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Maîtres Anciens

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JEAN-BAPTISTE HUET L'Amour corrigé Brown wash and white gouache highlights 19 x 23.3 cm The Love's beating Brown wash and white highlights, 7.5 x 9.2 in. Artist born in Paris in 1745, Jean-Baptiste Huet certainly trained in the studio of the painter Claude Dagomer (1722 -1766), member of the Académie de Saint-Luc. He would also have frequented the studio of Jean-Baptiste Le Prince (1734 -1781) when the latter, following his trip to Russia, brought back a taste for "russeries", picturesque and somewhat rustic scenes. Besides that, Huet likes to study animals on the spot, following the doctrine of the Enlightenment, encouraging the observation of nature which bends to the observation and delight of the walker. Looking also at his predecessors, Huet collected the works of Wouwermans (1619 -1668), Nicolas Berchem (1620-1683) as well as a number of engravings diffusing the works of various other artists. Without abandoning these influences, the artist built up his own way throughout his career. Here, it is that of the draftsman that we perceive in the jerky, lively strokes that draw the fleece of the animals, sketch the leafy background. The speed of execution gives impetus to the spanking the child will receive, energizing the whole composition. The white gouache highlights bring brilliance to the drawing, a practice that Huet certainly impressed on François Boucher (1703-1770) whom he may have crossed paths with or collaborated with. The light, teasing subject enters this repertoire of gallant scenes, picturesque without being too rustic, charming without being sweet. There are many charming details to be found in the chubby face of the child being beaten up, his little wings, the delicate figure of the young shepherdess sitting nonchalantly or the goat looking indifferently at the scene being played out, making the spectator forget the punitive theme of the work. With ease and speed, Jean-Baptiste Huet thus delivers a charming pastoral scene, inspired

JEAN-BAPTISTE HUET L'Amour corrigé Lavis brun et rehauts de gouache blanche 19 x 23,3 cm The Love's beating Brown wash and white highlights, 7,5 x 9,2 in. Artiste né à Paris en 1745, Jean-Baptiste Huet s'est certainement formé dans l'atelier du peintre Claude Dagomer (1722 -1766), membre de l'Académie de Saint-Luc. Il aurait également fréquenté l'atelier de Jean-Baptiste Le Prince (1734 -1781) lorsque ce dernier, à la suite de son voyage en Russie, en aurait rap­porté un goût pour les «russeries», les scènes pittoresques et quelque peu rustiques. Outre cela, Huet aime à étudier les animaux sur le vif, suivant la doctrine du Siècle des Lumières, encou­rageant l'observation de la nature qui se plie à l'observation et à la délectation du promeneur. Le regard aussi tourné vers ses prédécesseurs, Huet collectionnait les oeuvres de Wouwermans (1619 -1668), Nicolas Berchem (1620-1683) ainsi que nombre de gravures diffusant les oeuvres de divers autres artistes. Sans se départir de ces influences, l'artiste construit sa propre manière au fil de sa carrière. Ici, c'est celle du dessinateur que l'on perçoit dans les traits saccadés, vifs qui dessinent la toison des animaux, esquissent l'arrière-plan feuillagé. La vitesse d'exécution donne de l'élan à la fessée que va recevoir l'enfant, dynamisant l'ensemble de la composition. Les rehauts de gouache blanche apportent de la brillance au dessin, pratique qu'Huet empreinte certainement à François Boucher (1703-1770) qu'il a pu croiser ou avec qui il a pu collaborer. Le sujet léger, taquin, entre dans ce répertoire des scènes galantes, pittoresques sans être trop rustiques, charmantes sans être doucereuses. Nombreux sont ici les détails charmants que l'on retrouve dans le visage joufflu de l'enfant qui se fait rosser, ses petites ailes, la figure délicate de la jeune bergère assise nonchalamment ou le bouc regardant indifférent la scène qui se joue, faisant comme oublier au spectateur le thème punitif de l'oeuvre. Av

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HUGUES TARAVAL The Nativity Ink and wash on paper Signed lower right H: Taraval in 12 x 10 cm Nativity Black ink and wash, signed lower right 4,7 x 3,9 in.

HUGUES TARAVAL La Nativité Encre et lavis sur papier Signé en bas à droite H: Taraval in 12 x 10 cm Nativity Black ink and wash, signed lower right 4,7 x 3,9 in.

HUGUES TARAVAL

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CARLE VERNET Court Hunting Court Hunting Brown wash with white highlights Signed lower left Cle Vernet 15 x 39.5 cm Court Hunting Brown wash with white highlights Signed lower left, 5.9 x 15.6 in.

CARLE VERNET Chasse à courre Lavis brun et rehauts de gouache Signé en bas à gauche Cle Vernet 15 x 39.5 cm Court Hunting Brown wash with white highlights Signed lower left, 5,9 x 15,6 in.

CARLE VERNET

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MARTIN DROLLING Le passage de la maraîchère Oil on canvas 32.6 x 24.5 cm The market gardener Oil on canvas, 12.8 x 9.6 in. The scene takes place in a street where the daylight illuminating the doorway contrasts with the darkness of the house where the spectator is. In the centre standing, a young market-gardener seems to be offering food carried by her loaded donkey. In the doorway, a young boy seems to be paying attention to the scene unfolding before his eyes. The attitude, pose and clothing of the characters, but also the broom, the donkey and the light, all recall here the peaceful and picturesque atmosphere of domestic intimacy so often depicted by the Flemish and Dutch masters. This genre painting is the work of Martin Drolling, a French painter born in 1752 in Oberherghein. Although he discovered painting by chance and in a self-taught manner, he entered the School of Fine Arts in Paris in 1779. He met Jean-Baptiste Greuze (1725 -1805), who introduced him to his genre and domestic interior scenes as well as his portraits. Although Drolling enjoyed moderate success throughout his career, fortune smiled on him a few days too late when, at the Salon of 1817, the crowd was full of praise for his work.

MARTIN DROLLING Le passage de la maraîchère Huile sur toile 32,6 x 24,5 cm The market gardener Oil on canvas, 12,8 x 9,6 in. La scène se passe dans une rue où la lumière du jour éclairant le pas de la porte, entre en contraste avec la pénombre de la maison où se trouve le spectateur. Au centre debout, une jeune maraîchère semble proposer des victuailles que porte son âne chargé. Dans l'embrasure de la porte, un jeune garçon semble quant à lui prêter attention à la scène qui se déroule sous ses yeux. L'attitude, la pose et les vêtements des person­nages mais aussi le balai, l'âne et la lumière, tout rappelle ici l'atmosphère paisible et pittoresque d'intimité domestique si souvent représentée par les maîtres flamands et hollandais. Cette peinture de genre est l'oeuvre de Martin Drolling, peintre français né en 1752 à Oberher­ghein. Bien qu'il découvrît par hasard et de manière autodidacte la peinture, il entre à l'école des Beaux-Arts de Paris en 1779. Fréquentant Jean-Baptiste Greuze (1725 -1805), ce dernier lui présente ses scènes de genre, d'intérieur domestique mais aussi ses portraits. Si Drolling connut un succès modéré tout au long de sa carrière, la fortune lui sourit quelques jours trop tard lorsqu'au Salon de 1817, la foule ne tarit pas d'éloges à l'égard de son oeuvre.

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ATTRIBUÉ À CONSTANCE CHARPENTIER Academy of a man standing Charcoal and white chalk highlights 56,5 x 43,87 cm Academy of a man Black chalk with white highlights, 22 x 17,3 in. A pupil of Jacques-Louis David (1748 -1825), Constance Charpentier was quickly considered one of the best portrait painters of the time. She exhibited regularly at the Salon and distinguished herself there with a gold medal in 1814. The two academies presented for sale today are all the more exceptional in that they depict nude male models and are the work of a painter. We know that against the morals of the time, David had chosen to teach young women and if he had to close the workshop he had opened in 1787, we know that he opened a new street in Faubourg-Saint-Martin where he regularly registered some of his drawings as models. Perhaps it was in this context that our painter had access to nude models, suggesting that she was going to be able to try her hand at the Grand Genre.

ATTRIBUÉ À CONSTANCE CHARPENTIER Académie d' homme debout Fusain et rehauts de craie blanche 56,5 x 43,87 cm Academy of a man Black chalk with white highlights, 22 x 17,3 in. Elève de Jacques-Louis David (1748 -1825), Constance Charpentier est rapidement considérée comme l'une des meilleures portraitistes de l'époque. Elle expose régulière­ment au Salon et s'y distingue avec une médaille d'or en 1814. Les deux académies présentées aujourd'hui à la vente sont d'autant plus exceptionnelles qu'elles représentent des modèles masculins nus et sont l'oeuvre d'une peintre. Nous savons qu'à contre-courant des moeurs de l'époque, David avait choisi de dispenser son enseignement à des jeunes femmes et s'il dut une première fois fermer l'atelier qu'il avait ouvert en 1787, nous savons qu'il en ouvrit un nouveau rue du Faubourg-Saint-Martin où régulièrement, il déposait certains de ses dessins en guise de modèles. Peut-être est-ce dans ce contexte que notre peintre eût accès à des modèles nus, laissant entrevoir qu'elle allait pouvoir s'essayer au Grand Genre.

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ATTRIBUÉ À CONSTANCE CHARPENTIER Academy of a man sitting Charcoal and white chalk highlights 57,9 x 43,8 cm Academy of a man Black chalk with white highlights, 22,3 x 17 in.

ATTRIBUÉ À CONSTANCE CHARPENTIER Académie d' homme assis Fusain et rehauts de craie blanche 57,9 x 43,8 cm Academy of a man Black chalk with white highlights, 22,3 x 17 in.

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CONSTANCE CHARPENTIER Portrait of a young naval officer Oil on canvas Signed and dated lower right C M. Blondel / f. Charpentier / 1807 67 x 51.5 cm Portrait of a young Navy officer Oil on canvas, signed and dated 26.4 x 20.3 in. PROVENANCE Public sale, Saint-Malo. Directed by Constance Charpentier, this portrait is the work of a woman artist who, at the dawn of the 19th century, was one of those female painters who had the fervent wish to make a notable place for herself in an almost exclusively male professional discipline. In the second half of the 18th century, the academic training of painters followed the tradition established since the creation of the Royal Academy of Painting and Sculpture in 1648. Courses were thus given at the Academy and entry with a master in his studio completed the first teaching. Without being completely excluded (fifteen women having been received), women during their training did not enter the Academy, did not have access to its contents, de facto preventing them from competing in the most prestigious category of the Grand Genre. To excel in history painting would have required learning to draw after the live and nude model, which would have been contrary to good morals. Therefore, without having the opportunity to distinguish themselves as history painters, the majority of women artists focused on portraiture and still life. Constance Charpentier was one of those female painters who turned to portraiture. The artist, born in Paris in 1767, entered the studio of Jacques-Louis David (1748 -1825) at the age of twenty. The master of Neoclassicism, going beyond certain "rules of good conduct", had decided in the 1780s to teach young men as well as young women, before opening his own studio for the latter. Nourishing a certain resentment towards the Academy, perhaps this was an additional motivation for opening a workshop that openly defied official dogma. In 1767, a complaint from the King's superintendent forced him to

CONSTANCE CHARPENTIER Portrait d'un jeune officier de marine Huile sur toile Signée et datée en bas à droite C M. Blondel / f. Charpentier / 1807 67 x 51,5 cm Portrait of a young Navy officer Oil on canvas, signed and dated 26,4 x 20,3 in. PROVENANCE Vente publique, Saint-Malo. Réalisé par Constance Charpentier, ce por­trait est l'oeuvre d'une femme artiste qui, à l'aube du XIXe siècle, fut de ces peintres féminines ayant le souhait ardent de se faire une place notable dans une discipline professionnelle quasi exclusivement masculine. En cette seconde moitié du XVIIIe siècle, la forma­tion académique des peintres suivait la tradition instaurée depuis la création de l'Académie royale de peinture et de sculpture en 1648. Des cours étaient ainsi dispensés à l'Académie et l'entrée auprès d'un maître dans son atelier venait com­pléter le premier enseignement. Sans en être tout à fait exclues (quinze femmes ayant été reçues), les femmes au cours de leur formation n'entraient pas à l'Académie, n'avaient pas accès à son contenu, les empêchant de facto de concourir dans la catégorie la plus prestigieuse du Grand Genre. S'illustrer en peinture d'histoire aurait nécessité l'apprentissage du dessin d'après le modèle vivant et nu, cela allait alors à l'encontre des bonnes moeurs. Aussi, à défaut d'avoir la possibilité de s'illustrer comme peintres d'histoire, la majeure partie des femmes artistes s'attacha au portrait et à la nature morte. Constance Charpentier fut de ces peintres fémi­nines à se tourner vers le portrait. L'artiste, née à Paris en 1767, entra dans l'atelier de Jacques- Louis David (1748 -1825) à l'âge de vingt ans. Le maître du Néoclassicisme, outrepassant certaines «règles de bonne conduite», avait décidé dès les années 1780, de dispenser son enseignement à des jeunes hommes mais aussi des jeunes femmes, avant d'ouvrir un atelier propre à ces dernières. Nourrissant une certaine rancoeur vis-à-vis de l'Académie, peut-être fût-ce une motiva­tion su

CONSTANCE CHARPENTIER

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ECOLE FRANÇAISE DU XIXE SIÈCLE Portrait of Caroline Murat, queen of Naples Oil on canvas 54,5 x 45, 8 cm Portrait of Caroline Murat, queen of Napoli Oil on canvas, 21,5 x 18 in. PROVENANCE Private collection BIBLIOGRAPHY Maria Teresa Caracciolo, The Sisters of Napoleon. Three Italian Fates, Paris, Hazan, 2013. Florence de Baudus, Caroline Bonaparte, Sister of the Emperor, Queen of Naples, Paris, Perrin, 2014. Among the many portraits of Caroline Bonaparte (1782-1839), Napoleon's younger sister, the paintings executed by François-Pascal Simon Gérard with his studio occupy a special place. And this work is the most striking example of this. The artist, considered in his time as "the painter of kings, the king of painters", presents, with the help of his disciples, the young woman in a bust, three-quarters to the right. Dressed in a white dress with gold embroidery with a sky-blue support band, with sleeves topped with lace, she has an evasive gaze and perfectly drawn lips. She wears an antique style hairdo with an oriental-style tiara topped with ostrich feathers, and a set of pearls around her neck and in earrings. The painting is reminiscent of the court portraits of the Ancien Régime, but includes a number of graphic and stylistic innovations. Starting with the freshness of the strokes, the neoclassical character of the brushstroke treatment and the return to a certain sfumato as a background. Here, there is no landscape or openness: only personality is valued, in the vein initiated by Gérard's master, the former conventionalist who became the Emperor Napoleon's first painter, Jacques-Louis David (1748 -1825). Compared to the other versions of the same model proposed by the artist, and without attempting a comparison with the large full-length portrait of Caroline with her four children (fig. 1) (original preserved at Fontainebleau and replica at Versailles) or even with that in the former Frédéric Masson collection (fig. 2) (Paris, Th EMP2021

ECOLE FRANÇAISE DU XIXE SIÈCLE 那不勒斯女王卡洛琳-穆拉特的画像 布面油画 54,5 x 45,8 cm 卡罗琳-穆拉特的肖像，那不勒斯的女王 布面油画，21,5 x 18 in. 证据 私人收藏 书目 Maria Teresa Caracciolo, Les soeurs de Napoléon.Trois destins italiens, Paris, Hazan, 2013. Florence de Baudus, Caroline Bonaparte, soeur d'Empereur, reine de Naples, Paris, Perrin, 2014. 在拿破仑的妹妹卡罗琳-波拿巴（1782-1839）的众多肖像画中，弗朗索瓦-帕斯卡尔-西蒙-热拉尔与他的工作室共同完成的画作占据了特殊的位置。这件作品是最引人注目的例子。 这位在他的时代被认为是 "国王中的画家，画家中的国王 "的艺术家，在他的弟子的帮助下，从四分之三处向右侧展示了半身的年轻女子。她身着白色连衣裙，上面有金色刺绣和天蓝色的支撑带，袖子上面有蕾丝，她有一个睁大眼睛的表情和完美的嘴唇。她的头发被梳成古色古香的样式，上面有一个东方头饰，上面有鸵鸟羽毛，她的脖子和耳环上戴着一套珍珠。 这幅画让人想起了古希腊时期的宫廷肖像画，但包括了一些图形和风格上的创新。从特征的新鲜感开始，笔触的新古典主义处理，以及回归到某种sfumato作为背景。在这里，没有风景画，也没有开场白：只有个性被强调，就像热拉尔的主人，曾经的传统主义者，成为拿破仑皇帝的第一画师，雅克-路易-大卫（1748-1825）一样。 与艺术家提出的同一模型的其他版本相比，在不试图与卡罗琳和她的四个孩子的大型全身画像（图1）（原件保存在枫丹白露，复制品保存在凡尔赛），甚至与原弗雷德里克-马松收藏的画像（图）进行比较。 EMP2021

ECOLE FRANÇAISE DU XIXE SIÈCLE

ECOLE FRANÇAISE DU XIXE SIÈCLE Portrait de Caroline Murat, reine de Naples Huile sur toile 54,5 x 45, 8 cm Portrait of Caroline Murat, queen of Napoli Oil on canvas, 21,5 x 18 in. PROVENANCE Collection privée BIBLIOGRAPHIE Maria Teresa Caracciolo, Les soeurs de Napoléon. Trois destins italiens, Paris, Hazan, 2013. Florence de Baudus, Caroline Bonaparte, soeur d'empereur, reine de Naples, Paris, Perrin, 2014. Parmi les nombreux portraits de Caroline Bonaparte (1782-1839), soeur cadette de Napoléon, les toiles exécutées par François- Pascal Simon Gérard avec son atelier occupent une place à part. Et cette oeuvre en est le plus marquant exemple. L'artiste, considéré à son époque comme «le peintre des rois, le roi des peintres», présente, aidé de ses disciples la jeune femme en buste, de trois quarts à droite. Vêtue d'une robe blanche aux broderies dorées avec bande de soutien bleu ciel, aux manches surmontées de dentelles, elle a le regard évasif et les lèvres parfaitement dessinées. Coiffée à l'antique avec un diadème à l'orientale surmonté de plumes d'autruche, elle porte une parure de perles autour du cou et en boucles d'oreilles. La peinture n'est pas sans évoquer les portraits de cour de l'Ancien Régime mais comporte un certain nombre d'innovations graphiques et stylis­tiques. À commencer par la fraîcheur des traits, le caractère néoclassique du traitement du coup de pinceau et le retour à un certain sfumato en guise de fond. Ici, aucun paysage ni ouverture : seule la personnalité est valorisée, dans la veine engagée par le maître de Gérard, l'ancien conventionnel devenu Premier peintre de l'Empereur Napoléon, Jacques-Louis David (1748 -1825). Par rapport aux autres versions du même modèle proposées par l'artiste, et sans tenter un rap­prochement avec le grand portrait en pied de Caroline avec ses quatre enfants (fig. 1) (original conservé à Fontainebleau et réplique à Versailles) ou même avec celui de l'ancienne collection Fré­déric Masson (fig. EMP2021

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SOPHIE RUDE Preparatory study for Arianna in Naxos Oil on canvas mounted on a cardboard panel 16 x 21.5 cm Preparatory study for Arianna in Nasso Oil on canvas mounted on a cardboard panel 6.3 x 8.5 in. Preparatory sketch for a large composition by Sophie Rude now in the Musée des Beaux-Arts in Dijon (fig. 1), the pupil of Jacques-Louis David (1748 -1825) was inspired by a lost sketch by his master on the same theme. "Ariadne, my sister, of what wounded love/ You died at the edges where you were left!" writes Racine in Phèdre. Thus Ariadne, daughter of Minos, is represented on the island of Naxos, the island where Theseus left her. Sad destiny for the one who, in exchange for a promise of marriage, had helped the hero out of the labyrinth of Daedalus. Abandoned, Homer recounts that she is finally killed by Artemis on the orders of a Dionysus who is jealous of his adventure with Theseus. It is thus the moment preceding her tragic end that our artist chooses to represent, the heroine's gaze carried far away, her arm outstretched towards her beloved who has left her. After her beautiful Anthia, Sophie Rude returns to a mythological theme and thus establishes herself as a history painter. Although women were only recognised as artists worthy of consecration at a late stage (it was not until 1911 that a woman won the Prix de Rome), our artist was able, thanks to her teacher, who was keen to teach young female painters, to develop a skilful brush and to follow in the footsteps of the great neo-classical master. Let us praise the daring representation of the female nude, certainly studied from the living model, but let us nevertheless note the underlying limit of this composition. Because of her status as a woman, Sophie would never have been allowed to exhibit on official picture rails a painting involving the study of a naked man's body from nature. The very principle of teaching art to women had forced David in the early 1800s to close a first workshop fo

SOPHIE RUDE Etude préparatoire pour Ariane à Naxos Huile sur toile marouflée sur panneau de carton 16 x 21,5 cm Preparatory study for Arianna in Nasso Oil on canvas mounted on a cardboard panel 6,3 x 8,5 in. Esquisse préparatoire à une grande composi­tion de Sophie Rude aujourd'hui conservée au musée des Beaux-Arts de Dijon (fig. 1), l'élève de Jacques-Louis David (1748 -1825) s'inspire d'une esquisse perdue de son maître sur le même thème. «Ariane, ma soeur, de quel amour blessée/ Vous mourûtes aux bords où vous fûtes laissée !» écrit Racine dans Phèdre. Ainsi Ariane, fille de Minos, est représentée sur l'île de Naxos, île où l'a délaissée Thésée. Triste destinée pour celle qui en échange d'une promesse de mariage, avait aidé le héros à sortir du labyrinthe de Dédale. Abandonnée, Homère raconte qu'elle est finale­ment tuée par Artémis sur ordre d'un Dionysos jaloux de son aventure avec Thésée. C'est ainsi le moment précédant sa fin tragique que notre artiste choisit de représenter, le regard de l'héroïne porté au loin, son bras tendu vers son aimé qui l'a quittée. Après sa belle Anthia, Sophie Rude renoue avec un thème mythologique et s'érige ainsi au rang de peintre d'histoire. Si les femmes ne parviendront que tardivement à être reconnues comme des artistes dignes de consé­cration (il faut attendre 1911 pour qu'une femme remporte le Prix de Rome), notre artiste a pu au contact de son professeur soucieux de prodiguer un véritable enseignement à de jeunes peintres femmes, développer un pinceau habile et s'inscrire dans la lignée du grand maître néoclassique. Louons ainsi la représentation osée du nu féminin, certainement étudié d'après le modèle vivant mais remarquons néanmoins la limite sous-jacente à cette composition. En raison de sa condition de femme, jamais Sophie n'aurait été autorisée à exposer sur des cimaises officielles un tableau impliquant l'étude d'après nature d'un corps d'homme nu. Le principe même d'un enseigne­ment artistique donné au

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HORACE VERNET Horse head Oil on canvas 61 x 49,9 cm Horse head Oil on canvas, 24 x 19,6 in. PROVENANCE M. Delaroche-Vernet, descendant of the artist EXHIBITION Probably Retrospective exhibition of paintings, watercolours and sculptures representing the horse, Paris, Grand Palais, 1913, organised by the Cercle Hippique on the occasion of the Horse Show, n°75 ("horse's head", label on the back of the old frame) Grandson of Joseph Vernet (1714 -1789), son of Carle Vernet (1758 -1836), it is undoubtedly from his father that Horace learned at a very young age to love horses and above all, to sublimate them by bringing them to life in his painting. Emerging from a dark background, the horse appears to us alive, warm, robust. The painter skillfully brings it to life first in the ears, alert and alert, then in the blond hair on either side of the neck| then in the mouth, forced to open slightly by the bite| then finally and above all, in the eye, which comes alive with a life that is given to it by the point of white skillfully placed in the pupil's eye. A figure similar to this work is now kept in the Bonnet-Helleu Museum in Bayonne (fig. 1. INV.1104). With infinite gentleness, the paintbrush is in a monochrome shades of grey and white and lets us touch with our eyes the silkiness of the coat and the warmth of the harnessed animal, held by its invisible rider and ready to escape.

HORACE VERNET Tête de cheval Huile sur toile 61 x 49,9 cm Horse head Oil on canvas, 24 x 19,6 in. PROVENANCE M. Delaroche-Vernet, descendant de l'artiste EXPOSITION Probablement Exposition rétrospective de pein­tures, aquarelles et sculptures représentant le cheval, Paris, Grand Palais, 1913, organisé par le Cercle hippique à l'occasion du Concours hip­pique, n°75 ("tête de cheval", étiquette au verso de l'ancien cadre) Petit-fils de Joseph Vernet (1714 -1789), fils de Carle Vernet (1758 -1836), c'est sans doute auprès de son père que très jeune, Horace apprend à aimer les chevaux et surtout, à les sublimer en leurs donnant vie dans sa peinture. Surgissant d'un fond obscur, le cheval nous appa­raît vivant, chaud, robuste. Habilement, le peintre lui donne vie d'abord dans les oreilles levées, en alerte, puis dans le crin blond réparti de part et d'autre de l'encolure| dans la bouche ensuite, contrainte à s'ouvrir légèrement par le mords| puis finalement et surtout, dans l'oeil qui s'anime d'une vie que lui confère la pointe de blanc habilement posée dans la pupille. Une figure semblable à cette oeuvre est aujourd'hui conservée au musée Bonnet-Helleu de Bayonne (fig. 1. INV.1104). D'une douceur infinie, le pinceau décline la robe camaïeu de gris et de blancs et nous laisse toucher du regard le soyeux du pelage et la chaleur de l'animal harnaché, tenu par son cavalier invisible et prêt à s'échapper.

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EUGÈNE DELACROIX Landscape at Eaubonne Landscape at EaubonneBrown wash on paperMonogrammed lower left E.D16 x 24 cm Landscape at EaubonneBrown wash, monogrammed lower left 6,3 x 9,4 in.

EUGÈNE DELACROIX Paysage à Eaubonne Lavis brun sur papierMonogrammé en bas à gauche E.D16 x 24 cm Landscape at EaubonneBrown wash, monogrammed lower left 6,3 x 9,4 in.

EUGÈNE DELACROIX

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ARY SCHEFFER Portrait of the baron Nathanael de Rothschild Watercolour on paper 21.7 x 16.2 cm Portrait of the baron Nathanael de Rothschild Watercolour on paper, 8 1/2 x 16 3/8 in. PROVENANCE Collection Elie de Rothschild.

ARY SCHEFFER Portrait du baron Nathanael de Rothschild Aquarelle sur papier 21,7 x 16,2 cm Portrait of the baron Nathanael de Rothschild Watercolour on paper, 8 1/2 x 16 3/8 in. PROVENANCE Collection Elie de Rothschild.

ARY SCHEFFER

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ARY SCHEFFER Portrait of Charlotte de Rothschild Watercolours on paper 25.5 x 18.5 cm Portrait of Charlotte de Rothschild Watercolour on paper, 10 x 7 5/16 in. PROVENANCE Collection Elie de Rothschild.

ARY SCHEFFER Portrait de Charlotte de Rothschild Aquarelles sur papier 25,5 x 18,5 cm Portrait of Charlotte de Rothschild Watercolour on paper, 10 x 7 5/16 in. PROVENANCE Collection Elie de Rothschild.

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ECOLE LOMBARDE, FIN DU XVE SIÈCLE Virgin and Child with saint George Oil on panel 57 x 44,5 cm Virgin and Child with saint George Oil on panel, 22,4 x 17,5 in.

ECOLE LOMBARDE, FIN DU XVE SIÈCLE Vierge à l'Enfant avec saint Georges Huile sur panneau 57 x 44,5 cm Virgin and Child with saint George Oil on panel, 22,4 x 17,5 in.

ECOLE LOMBARDE, FIN DU XVE SIÈCLE

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FRANZ XAVER WINTERHALTER Portrait of the Imperial Prince Black stone, blood and white chalk highlights 32 x 81.5 cm Portrait of the Imperial Prince Black and red chalk with white highlights 12.6 x 32.1 in.

FRANZ XAVER WINTERHALTER Portrait du prince impérial Pierre noire, sanguine et rehauts de craie blanche 32 x 81,5 cm Portrait of the Imperial Prince Black and red chalk with white highlights 12,6 x 32,1 in.

FRANZ XAVER WINTERHALTER

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ECOLE FRANÇAISE DU XIXE SIÈCLE Homer in Athens Oil on canvas (Original canvas) 110 x 145 cm Homer in Athens Oil on canvas, 43.3 x 57.1 in. L'œuvre est probablement une étude pour le Grand prix de 1834 dont le théme cette année là était Homère chantant ses poésies dans les villes de Gréce.

ECOLE FRANÇAISE DU XIXE SIÈCLE Homère à Athènes Huile sur toile (Toile d'origine) 110 x 145 cm Homer in Athens Oil on canvas, 43,3 x 57,1 in. L'œuvre est probablement une étude pour le Grand prix de 1834 dont le théme cette année là était Homère chantant ses poésies dans les villes de Gréce.

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