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Peintres D’Asie Các Họa Sĩ Châu Á 亚洲画家 (21)

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PHAM HAU 范厚 (1903-1995) La fille de l'artiste, 1946 Pastel sur papier, signé et daté en bas à droite 30.5 x 23 cm - 12 x 9 1/8 in Pastel on paper, signed and dated lower right PROVENANCE Collection privée, France Pham Hau est un peintre vietnamien, né dans la province de Ha Dong. D'abord employé de gare, il intègre en 1929, l'Ecole supérieure des Beaux-Arts de Hanoï et plus particulièrement le département de la laque. Il suit entre autre l'enseignement de Joseph Inguimberty, et en sort diplômé en 1934. Il devient très rapidement un peintre recherché au Vietnam. Il a un profond respect pour les traditions artistiques vietnamiennes et fonde l'Ecole nationale de l'Artisanat. Il est connu comme l'un des plus grands maîtres laqueurs du XXe siècle. Habituellement plus enclin à peindre des paysages, il nous livre ici le portrait doux et subtil de sa propre fille. Son travail y est minutieux, les tons clairs accentuent la féminité et la douceur du portrait. La délicatesse de son travail sur les cheveux, leur mouvement et leur finesse naturelle est toute particulière. Le nacré du vêtement fait ressortir à merveille la beauté de la jeune fille. La subtilité de cette oeuvre est un véritable exemple de la finesse artistique et du sens du détail de Pham Hau. Pham Hau was a Vietnamese painter, born in Ha Dong province. Initially a railway employee, he entered the Hanoi Fine Arts School in 1929, where he focused on lacquering classes. He was taught by Joseph Inguimberty, among others, and graduated in 1934. He soon became a highly soughtafter artist in Vietnam, and his deep respect for the country's artistic traditions led him to create the National School of Artisans. He is now acknowledged as one of the greatest lacquer masters of the 20th century. Though he tended to paint landscapes, here we find a gentle, subtle portrait of his own daughter. His work is meticulous, and the light, liquid colours

PHAM HAU 范厚 (1903-1995) La fille de l'artiste, 1946 Pastel sur papier, signé et daté en bas à droite 30.5 x 23 cm - 12 x 9 1/8 in Pastel on paper, signed and dated lower right PROVENANCE Collection privée, France Pham Hau est un peintre vietnamien, né dans la province de Ha Dong. D'abord employé de gare, il intègre en 1929, l'Ecole supérieure des Beaux-Arts de Hanoï et plus particulièrement le département de la laque. Il suit entre autre l'enseignement de Joseph Inguimberty, et en sort diplômé en 1934. Il devient très rapidement un peintre recherché au Vietnam. Il a un profond respect pour les traditions artistiques vietnamiennes et fonde l'Ecole nationale de l'Artisanat. Il est connu comme l'un des plus grands maîtres laqueurs du XXe siècle. Habituellement plus enclin à peindre des paysages, il nous livre ici le portrait doux et subtil de sa propre fille. Son travail y est minutieux, les tons clairs accentuent la féminité et la douceur du portrait. La délicatesse de son travail sur les cheveux, leur mouvement et leur finesse naturelle est toute particulière. Le nacré du vêtement fait ressortir à merveille la beauté de la jeune fille. La subtilité de cette oeuvre est un véritable exemple de la finesse artistique et du sens du détail de Pham Hau. Pham Hau was a Vietnamese painter, born in Ha Dong province. Initially a railway employee, he entered the Hanoi Fine Arts School in 1929, where he focused on lacquering classes. He was taught by Joseph Inguimberty, among others, and graduated in 1934. He soon became a highly soughtafter artist in Vietnam, and his deep respect for the country's artistic traditions led him to create the National School of Artisans. He is now acknowledged as one of the greatest lacquer masters of the 20th century. Though he tended to paint landscapes, here we find a gentle, subtle portrait of his own daughter. His work is meticulous, and the light, liquid colours emphasise the girl's sweetness

PHAM HAU 范厚 (1903-1995)

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MAI TRUNG THU 梅忠恕 (1906-1980) Auprès du grand-père, 1974 Encre et couleurs sur soie, signée et datée en haut à gauche 90.5 x 63.5 cm - 35 5/8 x 25 in Ink and color on silk, signed and dated upper left Dans le cadre original réalisé par l'artiste L'attestation rédigée par Charlotte Reynier-Aguttes indiquant une insertion au catalogue raisonné de l'oeuvre de l'artiste qu'elle prépare actuellement sera remise à l'acquéreur PROVENANCE Collection privée, Est de la France Cette oeuvre fait l'objet d'une demande de prêt par le Musée de Macon pour la Rétrospective dédiée à l'artiste actuellement en préparation et qui se tiendra à partir de novembre 2020 Dans cette oeuvre Auprès du grand-père, le respect de la tradition vietnamienne est omniprésent. D’abord d’un point de vue technique : Mai Thu utilise la peinture sur soie, technique ancestrale des peintres vietnamiens, mais aussi d’un point de vue thématique car il évoque un rite cultuel et culturel très répandu dans la vie quotidienne vietnamienne. Il s’agit donc d’une scène courante, ancrée dans la réalité de la vie de tous les jours. Trois jeunes enfants sont absorbés par leur jeu, pendant que deux autres lisent et discutent auprès d’un aïeul au visage doux et rieur. La structure pyramidale de cette scène est une belle métaphore pour comprendre les liens familiaux, le sage, l’aïeul protège sa descendance en la surplombant, les jeunes le regardent avec leurs livres ouverts tirant un enseignement de cette relation. Avec ses couleurs chaudes et ses échanges de regards plein de tendresse, cette oeuvre est un parfait exemple du talent de Mai Thu. Le peintre vietnamien Mai Thu, né en 1906 et décédé en 1980 fait partie de la première promotion d’élèves de l’Ecole des Beaux-Arts d’Hanoï, fondée en 1925, où il a suivi les enseignements de Victor Tardieu aux côtés de Le Pho, V PA2021

MAI TRUNG THU 梅忠恕 (1906-1980) 与祖父一起，1974年 丝绸上的水墨和色彩，左上方有签名和日期 90.5 x 63.5 cm - 35 5/8 x 25 in 丝绸上的水墨和彩色，左上方有签名和日期 在艺术家制作的原始框架中 夏洛特写的证书 Reynier-Aguttes表示，她正在准备的艺术家作品目录中的一个插页将交给买家。 证据 私人收藏，法国东部 这幅作品是麦肯博物馆为目前正在筹备的艺术家回顾展提出的借展申请，该展览将于2020年11月举行。 在这部作品《Auprès du grand-père》中，对越南传统的尊重是无处不在的。首先从技术角度来看：Mai Thu使用丝绸上的绘画，这是越南画家的祖传技术，但也从主题角度来看，因为它唤起了越南日常生活中非常普遍的文化和文化仪式。因此，它是一个普通的场景，立足于日常生活的现实。三位年轻的 三个年轻的孩子正沉浸在他们的游戏中，而另外两个孩子正在阅读，并与一位长者讨论，长者的脸上带着温和的笑意。这个场景的金字塔结构是理解家庭关系的一个美丽的隐喻，聪明的祖父通过俯视他们来保护他的后人，年轻人打开书本看着他，从这种关系中学习。 这幅作品以其温暖的色彩和充满柔情的眼神交流，完美地体现了Mai Thu的才华。 越南画家Mai Thu生于1906年，卒于1980年，是1925年成立的河内美术学校第一届学生的一员，他在那里与Le Pho、Vu Cao Dam或Le Van De一起接受了Victor Tardieu的教导。 他的所有学业都是在法国学校完成的。 PA2021

MAI TRUNG THU 梅忠恕 (1906-1980)

MAI TRUNG THU 梅忠恕 (1906-1980) Auprès du grand-père, 1974 Encre et couleurs sur soie, signée et datée en haut à gauche 90.5 x 63.5 cm - 35 5/8 x 25 in Ink and color on silk, signed and dated upper left Dans le cadre original réalisé par l'artiste L'attestation rédigée par Charlotte Reynier-Aguttes indiquant une insertion au catalogue raisonné de l'oeuvre de l'artiste qu'elle prépare actuellement sera remise à l'acquéreur PROVENANCE Collection privée, Est de la France Cette oeuvre fait l'objet d'une demande de prêt par le Musée de Macon pour la Rétrospective dédiée à l'artiste actuellement en préparation et qui se tiendra à partir de novembre 2020 Dans cette oeuvre Auprès du grand-père, le respect de la tradition vietnamienne est omniprésent. D’abord d’un point de vue technique : Mai Thu utilise la peinture sur soie, technique ancestrale des peintres vietnamiens, mais aussi d’un point de vue thématique car il évoque un rite cultuel et culturel très répandu dans la vie quotidienne vietnamienne. Il s’agit donc d’une scène courante, ancrée dans la réalité de la vie de tous les jours. Trois jeunes enfants sont absorbés par leur jeu, pendant que deux autres lisent et discutent auprès d’un aïeul au visage doux et rieur. La structure pyramidale de cette scène est une belle métaphore pour comprendre les liens familiaux, le sage, l’aïeul protège sa descendance en la surplombant, les jeunes le regardent avec leurs livres ouverts tirant un enseignement de cette relation. Avec ses couleurs chaudes et ses échanges de regards plein de tendresse, cette oeuvre est un parfait exemple du talent de Mai Thu. Le peintre vietnamien Mai Thu, né en 1906 et décédé en 1980 fait partie de la première promotion d’élèves de l’Ecole des Beaux-Arts d’Hanoï, fondée en 1925, où il a suivi les enseignements de Victor Tardieu aux côtés de Le Pho, Vu Cao Dam ou Le Van De. Il a suivi toute sa scolarité au sein d‘établissements françai PA2021

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LUONG XUAN NHI 梁春尔 (1913-2006) Village du Haut Tonkin, mars 1939 Huile sur toile, signée et datée en bas à droite 274 x 327 cm - 107 7/8 x 128 3/4 in. Oil on canvas, signed and dated lower right PROVENANCE Vente à Toulouse, 1990 Collection privée, France LUONG XUAN NHI (1913-2006) VILLAGE DU HAUT-TONKINY Nam Son, Pionnier de la peinture moderne du Vietnam & Co-Fondateur de l'Ecole Supérieure des Beaux-Arts de l'Indochine (1925). Il est ici au Japon, en 1943, avec ses élèves, Luong Xuan Nhi et Nguyen Van Ty Luong Xuan Nhi est né en 1914 à Hanoï. Il étudie à l’école supérieure des Beaux-Arts de Hanoï auprès des peintres Nguyen Nam Son et Victor Tardieu. Il est l’un des premiers peintres à utiliser la peinture à l’huile au Vietnam. Il est une figure importante de l’histoire de l’art vietnamien du XXème. Il est souvent surnommé « le maître des verts » du fait de l’utilisation qu’il fait de cette couleur dans ses paysages mais aussi « le peintre de la beauté » du fait de son succès sur les portraits de jeunes femmes. Il démontre durant sa carrière un véritable attachement aux valeurs classiques de la peinture. Cette oeuvre de Luong Xuan Nhi est imposante de par son format exceptionnel ainsi que par la technique résolument moderne de l’artiste. Selon les préceptes de l’Ecole des Beaux-Arts de Hanoï, il s’intéresse à la modernité occidentale ce qui ne l’empêche pas de rester toujours très attaché à la culture et aux traditions vietnamiennes. Le format monumental, habituellement réservé à la peinture d’Histoire en Europe, sert à mettre à l’honneur la simplicité de la vie quotidienne du Haut Tonkin, à travers la représentation d’une basse-cour. La thématique prosaïque de cette oeuvre est ici sublimée par les codes occidentaux de la « grande peinture ». Avec beaucoup de talent, Luong Xuan N

LUONG XUAN NHI 梁春尔 (1913-2006) Village du Haut Tonkin, mars 1939 Huile sur toile, signée et datée en bas à droite 274 x 327 cm - 107 7/8 x 128 3/4 in. Oil on canvas, signed and dated lower right PROVENANCE Vente à Toulouse, 1990 Collection privée, France LUONG XUAN NHI (1913-2006) VILLAGE DU HAUT-TONKINY Nam Son, Pionnier de la peinture moderne du Vietnam & Co-Fondateur de l'Ecole Supérieure des Beaux-Arts de l'Indochine (1925). Il est ici au Japon, en 1943, avec ses élèves, Luong Xuan Nhi et Nguyen Van Ty Luong Xuan Nhi est né en 1914 à Hanoï. Il étudie à l’école supérieure des Beaux-Arts de Hanoï auprès des peintres Nguyen Nam Son et Victor Tardieu. Il est l’un des premiers peintres à utiliser la peinture à l’huile au Vietnam. Il est une figure importante de l’histoire de l’art vietnamien du XXème. Il est souvent surnommé « le maître des verts » du fait de l’utilisation qu’il fait de cette couleur dans ses paysages mais aussi « le peintre de la beauté » du fait de son succès sur les portraits de jeunes femmes. Il démontre durant sa carrière un véritable attachement aux valeurs classiques de la peinture. Cette oeuvre de Luong Xuan Nhi est imposante de par son format exceptionnel ainsi que par la technique résolument moderne de l’artiste. Selon les préceptes de l’Ecole des Beaux-Arts de Hanoï, il s’intéresse à la modernité occidentale ce qui ne l’empêche pas de rester toujours très attaché à la culture et aux traditions vietnamiennes. Le format monumental, habituellement réservé à la peinture d’Histoire en Europe, sert à mettre à l’honneur la simplicité de la vie quotidienne du Haut Tonkin, à travers la représentation d’une basse-cour. La thématique prosaïque de cette oeuvre est ici sublimée par les codes occidentaux de la « grande peinture ». Avec beaucoup de talent, Luong Xuan Nhi utilise la technique de la peinture à l’huile, jusque-là uniquement utilisée en Occident. La pe

LUONG XUAN NHI 梁春尔 (1913-2006)

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ALIX AYMÉ 阿利克 丝·埃梅 (1894-1989) Mère et enfants dans un jardin fleuri Encre et couleurs sur soie, signée en bas à droite 51 x 61 cm - 20 x 24 in Ink and color on silk, signed lower right PROVENANCE Collection privée, Londres L’oeuvre que nous présentons à la vente, Mère et enfants dans un jardin fleuri est un sublime exemple de la délicatesse du trait de cette grande artiste. Si Alix Aymé prise particulièrement les sujets qui touchent à l’intimité, la maternité, les enfants… toujours dans des décors oniriques et fleuris, c’est ici une tendre scène familiale qui est mise en valeur par les couleurs douces des tons bleus et gris pales et son trait élégant. Alix Aymé fait de cette oeuvre une merveilleuse maternité par la posture de l’enfant couché sur le ventre de sa mère, les lys en premier plan, symbole de fécondité, la posture alanguie mais protectrice de la mère dont les genoux sont repliés contre l’enfant… L’atmosphère y est paisible et propice à la rêverie. Alix Aymé dans cette oeuvre nous transmet un regard tendre sur la douceur de l’enfance. Alix Aymé est une peintre française née en 1984 qui a vécu en Chine et au Vietnam, deux pays dont son oeuvre est empreinte. Notamment réputée pour avoir sublimé l’art de la laque, elle étudie d’abord la musique et le dessin à Toulouse avant de devenir l’élève du peintre Maurice Denis. Elle participe à l’important chantier de la décoration de la coupole du Théâtre des Champs Elysées à Paris. Puis, dans les années 1925-1926, elle accompagne son mari diplomate en Asie et devient professeur de dessin à l’Ecole des Beaux-Arts d’Hanoï. Elle se passionne alors pour l’art de la laque dont elle devient une véritable virtuose. A partir de 1934, elle se met même à l’enseigner à l’école des Beaux-arts de Hanoï aux côtés de Joseph Inguimberty. Ses oeuvres sont une synthèse de

ALIX AYMÉ 阿利克 丝·埃梅 (1894-1989) Mère et enfants dans un jardin fleuri Encre et couleurs sur soie, signée en bas à droite 51 x 61 cm - 20 x 24 in Ink and color on silk, signed lower right PROVENANCE Collection privée, Londres L’oeuvre que nous présentons à la vente, Mère et enfants dans un jardin fleuri est un sublime exemple de la délicatesse du trait de cette grande artiste. Si Alix Aymé prise particulièrement les sujets qui touchent à l’intimité, la maternité, les enfants… toujours dans des décors oniriques et fleuris, c’est ici une tendre scène familiale qui est mise en valeur par les couleurs douces des tons bleus et gris pales et son trait élégant. Alix Aymé fait de cette oeuvre une merveilleuse maternité par la posture de l’enfant couché sur le ventre de sa mère, les lys en premier plan, symbole de fécondité, la posture alanguie mais protectrice de la mère dont les genoux sont repliés contre l’enfant… L’atmosphère y est paisible et propice à la rêverie. Alix Aymé dans cette oeuvre nous transmet un regard tendre sur la douceur de l’enfance. Alix Aymé est une peintre française née en 1984 qui a vécu en Chine et au Vietnam, deux pays dont son oeuvre est empreinte. Notamment réputée pour avoir sublimé l’art de la laque, elle étudie d’abord la musique et le dessin à Toulouse avant de devenir l’élève du peintre Maurice Denis. Elle participe à l’important chantier de la décoration de la coupole du Théâtre des Champs Elysées à Paris. Puis, dans les années 1925-1926, elle accompagne son mari diplomate en Asie et devient professeur de dessin à l’Ecole des Beaux-Arts d’Hanoï. Elle se passionne alors pour l’art de la laque dont elle devient une véritable virtuose. A partir de 1934, elle se met même à l’enseigner à l’école des Beaux-arts de Hanoï aux côtés de Joseph Inguimberty. Ses oeuvres sont une synthèse de plusieurs cultures artistiques. En effet, sa production s’inspire de l’art occidental notamment l’Art Déco et la mode

ALIX AYMÉ 阿利克 丝·埃梅 (1894-1989)

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LUONG XUAN NHI 梁春尔 (1913-2006) Paysage d'Indochine Huile sur toile, signée en bas à gauche 65 x 92 cm - 9 x 36 1/4 in Oil on canvas, signed lower left PROVENANCE Collection privée LUONG XUAN NHI (1913-2006) Paysage d'Indochine A travers la représentation de ce paysage à la végétatotion luxuriante, on retrouve toute la douceur de la touche picturale de Luong Xuan Nhi. L’oeuvre nous donne un aperçu des paysages vietnamiens dans le style oriental de l’artiste. C’est une oeuvre intimiste qui nous introduit avec beaucoup de douceur et de tendresse dans la vie quotidienne vietnamienne. Il y représente à merveille les beautés et les richesses de la culture et de l’histoire de son pays tout en maîtrisant à la perfection la peinture à l’huile, les tons de verts et de jaune sont parfaitement justes. Dans le traitement esthétique de ce paysage, Luong Xuan Nhi se nourrit de sa connaissance de l’art moderne occidental et en particulier de l’oeuvre de Gauguin. D’abord grâce à l’utilisation de l’huile par grands aplats de couleurs mais aussi dans la thématique représentée. Celle de la nature verdoyante et riche et celle de la simplicité du quotidien sublimé. Comme Paul Gauguin avec ses représentations de la Bretagne puis de la Polynésie, Luong Xuan Nhi cherche à montrer le Vietnam, sa terre natale et adorée, comme un lieu de paix, un nouvel Eden. Grâce à la délicatesse de son art, ses compositions sont marquées par une très grande profondeur. Son style est un mélange entre les thématiques et les techniques vietnamiennes et occidentales dans une expression poétique des scènes de la vie rurale, et cette oeuvre en est l’exemple parfait.  In this depiction of a luxuriant landscape we find the very essence of Luong Xuan Nhi’s soft pictorial touch. The work provides a glimpse of the Vietnamese countryside in the artist’s oriental style. It is a

LUONG XUAN NHI 梁春尔 (1913-2006) Paysage d'Indochine Huile sur toile, signée en bas à gauche 65 x 92 cm - 9 x 36 1/4 in Oil on canvas, signed lower left PROVENANCE Collection privée LUONG XUAN NHI (1913-2006) Paysage d'Indochine A travers la représentation de ce paysage à la végétatotion luxuriante, on retrouve toute la douceur de la touche picturale de Luong Xuan Nhi. L’oeuvre nous donne un aperçu des paysages vietnamiens dans le style oriental de l’artiste. C’est une oeuvre intimiste qui nous introduit avec beaucoup de douceur et de tendresse dans la vie quotidienne vietnamienne. Il y représente à merveille les beautés et les richesses de la culture et de l’histoire de son pays tout en maîtrisant à la perfection la peinture à l’huile, les tons de verts et de jaune sont parfaitement justes. Dans le traitement esthétique de ce paysage, Luong Xuan Nhi se nourrit de sa connaissance de l’art moderne occidental et en particulier de l’oeuvre de Gauguin. D’abord grâce à l’utilisation de l’huile par grands aplats de couleurs mais aussi dans la thématique représentée. Celle de la nature verdoyante et riche et celle de la simplicité du quotidien sublimé. Comme Paul Gauguin avec ses représentations de la Bretagne puis de la Polynésie, Luong Xuan Nhi cherche à montrer le Vietnam, sa terre natale et adorée, comme un lieu de paix, un nouvel Eden. Grâce à la délicatesse de son art, ses compositions sont marquées par une très grande profondeur. Son style est un mélange entre les thématiques et les techniques vietnamiennes et occidentales dans une expression poétique des scènes de la vie rurale, et cette oeuvre en est l’exemple parfait.  In this depiction of a luxuriant landscape we find the very essence of Luong Xuan Nhi’s soft pictorial touch. The work provides a glimpse of the Vietnamese countryside in the artist’s oriental style. It is an intimist work that takes us gently and tenderly into the daily life of the country. It m

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MAI TRUNG THU 梅忠恕 (1906-1980) Deux enfants couchés, 1973 Encre et couleurs sur soie, signée et datée en bas à droite, titrée au dos 12 x 46 cm - 4 3/4 x 18 1/8 in Ink and color on silk, signed and dated lower right, titled on reverse L'attestation rédigée par Charlotte Reynier-Aguttes indiquant une insertion au catalogue raisonné de l'oeuvre de l'artiste qu'elle prépare actuellement sera remise à l'acquéreur PROVENANCE Galerie Apesteguy, Deauville Collection privée, Paris Mai Thu a toujours été très engagé pour la paix et l’indépendance du Vietnam, c’est dans cette logique qu’il collabore avec l’Unicef et peint de nombreuses scènes de jeux d’enfants afin  de sensibiliser le public occidental. Cela lui confère une grande notoriété et lui permet de rendre public ses combats politiques et sociaux. Cette oeuvre de Mai Thu s’inscrit parfaitement dans ce contexte. Il représente des enfants jouant dans une atmosphère colorée et joyeuse. L’innocence de ces personnages et leur joie de vivre sont parfaitement représentées par le talent du peintre sur soie grâce à un trait assuré et à l’utilisation d’une palette vive et chatoyante. Mai Thu was always deeply committed to peace and the independence of Vietnam, and with this in view he collaborated with UNICEF, painting numerous scenes of children playing to raise awareness in Western audiences. This brought him considerable fame and enabled him to put the spotlight on his political and social combats. This work by Mai Thu is a perfect illustration of this. It shows children at play in a colourful, joyous atmosphere. The innocence and joie de vivre of these  little figures are brilliantly depicted by this talented silk painter, through an assured line and the use of a lively, shimmering palette. Mai Thu luôn cam kết vì hòa bình và độc lập của Việt Nam. Ông hợp tác với UNICEF và vẽ nhiều cảnh trò chơi của trẻ em để tuyên truyền công chúng phương Tây. Điều này làm cho công chúng biết đến ông và cho phép ông công khai các cuộc đấu tranh chính trị và xã hội của mình. Tác phẩm này của Mai Thu là một ví dụ tuyệt hảo của bối cảnh này. Ông thể hiện các cảnh trẻ em chơi trong một bầu không khí đầy màu sắc và vui vẻ. Sự ngây thơ và niềm vui sống của những nhân vật này được thể hiện hoàn hảo bởi tài năng của người họa sĩ trên tranh lụa nhờ vào một nét chắc chắn và việc sử dụng bảng màu sáng và lung linh. 梅忠恕（Mai Thu）始终关注越南的和平与独 立，因此他与联合国儿童基金会合作，绘制了 众多儿童玩耍的场景，以促进西方公众对此的 了解。这为他赢得了盛名，让他能够向世人表 明自己参与的社会和政治活动。 梅忠恕的这件作品正是对于此的最好诠释。他 描绘了几个在多彩而欢乐的氛围中玩耍的儿 童。画中人物的天真和他们生活中的快乐，通 过画家卓越的绢画才华，以自信的笔触和鲜活 的色彩完美地展现出来。

MAI TRUNG THU 梅忠恕 (1906-1980) Deux enfants couchés, 1973 Encre et couleurs sur soie, signée et datée en bas à droite, titrée au dos 12 x 46 cm - 4 3/4 x 18 1/8 in Ink and color on silk, signed and dated lower right, titled on reverse L'attestation rédigée par Charlotte Reynier-Aguttes indiquant une insertion au catalogue raisonné de l'oeuvre de l'artiste qu'elle prépare actuellement sera remise à l'acquéreur PROVENANCE Galerie Apesteguy, Deauville Collection privée, Paris Mai Thu a toujours été très engagé pour la paix et l’indépendance du Vietnam, c’est dans cette logique qu’il collabore avec l’Unicef et peint de nombreuses scènes de jeux d’enfants afin  de sensibiliser le public occidental. Cela lui confère une grande notoriété et lui permet de rendre public ses combats politiques et sociaux. Cette oeuvre de Mai Thu s’inscrit parfaitement dans ce contexte. Il représente des enfants jouant dans une atmosphère colorée et joyeuse. L’innocence de ces personnages et leur joie de vivre sont parfaitement représentées par le talent du peintre sur soie grâce à un trait assuré et à l’utilisation d’une palette vive et chatoyante. Mai Thu was always deeply committed to peace and the independence of Vietnam, and with this in view he collaborated with UNICEF, painting numerous scenes of children playing to raise awareness in Western audiences. This brought him considerable fame and enabled him to put the spotlight on his political and social combats. This work by Mai Thu is a perfect illustration of this. It shows children at play in a colourful, joyous atmosphere. The innocence and joie de vivre of these  little figures are brilliantly depicted by this talented silk painter, through an assured line and the use of a lively, shimmering palette. Mai Thu luôn cam kết vì hòa bình và độc lập của Việt Nam. Ông hợp tác với UNICEF và vẽ nhiều cảnh trò chơi của trẻ em để tuyên truyền công chúng phương Tây. Điều này làm cho công chúng biết đến ông và cho phép ông công khai các cuộc đấu tranh chính trị và xã hội của mình. Tác phẩm này của Mai Thu là một ví dụ tuyệt hảo của bối cảnh này. Ông thể hiện các cảnh trẻ em chơi trong một bầu không khí đầy màu sắc và vui vẻ. Sự ngây thơ và niềm vui sống của những nhân vật này được thể hiện hoàn hảo bởi tài năng của người họa sĩ trên tranh lụa nhờ vào một nét chắc chắn và việc sử dụng bảng màu sáng và lung linh. 梅忠恕（Mai Thu）始终关注越南的和平与独 立，因此他与联合国儿童基金会合作，绘制了 众多儿童玩耍的场景，以促进西方公众对此的 了解。这为他赢得了盛名，让他能够向世人表 明自己参与的社会和政治活动。 梅忠恕的这件作品正是对于此的最好诠释。他 描绘了几个在多彩而欢乐的氛围中玩耍的儿 童。画中人物的天真和他们生活中的快乐，通 过画家卓越的绢画才华，以自信的笔触和鲜活 的色彩完美地展现出来。

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VU CAO DAM 武高谈 (1908-2000) Maternité, 1963 Huile sur toile, signée en bas à droite 73 x 60 cm - 28 ¾ x 23 2/3 in. Oil on canvas, signed lower right L'attestation rédigée par Charlotte Reynier-Aguttes indiquant une insertion au catalogue raisonné de l'oeuvre de l'artiste qu'elle prépare actuellement sera remise à l'acquéreur PROVENANCE Collection privée, Belgique Vu Cao Dam est un artiste vietnamien né en 1908, il est issu d’une famille catholique nombreuse, ses parents étaient très francophiles et l’ont soutenu dans son envie d’intégrer l’école des Beaux-Arts de Hanoï fondée par Victor Tardieu. C’est dans ce contexte académique qu’il reçoit à 23 ans une bourse pour s’installer en France. A cause d’une santé fragile, il ne reste pas à Paris mais élit domicile dans le sud à Saint Paul de Vence. D’abord connu pour sa sculpture, Vu Cao Dam s’avère être un excellent peintre, ses lignes s’étirent à l’infini, sa touche est délicate et rapide, ses couleurs diluées et fraiches. Il a un attrait particulier pour les scènes de genre, il souhaite représenter la vie quotidienne et faire rayonner la culture vietnamienne. Pourtant il est très curieux de l’art moderne occidental, et l’on peut retrouver dans sa peinture une forte influence de Marc Chagall. Particulièrement dans cette oeuvre où les tons bleus dominent. Un couple et un jeune enfant sont vêtus à la façon vietnamienne et semblent évanescents dans une nature stylisée par des touches de couleurs,  épaisses. Cette oeuvre est très représentative du travail de Vu Cao Dam par le choix de cette thématique intimiste. Il parvient à saisir les liens familiaux avec beaucoup de délicatesse et de pudeur.  Vu Cao Dam was a Vietnamese artist born in 1908 into a large Catholic family. With support from his highly Francophile parents, he entered the Hanoi Fine Arts School founded

VU CAO DAM 武高谈 (1908-2000) Maternité, 1963 Huile sur toile, signée en bas à droite 73 x 60 cm - 28 ¾ x 23 2/3 in. Oil on canvas, signed lower right L'attestation rédigée par Charlotte Reynier-Aguttes indiquant une insertion au catalogue raisonné de l'oeuvre de l'artiste qu'elle prépare actuellement sera remise à l'acquéreur PROVENANCE Collection privée, Belgique Vu Cao Dam est un artiste vietnamien né en 1908, il est issu d’une famille catholique nombreuse, ses parents étaient très francophiles et l’ont soutenu dans son envie d’intégrer l’école des Beaux-Arts de Hanoï fondée par Victor Tardieu. C’est dans ce contexte académique qu’il reçoit à 23 ans une bourse pour s’installer en France. A cause d’une santé fragile, il ne reste pas à Paris mais élit domicile dans le sud à Saint Paul de Vence. D’abord connu pour sa sculpture, Vu Cao Dam s’avère être un excellent peintre, ses lignes s’étirent à l’infini, sa touche est délicate et rapide, ses couleurs diluées et fraiches. Il a un attrait particulier pour les scènes de genre, il souhaite représenter la vie quotidienne et faire rayonner la culture vietnamienne. Pourtant il est très curieux de l’art moderne occidental, et l’on peut retrouver dans sa peinture une forte influence de Marc Chagall. Particulièrement dans cette oeuvre où les tons bleus dominent. Un couple et un jeune enfant sont vêtus à la façon vietnamienne et semblent évanescents dans une nature stylisée par des touches de couleurs,  épaisses. Cette oeuvre est très représentative du travail de Vu Cao Dam par le choix de cette thématique intimiste. Il parvient à saisir les liens familiaux avec beaucoup de délicatesse et de pudeur.  Vu Cao Dam was a Vietnamese artist born in 1908 into a large Catholic family. With support from his highly Francophile parents, he entered the Hanoi Fine Arts School founded by Victor Tardieu. In this academic context, he received a grant at the age of 23 enabling him to mov

VU CAO DAM 武高谈 (1908-2000)

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LE PHO 黎谱 (1907-2001) Maternité, n°176 Huile, encre et couleurs sur soie, signée en bas à droite 32.5 x 21.5 cm - 12 3/4 x 8 3/8 in Oil, ink and color on silk, signed lower right L'attestation rédigée par Charlotte Reynier-Aguttes indiquant une insertion au catalogue raisonné de l'oeuvre de l'artiste qu'elle prépare actuellement sera remise à l'acquéreur PROVENANCE Galerie Romanet, Paris Vente Couton Veyrac, Nantes,19 juin 2007 Collection privée, France Le Pho, fils du dernier vice-roi du Tonkin est issu d’une famille de mandarins, né en 1907, il fait partie de la première promotion de l’Ecole des Beaux-Arts de Hanoï. Il y suit les enseignements de Victor Tardieu qui, aux vues de son talent remarquable, le prend sous son aile. Cette oeuvre est très représentative de son travail et de la synthèse qu’il opère entre les arts chinois, vietnamien et occidental. Les maternités sont une thématique récurrente de l’oeuvre de Le Pho car cela lui permet de s’inscrire dans l’histoire des arts occidentaux à la suite des maternités religieuses, tout en mettant en lumière les techniques artistiques asiatiques.  Le Pho, son of the last Viceroy of Tonkin, was born into a family of mandarins in 1907. He was one of the first intake of students at the Hanoi Fine Arts School, where he studied with Victor Tardieu and was taken under his wing in view of his remarkable talents. This piece is highly representative of his work and the way he synthesised Chinese, Vietnamese and Western art. The theme of mothers and children was very common in his work, because it enabled him to relate to the history of Western art, echoing the religious theme of the Madonna and Child, while highlighting Asian artistic techniques. Le Pho, con trai của Kinh lược sử cuối cùng của Bắc Kỳ xuất thân từ một gia đình quan. Ông sinh  năm 1907, là một trong những học sinh đầu tiên của Trường Mỹ thuật Hà Nội. Ông học theo lời dạy của Victor Tardieu, ngưỡng mộ tài năng xuất chúng của ông này. Tác phẩm này rất tiêu biểu cho các tác phẩm của ông và là sự tổng hợp giữa nghệ thuật Trung Quốc, Việt Nam và phương Tây. Tình mẫu tử là một chủ đề thường nhật trong các tác phẩm của Le Pho vì nó cho phép ông đi vào lịch sử nghệ thuật phương Tây sau các tình mẫu tôn giáo, đồng thời làm nổi bật các kỹ thuật nghệ thuật châu Á. 黎谱（Le Pho），生于1907年，东京末代太守 之子，来自一个官僚家庭，河内美术学院第一 届学生。维克托·塔迪厄（Victor Tardieu） 见他才华超群，招致门下，精心栽培。 这幅画是他兼收并蓄中国、越南和西方艺术的 代表之作。母爱是黎谱作品中经常涉及的主 题，这能够让他在展现亚洲艺术技法的同时， 跟随宗教绘画中的母性题材，融入到西方艺术 史中。

LE PHO 黎谱 (1907-2001) Maternité, n°176 Huile, encre et couleurs sur soie, signée en bas à droite 32.5 x 21.5 cm - 12 3/4 x 8 3/8 in Oil, ink and color on silk, signed lower right L'attestation rédigée par Charlotte Reynier-Aguttes indiquant une insertion au catalogue raisonné de l'oeuvre de l'artiste qu'elle prépare actuellement sera remise à l'acquéreur PROVENANCE Galerie Romanet, Paris Vente Couton Veyrac, Nantes,19 juin 2007 Collection privée, France Le Pho, fils du dernier vice-roi du Tonkin est issu d’une famille de mandarins, né en 1907, il fait partie de la première promotion de l’Ecole des Beaux-Arts de Hanoï. Il y suit les enseignements de Victor Tardieu qui, aux vues de son talent remarquable, le prend sous son aile. Cette oeuvre est très représentative de son travail et de la synthèse qu’il opère entre les arts chinois, vietnamien et occidental. Les maternités sont une thématique récurrente de l’oeuvre de Le Pho car cela lui permet de s’inscrire dans l’histoire des arts occidentaux à la suite des maternités religieuses, tout en mettant en lumière les techniques artistiques asiatiques.  Le Pho, son of the last Viceroy of Tonkin, was born into a family of mandarins in 1907. He was one of the first intake of students at the Hanoi Fine Arts School, where he studied with Victor Tardieu and was taken under his wing in view of his remarkable talents. This piece is highly representative of his work and the way he synthesised Chinese, Vietnamese and Western art. The theme of mothers and children was very common in his work, because it enabled him to relate to the history of Western art, echoing the religious theme of the Madonna and Child, while highlighting Asian artistic techniques. Le Pho, con trai của Kinh lược sử cuối cùng của Bắc Kỳ xuất thân từ một gia đình quan. Ông sinh  năm 1907, là một trong những học sinh đầu tiên của Trường Mỹ thuật Hà Nội. Ông học theo lời dạy của Victor Tardieu, ngưỡng mộ tài năng xuất chúng của ông này. Tác phẩm này rất tiêu biểu cho các tác phẩm của ông và là sự tổng hợp giữa nghệ thuật Trung Quốc, Việt Nam và phương Tây. Tình mẫu tử là một chủ đề thường nhật trong các tác phẩm của Le Pho vì nó cho phép ông đi vào lịch sử nghệ thuật phương Tây sau các tình mẫu tôn giáo, đồng thời làm nổi bật các kỹ thuật nghệ thuật châu Á. 黎谱（Le Pho），生于1907年，东京末代太守 之子，来自一个官僚家庭，河内美术学院第一 届学生。维克托·塔迪厄（Victor Tardieu） 见他才华超群，招致门下，精心栽培。 这幅画是他兼收并蓄中国、越南和西方艺术的 代表之作。母爱是黎谱作品中经常涉及的主 题，这能够让他在展现亚洲艺术技法的同时， 跟随宗教绘画中的母性题材，融入到西方艺术 史中。

LE PHO 黎谱 (1907-2001)

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MAI TRUNG THU 梅忠恕 (1906-1980) Le collier de jade, 1960 Encre et couleurs sur soie, signée et datée en haut à gauche 15.6 x 10.8 cm - 6 1/8 x 4 1/4 in Ink and color on silk, signed and dated upper left Dans son cadre d'origine réalisé par l'artiste L'attestation rédigée par Charlotte Reynier-Aguttes indiquant une insertion au catalogue raisonné de l'oeuvre de l'artiste qu'elle prépare actuellement sera remise à l'acquéreur PROVENANCE Offert par l'artiste à une amie, dans la région de Macon, et transmis familialement depuis Collection privée du Centre de la France Mai Thu est reconnu pour son immense talent de portraitiste et l’oeuvre que nous présentons aujourd’hui en est l’un des exemples. Il théâtralise cette jeune femme debout, légèrement de profil, grâce à un décor quasi nu, d’une simplicité extrême, et ne laisse que les éléments essentiels à la compréhension du Détail de la signature tableau : la jeune femme au centre absorbée par l’essayage de son collier de jade. Le jade est une pierre dont la symbolique en Extrême-Orient est très forte. Façonnée et appréciée depuis huit mille ans en Asie, les Chinois sont les premiers à voir en cette pierre des vertus magiques et protectrices et ils la portent toujours près du corps. Aujourd’hui, c’est notamment un symbole de pureté et de sagesse. Le collier de jade est ici un clin d’oeil à la pureté de la jeune fille qui nous  apparait dans la douceur de ses traits. C’est également une pierre protectrice qui a comme vertu d’éloigner le mal. L’unité des lignes, des couleurs et des formes en font un tableau marqué par une composition très rigoureuse. Fidèle à son style, Mai Trung Thu souligne par quelques traits fins l’ovale du visage et la silhouette gracile de la jeune fille, tout en jouant sur l’intensité des couleurs. Il sait merveilleusement bien mettre en exergue la

MAI TRUNG THU 梅忠恕 (1906-1980) Le collier de jade, 1960 Encre et couleurs sur soie, signée et datée en haut à gauche 15.6 x 10.8 cm - 6 1/8 x 4 1/4 in Ink and color on silk, signed and dated upper left Dans son cadre d'origine réalisé par l'artiste L'attestation rédigée par Charlotte Reynier-Aguttes indiquant une insertion au catalogue raisonné de l'oeuvre de l'artiste qu'elle prépare actuellement sera remise à l'acquéreur PROVENANCE Offert par l'artiste à une amie, dans la région de Macon, et transmis familialement depuis Collection privée du Centre de la France Mai Thu est reconnu pour son immense talent de portraitiste et l’oeuvre que nous présentons aujourd’hui en est l’un des exemples. Il théâtralise cette jeune femme debout, légèrement de profil, grâce à un décor quasi nu, d’une simplicité extrême, et ne laisse que les éléments essentiels à la compréhension du Détail de la signature tableau : la jeune femme au centre absorbée par l’essayage de son collier de jade. Le jade est une pierre dont la symbolique en Extrême-Orient est très forte. Façonnée et appréciée depuis huit mille ans en Asie, les Chinois sont les premiers à voir en cette pierre des vertus magiques et protectrices et ils la portent toujours près du corps. Aujourd’hui, c’est notamment un symbole de pureté et de sagesse. Le collier de jade est ici un clin d’oeil à la pureté de la jeune fille qui nous  apparait dans la douceur de ses traits. C’est également une pierre protectrice qui a comme vertu d’éloigner le mal. L’unité des lignes, des couleurs et des formes en font un tableau marqué par une composition très rigoureuse. Fidèle à son style, Mai Trung Thu souligne par quelques traits fins l’ovale du visage et la silhouette gracile de la jeune fille, tout en jouant sur l’intensité des couleurs. Il sait merveilleusement bien mettre en exergue la beauté féminine par l’intensité du bleu dans sa chevelure, la tenue orange et le teint pâle de c

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TRAN VAN THO (né en 1917) Le retour du lauréat Encre et couleurs sur soie, signée en bas à droite 48 x 78 cm à vue - 18 7/8 x 30 5/8 in Ink and color on silk, signed lower right PROVENANCE Collection privée, France Tran van tho est un peintre vietnamien né en 1917. Il étudie à l’école des Beaux-Arts de Hanoi et en sort diplômé en 1945. Il rencontre rapidement beaucoup de succès notamment avec ses peintures sur soie. Il participe à de nombreuses expositions dans le monde dont l’exposition internationale de Rome en 1950 puis s’installe définitivement en France dans les années 70. Ses sujets de prédilections sont les portraits des jeunes  femmes vietnamiennes et les scènes qui mettent en scène l’intimité de ses modèles.  Très attaché à sa culture et à l’histoire des arts vietnamiens, il aime multiplier les références au Vietnam dans ses oeuvres. Le tableau que nous présentons à la vente montre bien l’importance de la tradition vietnamienne au sein de l’oeuvre de Tran Van Tho. Le retour du lauréat est un très bel exemple de la technique et du style de l’artiste. La technique et la thématique de l’oeuvre sont une illustration de la vie quotidienne et familiale vietnamienne. Il utilise la peinture sur soie, typique de la peinture du Vietnam, et représente un jeune étudiant diplômé qui rentre auprès de sa famille. La multitude de personnages et les couleurs vives donnent un air de fête et beaucoup de mouvement à cette oeuvre qui montre une étape joyeuse dans la vie de ce jeune homme. Conservée à l’abri de la lumière pendant de nombreuses années, cette oeuvre est présentée ici dans un parfait état avec ses magnifiques couleurs originales. Trần Văn Thọ là một họa sĩ Việt Nam sinh năm 1917. Ông học tại Trường Cao đẳng Mỹ thuật Đông Dương và tốt nghiệp năm 1945. Ông nhanh chóng gặt hái được nhiều thành công, đặc biệt là với các sáng tác trên lụa. Ông đã tham gia nhiều triển lãm trên khắp thế giới, trong đó có triển lãm quốc tế Rome năm 1950, ông định cư tại Pháp vào những năm 1970. Các đề tài yêu thích của ông là chân dung thiếu phụ Việt Nam và cảnh sinh hoạt riêng tư của những người được chọn làm mẫu. Gắn bó sâu sắc với văn hóa và lịch sử mỹ thuật Việt Nam, ông muốn nhân rộng sự quy chiếu về Việt Nam trong các tác phẩm của mình. Bức tranh mà chúng tôi bày bán ở đây cho thấy rõ tầm quan trọng của truyền thống Việt Nam trong sáng tác của Trần Văn Thọ. Vinh quy bái tổ là một ví dụ tuyệt vời về kỹ thuật và phong cách của họa sĩ. Kỹ thuật và chủ đề của tác phẩm minh họa cho cuộc sống gia đình thường nhật của người Việt. Ông sử dụng thể loại tranh lụa tiêu biểu của hội họa Việt Nam, và miêu tả một sĩ tử tốt nghiệp trở về với gia đình. Số lượng lớn các nhân vật và những màu sắc tươi sáng mang đến một không khí lễ hội và rất nhiều chuyển động cho tác phẩm này, cho thấy một bước đường hạnh phúc trong cuộc đời của chàng trai trẻ. Được bảo quản tránh ánh sáng trong nhiều năm, tác phẩm này được giới thiệu ở đây trong điều kiện hoàn hảo với các màu sắc nguyên bản tuyệt đẹp của nó.

TRAN VAN THO (né en 1917) Le retour du lauréat Encre et couleurs sur soie, signée en bas à droite 48 x 78 cm à vue - 18 7/8 x 30 5/8 in Ink and color on silk, signed lower right PROVENANCE Collection privée, France Tran van tho est un peintre vietnamien né en 1917. Il étudie à l’école des Beaux-Arts de Hanoi et en sort diplômé en 1945. Il rencontre rapidement beaucoup de succès notamment avec ses peintures sur soie. Il participe à de nombreuses expositions dans le monde dont l’exposition internationale de Rome en 1950 puis s’installe définitivement en France dans les années 70. Ses sujets de prédilections sont les portraits des jeunes  femmes vietnamiennes et les scènes qui mettent en scène l’intimité de ses modèles.  Très attaché à sa culture et à l’histoire des arts vietnamiens, il aime multiplier les références au Vietnam dans ses oeuvres. Le tableau que nous présentons à la vente montre bien l’importance de la tradition vietnamienne au sein de l’oeuvre de Tran Van Tho. Le retour du lauréat est un très bel exemple de la technique et du style de l’artiste. La technique et la thématique de l’oeuvre sont une illustration de la vie quotidienne et familiale vietnamienne. Il utilise la peinture sur soie, typique de la peinture du Vietnam, et représente un jeune étudiant diplômé qui rentre auprès de sa famille. La multitude de personnages et les couleurs vives donnent un air de fête et beaucoup de mouvement à cette oeuvre qui montre une étape joyeuse dans la vie de ce jeune homme. Conservée à l’abri de la lumière pendant de nombreuses années, cette oeuvre est présentée ici dans un parfait état avec ses magnifiques couleurs originales. Trần Văn Thọ là một họa sĩ Việt Nam sinh năm 1917. Ông học tại Trường Cao đẳng Mỹ thuật Đông Dương và tốt nghiệp năm 1945. Ông nhanh chóng gặt hái được nhiều thành công, đặc biệt là với các sáng tác trên lụa. Ông đã tham gia nhiều triển lãm trên khắp thế giới, trong đó có triển lãm quốc tế Rome năm 1950, ông định cư tại Pháp vào những năm 1970. Các đề tài yêu thích của ông là chân dung thiếu phụ Việt Nam và cảnh sinh hoạt riêng tư của những người được chọn làm mẫu. Gắn bó sâu sắc với văn hóa và lịch sử mỹ thuật Việt Nam, ông muốn nhân rộng sự quy chiếu về Việt Nam trong các tác phẩm của mình. Bức tranh mà chúng tôi bày bán ở đây cho thấy rõ tầm quan trọng của truyền thống Việt Nam trong sáng tác của Trần Văn Thọ. Vinh quy bái tổ là một ví dụ tuyệt vời về kỹ thuật và phong cách của họa sĩ. Kỹ thuật và chủ đề của tác phẩm minh họa cho cuộc sống gia đình thường nhật của người Việt. Ông sử dụng thể loại tranh lụa tiêu biểu của hội họa Việt Nam, và miêu tả một sĩ tử tốt nghiệp trở về với gia đình. Số lượng lớn các nhân vật và những màu sắc tươi sáng mang đến một không khí lễ hội và rất nhiều chuyển động cho tác phẩm này, cho thấy một bước đường hạnh phúc trong cuộc đời của chàng trai trẻ. Được bảo quản tránh ánh sáng trong nhiều năm, tác phẩm này được giới thiệu ở đây trong điều kiện hoàn hảo với các màu sắc nguyên bản tuyệt đẹp của nó.

TRAN VAN THO (né en 1917)

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ALIX AYMÉ 阿利克丝·埃梅 (1894-1989) Jeunes enfants Encre, aquarelle et crayon sur papier, signé en bas à droite 50 x 42 cm - 19 5/8 x 16 1/2 in Ink, watercolor and pencil on paper, signed lower right PROVENANCE Collection privée, Londres Alix Aymé est une des figures emblématiques des échanges culturels et artistiques entre l’Indochine et la France. Passionnée par l’Asie elle y vit une grande partie de sa vie, maîtrisant à la perfection les techniques de la laque et de la peinture sur soie. Dans cette oeuvre, Alix Aymé représente deux enfants pensifs, absorbés par un jeu ou un livre. Une troisième silhouette tout juste ébauchée se détache d’un fond laissé en réserve. Les enfants ainsi que leurs occupations et leurs habitudes sont au centre de son oeuvre, grâce à une technique virtuose du dessin et de l’aquarelle, l’artiste parvient à saisir ces moments fugaces et tendres de l’enfance.  Alix Aymé déploie tout son talent de portraitiste dans cette oeuvre car elle réussit à faire entrer le spectateur dans l’intimité et l’imaginaire de ces deux enfants concentrés. Alix Aymé was an iconic figure in the cultural and artistic exchanges between Indochina and France. Fascinated by Asia, she lived there for a large part of her life, mastering the techniques of lacquering and painting on silk to perfection. In this work, Aymé shows two pensive children absorbed in playing or reading. A third barely outlined figure stands out against a background left in reserve. Children and their activities and habits were central to her work, and the artist brilliantly captured these tender, fleeting moments of childhood through her virtuosic drawing and watercolour skills. Alix Aymé makes use of her considerable talent as a portraitist in this piece, drawing the viewer into the intimate world and imagination of these highly focused children. Alix Aymé là một tron

ALIX AYMÉ 阿利克丝·埃梅 (1894-1989) Jeunes enfants Encre, aquarelle et crayon sur papier, signé en bas à droite 50 x 42 cm - 19 5/8 x 16 1/2 in Ink, watercolor and pencil on paper, signed lower right PROVENANCE Collection privée, Londres Alix Aymé est une des figures emblématiques des échanges culturels et artistiques entre l’Indochine et la France. Passionnée par l’Asie elle y vit une grande partie de sa vie, maîtrisant à la perfection les techniques de la laque et de la peinture sur soie. Dans cette oeuvre, Alix Aymé représente deux enfants pensifs, absorbés par un jeu ou un livre. Une troisième silhouette tout juste ébauchée se détache d’un fond laissé en réserve. Les enfants ainsi que leurs occupations et leurs habitudes sont au centre de son oeuvre, grâce à une technique virtuose du dessin et de l’aquarelle, l’artiste parvient à saisir ces moments fugaces et tendres de l’enfance.  Alix Aymé déploie tout son talent de portraitiste dans cette oeuvre car elle réussit à faire entrer le spectateur dans l’intimité et l’imaginaire de ces deux enfants concentrés. Alix Aymé was an iconic figure in the cultural and artistic exchanges between Indochina and France. Fascinated by Asia, she lived there for a large part of her life, mastering the techniques of lacquering and painting on silk to perfection. In this work, Aymé shows two pensive children absorbed in playing or reading. A third barely outlined figure stands out against a background left in reserve. Children and their activities and habits were central to her work, and the artist brilliantly captured these tender, fleeting moments of childhood through her virtuosic drawing and watercolour skills. Alix Aymé makes use of her considerable talent as a portraitist in this piece, drawing the viewer into the intimate world and imagination of these highly focused children. Alix Aymé là m?t trong nh?ng nhân v?t tiêu bi?u trong vi?c giao l?u v?n hóa và ngh? thu?t gi?a ?

ALIX AYMÉ 阿利克丝·埃梅 (1894-1989)

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LE PHO 黎谱 (1907-2001) Les renoncules Huile sur toile, signée en bas à droite 36.5 x 44.5 cm - 14 3/8 x 17 1/2 in Oil on canvas, signed lower right L'attestation rédigée par Charlotte Reynier-Aguttes indiquant une insertion au catalogue raisonné de l'oeuvre de l'artiste qu'elle prépare actuellement sera remis à l'acquéreur PROVENANCE Findlay Galleries, Etats-Unis Maîtres Morel, Saint-Dié, 22 mars 2009 Collection privée, Rheims

LE PHO 黎谱 (1907-2001) Les renoncules Huile sur toile, signée en bas à droite 36.5 x 44.5 cm - 14 3/8 x 17 1/2 in Oil on canvas, signed lower right L'attestation rédigée par Charlotte Reynier-Aguttes indiquant une insertion au catalogue raisonné de l'oeuvre de l'artiste qu'elle prépare actuellement sera remis à l'acquéreur PROVENANCE Findlay Galleries, Etats-Unis Maîtres Morel, Saint-Dié, 22 mars 2009 Collection privée, Rheims

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André MAIRE (1898-1984) Jeune fille endormie, 1956 Technique mixte sur papier, signée et datée en haut à droite 32 x 51 cm - 12 1/2 x 20 in Mixed media on paper, signed and dated upper right PROVENANCE Collection privée, Londres

André MAIRE (1898-1984) Jeune fille endormie, 1956 Technique mixte sur papier, signée et datée en haut à droite 32 x 51 cm - 12 1/2 x 20 in Mixed media on paper, signed and dated upper right PROVENANCE Collection privée, Londres

André MAIRE (1898-1984)

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NGUYEN VAN (XXÈME) Voiliers dans la baie d'Along Huile sur toile, signée en bas à droite 66 x 91 cm - 25 7/8 x 35 7/8 in Oil on canvas, signed lower right PROVENANCE Collection privée, région Lyonnaise

NGUYEN VAN (XXÈME) Voiliers dans la baie d'Along Huile sur toile, signée en bas à droite 66 x 91 cm - 25 7/8 x 35 7/8 in Oil on canvas, signed lower right PROVENANCE Collection privée, région Lyonnaise

NGUYEN VAN (XXÈME)

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Takanori OGUISS (1901-1986) Homard sur assiette blanche, 1934 (Nature-morte d'un crustacé de Noirmoutier posée sur le carrelage) Huile sur panneau, signée en haut à droite 26.5 x 35 cm - 10 3/8 x 13 3/4 in Oil on panel, signed upper right PROVENANCE Collection privée, région parisienne Nous remercions Les Amis d’Oguiss de nous avoir précisé que cette oeuvre est bien référencée dans leurs archives, qu’elle date de 1934 et que la maison dallée de ce carrelage appartenait à un grand acteur d’avant-guerre. Takanori Oguiss, né au Japon en 1901 a suivi les cours de l’Ecole des Beaux-Arts de Tokyo. Il décide de s’installer en France en 1927 où il se lie d’amitié avec d’autres artistes japonais comme Inokuma, Sadami Yokote ou encore Foujita qui devient son maître. Il s’installe près de Montparnasse où il fréquente les peintres de la Ruche. Cette nature morte est d’une très grande modernité, la perspective est concentrée sur l’objet, le homard. Avec une nappe à carreaux pour tout décor et la délimitation de la table, Oguiss joue sur les formes et l’opposition entre les lignes droites du décor et les lignes obliques de l’assiette et de l’animal. Il joue aussi sur la couleur en opposant un rouge vif à des tons plus neutres comme le brun, le bleu et le gris. Takanori Oguiss was born in Japan in 1901, and studied at the Tokyo Fine Arts School. He decided to move to France in 1927, where he made friends with other Japanese artists like Inokuma, Sadami Yokote and Foujita, who became his teacher. He lived near Montparnasse, where he mingled with the artists of La Ruche.  This still life has a highly modern feel to it. The perspective is focused on the object: the lobster. With a check tablecloth defining the table as the sole  setting, Oguiss makes play with forms and the opposition of the straight lines of the surroundings and the oblique lines of t

Takanori OGUISS (1901-1986) Homard sur assiette blanche, 1934 (Nature-morte d'un crustacé de Noirmoutier posée sur le carrelage) Huile sur panneau, signée en haut à droite 26.5 x 35 cm - 10 3/8 x 13 3/4 in Oil on panel, signed upper right PROVENANCE Collection privée, région parisienne Nous remercions Les Amis d’Oguiss de nous avoir précisé que cette oeuvre est bien référencée dans leurs archives, qu’elle date de 1934 et que la maison dallée de ce carrelage appartenait à un grand acteur d’avant-guerre. Takanori Oguiss, né au Japon en 1901 a suivi les cours de l’Ecole des Beaux-Arts de Tokyo. Il décide de s’installer en France en 1927 où il se lie d’amitié avec d’autres artistes japonais comme Inokuma, Sadami Yokote ou encore Foujita qui devient son maître. Il s’installe près de Montparnasse où il fréquente les peintres de la Ruche. Cette nature morte est d’une très grande modernité, la perspective est concentrée sur l’objet, le homard. Avec une nappe à carreaux pour tout décor et la délimitation de la table, Oguiss joue sur les formes et l’opposition entre les lignes droites du décor et les lignes obliques de l’assiette et de l’animal. Il joue aussi sur la couleur en opposant un rouge vif à des tons plus neutres comme le brun, le bleu et le gris. Takanori Oguiss was born in Japan in 1901, and studied at the Tokyo Fine Arts School. He decided to move to France in 1927, where he made friends with other Japanese artists like Inokuma, Sadami Yokote and Foujita, who became his teacher. He lived near Montparnasse, where he mingled with the artists of La Ruche.  This still life has a highly modern feel to it. The perspective is focused on the object: the lobster. With a check tablecloth defining the table as the sole  setting, Oguiss makes play with forms and the opposition of the straight lines of the surroundings and the oblique lines of the plate and shellfish. He also plays with colour, contrasting bright red with the

Takanori OGUISS (1901-1986)

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TSUGUHARU FOUJITA 藤田 嗣治 (1886-1968) Le chat, 1956 Lavis d'encre sur papier, signé, daté et dédicacé 11 x 18 cm - 4 3/8 x 7 in Ink wash on paper, signed, dated and dedicated Sylvie Buisson a gracieusement confirmé l'authenticité de cette oeuvre. PROVENANCE Offert à Jean-Charles et conservé depuis Collection privée, région parisienne Foujita est né au Japon en 1886, il se forme à l'École des Beaux-Arts de Tokyo et s'installe à Paris en 1913 où il fait la rencontre de Picasso, véritable révélation pour lui. Il se démarque rapidement et devient l'une des figures de proue de l'Ecole de Paris et de l'Art Moderne. Le chat est une thématique récurrente dans l'oeuvre de Foujita, Sylvie Buisson, qui a fait des dessins et des tableaux de cet artiste sa spécialité dit même que «le chat est l'autoportrait mental de Foujita, il est son double...».

TSUGUHARU FOUJITA 藤田 嗣治 (1886-1968) Le chat, 1956 Lavis d'encre sur papier, signé, daté et dédicacé 11 x 18 cm - 4 3/8 x 7 in Ink wash on paper, signed, dated and dedicated Sylvie Buisson a gracieusement confirmé l'authenticité de cette oeuvre. PROVENANCE Offert à Jean-Charles et conservé depuis Collection privée, région parisienne Foujita est né au Japon en 1886, il se forme à l'École des Beaux-Arts de Tokyo et s'installe à Paris en 1913 où il fait la rencontre de Picasso, véritable révélation pour lui. Il se démarque rapidement et devient l'une des figures de proue de l'Ecole de Paris et de l'Art Moderne. Le chat est une thématique récurrente dans l'oeuvre de Foujita, Sylvie Buisson, qui a fait des dessins et des tableaux de cet artiste sa spécialité dit même que «le chat est l'autoportrait mental de Foujita, il est son double...».

TSUGUHARU FOUJITA 藤田 嗣治 (1886-1968)

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ZHU YUANZHI 朱沅芷 (1906-1963), DIT YUN GEE Rêve, 1927 臆想 Huile sur toile, signée en bas à droite, datée 4/2/27 en bas à gauche 40.5 x 31 cm 尺寸 - 15 7/8 x 12 1/4 in Oil on canvas, signed lower right, dated 4/2/27 lower left 布面油画 署名于 右下方 PROVENANCE Collection Marie de Rohan-Chabot, princesse Lucien Murat, Paris Transmis familialement Zhu Yuanzhi, est un peintre sino-américain d’avant-garde né en Chine en 1906. Il rejoint en 1921 son père aux Etats Unis. Il étudie à l’école des Beaux-arts de Californie et apprend la peinture et le dessin auprès d’Otis Oldfield. En 1926, il se lie d’amitié avec une dizaine d’autres artistes d’Avant- Garde comme Kenneth Rexroth, Jehanne Bietry-Salinger ou John Ferren et ils fondent ensembles la Modern Gallery à San Francisco où il présente sa première exposition. Zhu Yuanzhi crée dans le même temps une école révolutionnaire sur l’art chinois pour ses compatriotes où il enseigne des techniques avant-gardistes en termes de peintures et de théories artistiques. La vie de Yun Gee connaît un nouveau tournant lorsqu’il fait la  onnaissance de la Princesse Murat à San Francisco. C’est un coup de foudre intellectuel et artistique, elle écrit alors « Sur les bords du Pacifique, à San Francisco, où l’Orient et l’Occident se rencontrent, je fis la connaissance de Yun. Le tableau subtil de ce jeune Chinois s’est révélé entre une pagode et un gratteciel  ». C’est sous son impulsion que Yun Gee décide de venir s’installer à Paris en 1927, la princesse se fait mécène et intègre l’artiste chinois dans son cercle d’intellectuels, peintres et poètes. Elle écrit à ce propos « Paris saura apprécier son imagination, sa sensibilité de poète, sa profonde psychologie et la sincérité émouvante de son oeuvre ». Elle ne se trompe pas. En effet, il peint un magnifique portrait d’Ambroise Vollard, qui était le marchand  ’artistes notoires comme Picasso ou Matisse. Or cela laisse entendre que Yun Gee côtoyait ces artistes lors de son passage à Paris et qu’il avait été repéré par les plus grands acteurs du marché de l’art moderne. Il expose même au Salon des Indépendants, véritable consécration, en 1929, 1930, et 1939.  La Princesse Murat n’est pas la seule à chanter les louanges de l’artiste, le respect et l’admiration sont mutuels, il écrit un poème pour elle : Poem for Princess Murat’s Portrait by Yun Gee I haven’t seen beauty since very long. Now I paint the Princess Murat in her Chinese Library in her Chinese costume lying on her sofa. Strange it is to me no voice, no colors like flying. This makes me happily remember Known and Look (two masters who live in Song Dynasty) poem: She with the beauty of art in a western palace Her costume with original colours, Chinese. Since I came to Europe, keeping Chinese eyes is difficult. She the only one here that makes me remember China…………….and now I can follow the wind………now I can travel in Tong in Sung Zhu Yuanzhi (Yun Gee) was an avant-garde Chinese-American painter born in China in 1906. In 1921, he joined his father in the US. He studied at the Fine Arts School of California, and learned drawing and painting with Otis Oldfield. In 1926, he became friendly with a dozen other artists of the Avant-Garde, including Kenneth Rexroth, Jehanne Bietry- Salinger and John Ferren, and together they founded the Modern Gallery in San Francisco, where he held his first exhibition. Zhu Yuanzhi also created a revolutionary school on Chinese art for his compatriots, teaching avant-gardiste techniques in terms of painting and art theory.  Yun Gee's life took a new turn when he met Princess Murat in San Francisco, and they clicked instantly in intellectual and artistic terms. She wrote, "I met Yun in San Francisco on the Pacific coast, where East meets West.  The young Chinese artist's subtle painting seemed half-way between a pagoda and a skyscraper." At her suggestion, Yun Gee decide moved to Paris in 1927, where the princess acted as his patron and introduced him to her circle of intellectuals, painters and poets. She wrote, "Paris will be impressed by his imagination, poetic sensibility, profound psychology and touchingly authentic work." She was not mistaken. He painted a magnificent portrait of Ambroise Vollard, the dealer for well-known artists like Cézanne, Picasso and Matisse, proving that Yun Gee rubbed shoulders with these artists during his period in Paris, and was spotted by leading players in the modern art market. He even exhibited at the Salon des Indépendants, which firmly established him, in 1929, 1930 and 1939. Princess Murat was not the only appreciative party in t PA2021

ZHU YUANZHI 朱沅芷 (1906-1963), DIT YUN GEE 梦，1927年 臆想 布面油画，右下方有签名，左下方有日期4/2/27 40.5 x 31 cm 尺寸 - 15 7/8 x 12 1/4 in 布面油画，右下方有签名，左下方有日期4/2/27 布面油画 署名于 右下方 证据 Marie de Rohan-Chabot收藏，Lucien Murat公主，巴黎 在家庭中流传的 朱远志，是一位华裔美国先锋派画家，1906年生于中国。他于1921年在美国与他的父亲会合。他曾在加利福尼亚美术学院学习，并从奥蒂斯-奥尔德菲尔德那里学习绘画和素描。1926年，他结识了其他十几位前卫艺术家，如Kenneth Rexroth、Jeannette和 1926年，他结识了其他十几位前卫艺术家，如肯尼斯-雷克斯罗特、杰汉娜-比特利-萨林格和约翰-费伦，他们一起在旧金山成立了现代画廊，他在那里举办了第一次展览。同时，朱元璋为他的同胞创建了一所中国艺术的革命学校，他在那里传授绘画和艺术理论方面的前卫技术。 当云集在旧金山遇到穆拉特公主时，他的生活发生了新的变化。这是一场知识和艺术上的一见钟情，她写道："在太平洋岸边，在旧金山，在东西方交汇的地方，我遇到了云。这个年轻的中国人的微妙的绘画在宝塔和摩天大楼之间显露出来。 ».正是在她的推动下，云集决定于1927年移居巴黎。 公主成为艺术的赞助人，并将这位中国艺术家纳入她的知识分子、画家和诗人的圈子。她在这方面写道"巴黎将欣赏他的想象力，他的诗人的敏感性，他的深刻的心理学 和他的工作的感人的诚意。她没有弄错。事实上，他为安布罗斯-沃拉德（Ambroise Vollard）画了一幅华丽的肖像，他是毕加索和马蒂斯等著名艺术家的经销商。这表明，纪昀在巴黎期间与这些艺术家有接触，而且他已经被现代艺术市场的主要参与者看中。他甚至在1929年、1930年和1939年在印度沙龙展出，这是一种真正的献身精神。 穆拉特公主不是唯一一个为艺术家唱赞歌的人，这种尊重和钦佩是相互的，他为她写了一首诗。 为穆拉特公主的画像写的诗 作者：Yun Gee 我很久没有见过美女了。 现在我画的是穆拉特公主 在她的中文图书馆里 穿着中国服装的她躺在沙发上。 对我来说，奇怪的是，没有声音，没有颜色，就像 飞行。这让我高兴地想起 知道和看（两个生活在 宋代）的诗。 她与西方宫殿的艺术之美同在 她的服装有原色，中国的。 自从我来到欧洲，保持中国人的眼睛 是困难的。 她是这里唯一能让我 记住 中国................，现在我可以跟随 风.........，我可以在通 在宋 朱远志（Yun Gee）是一位前卫的华裔美国画家，1906年生于中国。1921年，他随父亲到美国，在加州美术学校学习，并跟随奥蒂斯-奥尔德菲尔德学习绘画。1926年，他与其他十几位前卫艺术家成为朋友，包括肯尼斯-雷克斯罗特、杰汉娜-比特利-塞林格和约翰-费伦，他们一起在旧金山成立了现代画廊。 他在那里举办了他的第一次展览。朱元璋还为他的同胞们创建了一个关于中国艺术的革命学校，在绘画和艺术理论方面教授前卫的技术。 当云吉在旧金山遇到穆拉特公主时，他的生活发生了新的变化，他们在知识和艺术方面立即产生了共鸣。她写道："我在太平洋沿岸的旧金山遇到了云，那里是东西方文化的交汇点。 这位年轻的中国艺术家的精妙画作似乎介于宝塔和摩天大楼之间"。在她的建议下，尹吉决定于1927年移居巴黎，在那里，公主作为他的赞助人，将他介绍给她的知识分子、画家和诗人圈子。她写道："巴黎会对以下情况留下深刻印象

ZHU YUANZHI 朱沅芷 (1906-1963), DIT YUN GEE

ZHU YUANZHI 朱沅芷 (1906-1963), DIT YUN GEE Rêve, 1927 臆想 Huile sur toile, signée en bas à droite, datée 4/2/27 en bas à gauche 40.5 x 31 cm 尺寸 - 15 7/8 x 12 1/4 in Oil on canvas, signed lower right, dated 4/2/27 lower left 布面油画 署名于 右下方 PROVENANCE Collection Marie de Rohan-Chabot, princesse Lucien Murat, Paris Transmis familialement Zhu Yuanzhi, est un peintre sino-américain d’avant-garde né en Chine en 1906. Il rejoint en 1921 son père aux Etats Unis. Il étudie à l’école des Beaux-arts de Californie et apprend la peinture et le dessin auprès d’Otis Oldfield. En 1926, il se lie d’amitié avec une dizaine d’autres artistes d’Avant- Garde comme Kenneth Rexroth, Jehanne Bietry-Salinger ou John Ferren et ils fondent ensembles la Modern Gallery à San Francisco où il présente sa première exposition. Zhu Yuanzhi crée dans le même temps une école révolutionnaire sur l’art chinois pour ses compatriotes où il enseigne des techniques avant-gardistes en termes de peintures et de théories artistiques. La vie de Yun Gee connaît un nouveau tournant lorsqu’il fait la  onnaissance de la Princesse Murat à San Francisco. C’est un coup de foudre intellectuel et artistique, elle écrit alors « Sur les bords du Pacifique, à San Francisco, où l’Orient et l’Occident se rencontrent, je fis la connaissance de Yun. Le tableau subtil de ce jeune Chinois s’est révélé entre une pagode et un gratteciel  ». C’est sous son impulsion que Yun Gee décide de venir s’installer à Paris en 1927, la princesse se fait mécène et intègre l’artiste chinois dans son cercle d’intellectuels, peintres et poètes. Elle écrit à ce propos « Paris saura apprécier son imagination, sa sensibilité de poète, sa profonde psychologie et la sincérité émouvante de son oeuvre ». Elle ne se trompe pas. En effet, il peint un magnifique portrait d’Ambroise Vollard, qui était le marchand  ’artistes notoires comme Picasso ou Matisse. Or cela laisse entendre que Yun Gee côtoyait ces artistes lors de son passage à Paris et qu’il avait été repéré par les plus grands acteurs du marché de l’art moderne. Il expose même au Salon des Indépendants, véritable consécration, en 1929, 1930, et 1939.  La Princesse Murat n’est pas la seule à chanter les louanges de l’artiste, le respect et l’admiration sont mutuels, il écrit un poème pour elle : Poem for Princess Murat’s Portrait by Yun Gee I haven’t seen beauty since very long. Now I paint the Princess Murat in her Chinese Library in her Chinese costume lying on her sofa. Strange it is to me no voice, no colors like flying. This makes me happily remember Known and Look (two masters who live in Song Dynasty) poem: She with the beauty of art in a western palace Her costume with original colours, Chinese. Since I came to Europe, keeping Chinese eyes is difficult. She the only one here that makes me remember China…………….and now I can follow the wind………now I can travel in Tong in Sung Zhu Yuanzhi (Yun Gee) was an avant-garde Chinese-American painter born in China in 1906. In 1921, he joined his father in the US. He studied at the Fine Arts School of California, and learned drawing and painting with Otis Oldfield. In 1926, he became friendly with a dozen other artists of the Avant-Garde, including Kenneth Rexroth, Jehanne Bietry- Salinger and John Ferren, and together they founded the Modern Gallery in San Francisco, where he held his first exhibition. Zhu Yuanzhi also created a revolutionary school on Chinese art for his compatriots, teaching avant-gardiste techniques in terms of painting and art theory.  Yun Gee's life took a new turn when he met Princess Murat in San Francisco, and they clicked instantly in intellectual and artistic terms. She wrote, "I met Yun in San Francisco on the Pacific coast, where East meets West.  The young Chinese artist's subtle painting seemed half-way between a pagoda and a skyscraper." At her suggestion, Yun Gee decide moved to Paris in 1927, where the princess acted as his patron and introduced him to her circle of intellectuals, painters and poets. She wrote, "Paris will be impressed by

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CHU TEH-CHUN 朱德群 (1920-2014) Encre orageuse, 2008 Recueil de 6 lithographies et de 3 lithographies de poèmes calligraphiés, numéroté 75/99 et signé en pinyin et chinois  45 x 35,3 x 3.5 cm - 17 3/4 x 13 7/8 x 1 3/8 in. A set of six lithographs and three lithographs of calligraphic poems, numbered 75/99 and signed in Pinyin and Chinese. EXPOSITION Collection permanente du Musée Cernuschi,Paris (oeuvre similaire) BIBLIOGRAPHIE La revue Arts Asiatiques, tome 70, page 105, 2015 DÉTAIL DES NEUFS LITHOGRAPHIES 1) Pluie printanière ‐ Spring Rain ‐ 春雨, 45 x 35 cm, 2008 2) Neige printanière ‐ Snowy Spring, 45 x 35 cm, 2008 3) « Le vieux pêcheur », poème de LI Yu ‐ 漁父》, 李煜诗, 45 x 35 cm, 2008 4 ) Lumière estivale sur le Lac de l’Ouest ‐ Summer light on Hangzhou Xihu ‐ 杭州西湖, 45 x 70 cm, 2008 5) « Halte au logis d’argile et d’azur », poème de LIN Bu ‐ 《宿洞霄宫》, 林逋诗, 45 x 70 cm, 2008 6) Tempête d’automne rougissant ‐ Blowy Pink Fall, 45 x 35 cm, 2008 7) Tranquille automne jaunissant ‐ Still Yellow Fall, 45 x 35 cm, 2008 8) « Poème d’ivresse écrit le 27ème jour du 6ème mois au pavillon du lac », poème de SU Shi -《六月二十七日望湖樓醉 書》, 蘇軾诗, 45 x 35 cm, 2008 9) Tempête hivernale ‐ Snowstorm, 45 x 35 cm, 2008

CHU TEH-CHUN 朱德群 (1920-2014)

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LÜ RONGCHEN (NÉ EN 1963) Compositon abstraite, 1995 Technique mixte sur toile, signée, située et datée au dos 89 x 130 cm - 35 x 51 1/8 in Mixed media on canvas, signed, situated and dated on reverse

LÜ RONGCHEN (NÉ EN 1963)

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