remous de l'eau calme donnent un élan à la toile, comme si le vent circulant entre les falaises de la «Baie d'Oran» revenait jusqu'à eux. La douceur des couleurs exprime une atmosphère de quiétude infinie. La sensibilité de Ferrando à la beauté de l'Algérie, lui qui fut élevé dans les paysages du Chéliff, est palpable dans sa peinture. Cette oeuvre est une invitation au voyage et à la poésie de l'Orient. A French Orientalist painter of the Algiers School, Augustin Ferrando is considered Algeria's only Fauvist painter. After attending the Algiers and Paris Beaux-Arts schools, he studied at Fernand Cormon's studio, where he met Matisse, Derain, Vlaminck and Utrillo. In this composition, the harmonious colours are all in the same range except for a touch of discordant red in the form of a rug on a black donkey's back. The shepherds have stopped to graze their sheep, and are resting in the shade of trees overlooking an emerald and azure setting. The eddies in the calm waters give movement to the painting, as if the wind has wafted here all the way fro

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NGUYEN NAM SON (1890-1973) Paysannes du Tonkin, circa 1935 Encre et couleurs sur soie, signée en haut à droite et en bas à gauche et titrée en bas à gauche 65 x 52.5 cm - 25 1/2 x 20 5/8 in. Ink and color on silk, signed upper right and lower left, titled lower left Mực nho và màu nước trên lụa, ký tên ở góc trên bên phải PROVENANCE Ancienne collection privée, Hanoï Acquis avant 1960 par les parents de l'actuel propriétaire Bộ sưu tập tư nhân, Hà Nội Thuộc quyền sở hữu của cha mẹ chủ nhân bộ sưu tập từ trước năm 1960 EXPOSITION Salon de la SADEAI, Hanoï, 1936 Nguyen Van Tho, plus connu sous son nom d'artiste Nam Son, naît à Hanoï en 1890 et étudie au lycée du protectorat, où il est initié à l'art occidental. Attiré par le dessin, il collabore à l'illustration de nombreux manuels, journaux et revues. Ses prédispositions lui permettent de rencontrer Victor Tardieu, lauréat du prix de l'Indochine de 1920, qui devient son mentor. Aux côtés de son maître, l'artiste vietnamien s'exerce avec brio à la peinture à l'huile et expose ses premières toiles dès 1923. Ensemble, disciple et enseignant fondent, en 1924, l'Ecole des Beaux-Arts de Hanoï, où sont pareillement enseignées les techniques artistiques occidentales et asiatiques, telles que la peinture sur soie ou la laque. Véritable vivier de talents, l'établissement donnera par la suite naissance aux plus grand noms de la peinture vietnamienne, à l'image de Le Pho, Mai Thu ou encore Vu Cao Dam. Cette encre et couleurs sur soie met en scène trois personnages à la récolte de banane, scène de la vie quotidienne du Vietnam de l'époque. Si le sujet atteste d'un héritage typiquement asiatique, la composition en plusieurs plans successifs révèle quant à elle une inventivité éminemment moderne, tirée des enseignements occidentaux. Nguyen Van Tho, better known as Nam Son, was born in Hanoi in 1890 and went to the High School of the Protectorate, where he was introduced to Western art. Attracted by drawing, he contributed to the illustration of numerous manuals, newspapers, and magazines. His predispositions allowed him to meet Victor Tardieu, winner of the Indochina Prize of 1920, who became his mentor. Alongside his master, the Vietnamese artist brilliantly painted in oil and exhibited his first paintings in 1923. In 1924, the pupil and teacher together founded the Hanoi School of Fine Arts where both Western and Asian techniques, such as silk painting and lacquer, were taught. A veritable talent pool, the establishment later produced the biggest names in Vietnamese painting, including Le Pho, Mai Thu, and Vu Cao Dam. This work in ink and colors on silk depicts three figures at a banana harvest, a scene of daily life in Vietnam at the time. While the subject demonstrates typically Asian heritage, the work's composition in several successive picture planes reveals eminently modern inventivity coming from Western teachings. Du 03/12 au 31/12/1936, la Société Annamite d’Encouragement à l’Art et à l’Industrie (SADEAI) ouvre ses portes à Hanoi au « Salon 1936 », 12 rue Borgnis-Desbordes (garage Bainier, rue Tràng Thi), avec le triomphe de la peinture sur soie et de la laque. Un témoignage intéressant sur la situation de l’École des Beaux-Arts de l’Indochine nous est donné par Pierre Gourou 1 : « Victor Tardieu organisa un Salon annuel, qui était un événement de la vie hanoïenne | il sut créer un vif mouvement d’intérêt autour de ses élèves, il sut les orienter vers les arts décoratifs et, par conséquent, leur assurer des possibilités nouvelles d’intérêt et des ressources supplémentaires. » (« Les Beaux-Arts en Indochine », revue France-Illustration, No190, 1949, numéro spécial sur l’Indochine). Nam Sơn y expose ses 4 peintures sur soie, parmi lesquelles Paysannes du Tonkin, 65 x 50 cm. Dans les «archives Nam Sơn» conservées par sa famille, nous avons trouvé des photos de cette toile avec la légende « Nguyễn Nam Sơn - Paysannes du Tonkin – Soie – Salon de la SADEAI 1936 » Cette peinture sur soie est dominée par la couleur vert-turquoise, tendre mais variée et fraiche, représentant trois paysannes tonkinoises. La première, la plus jeune, porte sur son épaule un régime de bananes suspendu au bout de sa palanche. On devine sur l’autre bout, caché derrière son dos, une autre charge pour équilibrer sa démarche. Elle est belle, ses longs cheveux s’enroulent dans une bande de tissu noir, telle une couronne autour de la tête. Elle porte une chemise couleur blanc cassé qui a la forme de la tunique à quatre pans mais courte et boutonnée. Cette chemise a une encolure largement échancrée, s’ouvrant au niveau de la poitrine sur le cache-seins couleur corail pour atténuer la profondeur du décolleté. Un large pantalon noir est tenu par une bandelette de couleur bleue qui lui sert en même temps de ceint

NGUYEN NAM SON (1890-1973)

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Vera ROCKLINE (1896-1934) Le pendentif vert Huile sur toile, signée en bas à droite 55 x 38 cm - 21 5/8 x 15 in. Oil on canvas, signed lower right Vera Rockline naît à Moscou en 1896, d'une mère française et d'un père russe. Déjà respectée dans sa ville natale en tant qu'élève du néo-impressionniste Ilya Mashkov, elle suit, dès 1917, l'enseignement de l'artiste cubiste Alexandra Exter à Kiev. Sa formation est alors profondément influencée par l'Art Moderne qui émerge en France, ainsi que par l'Avant- Garde russe. Son talent se révèle très tôt| certains vont même jusqu'à dire qu'il éclipse celui de ses maîtres. Entre 1917 et 1920, le style de Vera Rockline est fortement marqué par le cubisme cézannien, et elle expose à nombreuses reprises à Moscou sous son nom de jeune fille Schlezinger. En 1919, l'artiste s'installe en Géorgie avec son mari, qu'elle quitte trois ans plus tard pour déménager en France. Marquée par l'oeuvre de Rubens et de Renoir, Rockline réoriente son travail, privilégiant les portraits et réalisant également quelques paysages. Elle peint ainsi de nombreux bustes de jolies jeunes femmes alanguies et dénudées| telles celles présentées ici. Admise parmi les peintres influents du quartier de Montparnasse, elle présente avec succès ses oeuvres lors des expositions annuelles aux Salons des Indépendants, aux Tuileries et aux Salons d'Automne. Très appréciée du milieu intellectuel, elle expose en parallèle dans de nombreuses galeries. C'est au sommet de sa gloire que l'artiste décide de mettre fin à ses jours, le 4 avril 1934 Vera Rockline was born to a French mother and Russian father in Moscow in 1896. Already respected in her hometown as a pupil of the Neo-Impressionist artist Ilya Mashkov, she began following the teaching of Cubist artist Alexandra Exter in Kiev in 1917. Her training was then profoundly influenced by Modern Art that was emerging in France and by the Russian avant-garde. Her talent came to light very soon,

Vera ROCKLINE (1896-1934)

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Vera ROCKLINE (1896-1934) Portrait d'élégante Huile sur toile, signée en bas à droite, annotée d'une date 1926 au dos 81 x 65 cm - 31 7/8 x 25 1/2 in. Oil on canvas, signed lower right, inscribed with a date 1926 on reverse EXPOSITION Rétrospective Véra Rockline, Galerie Jean Battais, Paris, n°21

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