Aguttes

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Impressionniste & Moderne

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Edgar DEGAS (1834-1917) Tête appuyée sur une main, vers 1885-1888 Bronze, signé sur la droite et marqué 62 K et du cachet de fondeur Hébrard sur l'épaule gauche Largeur: 17 cm - Hauteur: 12 cm - Width: 6 3/4 in. - Height: 4 3/4in. Bronze, signed on the right, marqued 62K and stamped by the founder on the left shoulder Conçu en cire en 1889 et fondu en bronze après 1918 dans une édition lettrée de A à T, plus deux fontes additionnelles marquées HER et HER.D pour les héritiers Degas et pour la fonderie Hébrard. Conceived in wax circa 1889, and casted in bronze after 1918 in an edition lettered A to T, plus two additional casts labeled HER and HER.D for the Degas heirs and for the Hébrard foundry. BIBLIOGRAPHIE Pour des oeuvres similaires: Jacques Lassaigne, Tout l'oeuvre peint de Degas, Paris, 1974, no. S71, repr. p. 145 Charles W. Millard,The Sculpture of Edgar Degas, Princeton, 1976, no. 121, repr. p. 133 Maurice Guillaud (ed.), Degas, Form and Space, Paris, 1984, no. 85, repr. fig. 210 John Rewald, Degas's Complete Sculpture, Catalogue raisonné, San Francisco, 1990, no. XXIX, repr. p. 96 Anne Pingeot & Frank Horvat, Degas Sculptures, Paris, 1991, no. 71, repr. p. 187 Degas (catalogue d'exposition), Fondation Pierre Gianadda, Martigny, 1993, no. S72, repr. p. 286 Sara Campbell, ‘Degas. The Sculptures: A Catalogue Raisonné' in Apollo, London, August 1995, repr. p. 41 & 69 John S. Czetochowski & Anne Pingeot, Degas Sculptures, Catalogue raisonné of the Bronzes, Memphis, 2002, repr. p. 243 PROVENANCE Collection Cargill, Glasgow Transmis familialement. Collection privée, France Paul-Albert Bartholomé, sculpteur et ami de longue date de Degas, a ainsi préparé après le décès de l'artiste soixante-douze moules à partir des sculptures d'ateliers. La fonte a été exécutée par l'éminent fondeur parisien A.-A. Hébrard et Cie et la qualité des bronzes rigoureusement contrôlée. Seules vingt-deux éd

Edgar DEGAS (1834-1917)

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Pablo Picasso (1881-1973) Arlequin et singe, 1918 Pencil on paper, signed lower right 9 7/8 x 7 1/2 in The drawing of Harlequin here highlights the artist's assured, precise line. Unlike other artists, like Toulouse-Lautrec, Picasso liked to illustrate scenes in the daily life of travelling performers and the circus. His Harlequins are alter egos, and a form of mise en abîme of his own character: deeply melancholic, yet simultaneously warm and sunny. All of Picasso's work is punctuated by the figures of the harlequin and the entertainer that recurs incessantly, always caught between dream and reality. Pablo Picasso was born in 1881 in Andalusia and died in 1973 in Mougins. He was an iconic figure who became a virtual legend of modern art. A prodigious artist, he moved through the 20th century contributing his inimitable touch and ever-innovative eye to every great artistic movement of the century. His early career was marked by the suicide of his close Catalan friend, Carlos Casagemas, in 1901. Picasso's deep shock over this tragedy was reflected in his work. He tackled dark, melancholic subjects in his paintings and drawings, intensified through the use of a pal­ette of cool colours dominated by blues. During these years, Picasso was mainly inter­ested in representing suffering and poverty. He depicted beggars, blind people and scrawny, hard-eyed prostitutes. In 1904, he began to use warmer colours in shades of ochre, and to represent warmer, happier subjects. His still figurative, real­istic techniques and pencil line were sim­ilar but the symbolic content of his work became very different. This was largely due to his moving permanently to France. After spending several short periods in Paris between 1900 and 1902, including for his exhibition in Ambroise Vollard's gallery, the young Picasso decided to live in the bubbling artistic ambiance of the early century, at the Bateau Lavoir. Here he led a Bohemian life and formed friend

Pablo Picasso (1881-1973) Arlequin et singe, 1918 Crayon sur papier, signé en bas à droite 25 x 19 cm  Pencil on paper, signed lower right Le certificat rédigé par Pablo Picasso en date du 14 décembre 1963 ainsi qu'une attestation rédigée par Claude Picasso en septembre 2019 seront remis à l'acquéreur BIBLIOGRAPHIE C. Zervos, Pablo Picasso, Paris, 2013, vol. 3, n° 133, repr. p. 46 PROVENANCE Collection Marie de Rohan-Chabot, princesse Lucien Murat, Paris Transmis familialement Notre dessin, qui met en scène le personnage d'Arlequin, met en exergue le trait assuré et précis de l'artiste. Contrairement à d'autres artistes comme Toulouse-Lautrec, Pablo Picasso s'attache à illustrer des scènes de la vie quotidienne des saltimbanques et du cirque. Ses Arlequins sont des alter ego, une forme de mise en abîme de sa propre personnalité profondément mélancolique et pourtant chaleureuse et solaire. PABLO PICASSO ARLEQUIN ET SINGE Picasso et Apollinaire se comprirent admirablement. Picasso peignait des Arlequins et des Saltimbanques| Apollinaire en mettait dans ses poèmes. Né en 1881 en Andalousie et mort en 1973 à Mougins, Pablo Picasso est une figure emblématique devenue presque mythique de l'art moderne. Artiste prodige, il a traversé le XXe siècle en apportant sa touche personnelle et son regard toujours novateur au sein de chacun des grands courants artistiques de ce siècle. Les débuts de sa carrière artistique sont marqués par le suicide de son grand ami catalan Carlos Casagemas en 1901. Picasso est profondément choqué par cette tragédie, son oeuvre s'en ressent. L'artiste aborde dans sa peinture et ses dessins des thématiques mélancoliques et sombres qu'il met en valeur grâce à une palette de tons froids dominée par la couleur bleue. Durant ces quelques années Picasso, s'intéresse surtout aux représentations de la souffrance et de la pauvreté. Il représente des mendiants, des aveugles, ou

Pablo Picasso (1881-1973)

ATELIER DES ROSSET, ATTRIBUÉ À JEAN-FRANÇOIS-JOSEPH ROSSET, DIT DUPONT (SAINT-CLAUDE, 1706 - 1786) Portrait du roi Henri IV Buste à mi-corps en albâtre Signé, situé et daté sous l'épaule en lettres capitales: Rosset/St Claude/1771 Haut. totale: 71 cm| larg.: 48 cm Socle quadrangulaire en albâtre incrusté de marbre noir portant l'inscription: Henri IV. Haut.: 18 cm Petits accidents et manques Provenance Collection Marie de Rohan-Chabot, princesse Lucien Murat, Paris Transmis familialement Bibliographie M. Buffenoir, «Une famille d'artistes francscomtois au dix-huitième siècle: les Rosset», Gazette des Beaux-arts, février 1923, pp. 121-126 --- Cat. expo.: Les Rosset. Un atelier jurassien au temps des Lumières, Dole, nov. 2001- février 2002 Expert Albéric Froissart albe.froissart@gmail.com «Il n'y a personne qui sache donner la vie à un buste comme le sculpteur de Franche-Comté» écrit le roi Frédéric II au sujet de Jean-François-Joseph Rosset dont nous voyons ici une oeuvre inédite, la plus grande réalisation dans le registre du portrait sculpté que l'on connaisse de lui à ce jour. Issu d'une famille de sculpteurs jurassiens confinés à l'artisanat d'art au travers de petits objets religieux en buis, en albâtre ou encore en ivoire, Notre Rosset doit sa notoriété à l'intérêt que lui porta Voltaire, installé grandement au château de Ferney. Dans la notice nécrologique qui lui est consacrée dans le Journal de Paris en date du 4 janvier 1787, le marquis de Vilette écrivit: «M. Rosset a fait les premiers bustes de Voltaire, qui jusqu'alors, n'avait pas consenti à prêter son visage. Subjugué par la bonhomie de cet artiste qu'il connaissait de réputation, il l'accueillit à Ferney| et je fus le témoin de l'ingénuité avec laquelle Voltaire ôta sa perruque, tandis qu'il jouait aux échecs pour luui prêter sa tête.» C'est d'ailleurs en popularisant l'image du philosophe que Rosset acquiert la célébrité et la reconnaissance des grands de l'époque. En admirant un Saint Jérôme sorti de ses m MOA2021

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Rembrandt BUGATTI (1884-1916) Pélican au repos, circa 1904 Brown patined bronze, stamped by the founder and signed on the base Height: 5 7/8 in. Length: 5 3/8 in. Width: 3 1/4 in. REMBRANDT BUGATTI Rembrandt Annibale Bugatti was one of the early twentieth century's most notable animal sculptors. Born in Milan, he moved to Paris in 1903 and began a fruitful collaboration with Adrien-Aurélien Hébrard, a founder recognised for the precision and quality of his bronzes' patinas. Hébrard's gallery was located at 8 rue Royale, ensuring the sculptor a high profile. Several of his signature pieces are in public collections, notably at the Musée d'Orsay. Bugatti's fascination with animals led him to spend many hours observing the wildlife at the Jardin des Plantes menagerie. Several years later, he was invited to Antwerp by the Royal Zoological Society, which set up a studio for him right inside the zoo. That is where his singularity lies. Unlike his con­temporaries, he did not work from sketches or photographs of the creatures he depicted but sculpted them from life, in front of the enclosure. Between 1904 and 1906, Bugatti devoted part of his large bestiary to pelicans in var­ious situations. Our Pelican at Rest, whose wings are folded, hides its throat pouch in its feathers, which seem to be ruffling in the wind. The sense of instantaneousness is a direct result of how Bugatti crafted his sculptures. He used plastiline, a highly malleable material that, unlike plaster, which is more constraining, allowed him to work in situ at his own pace for as long as he needed to and, consequently, to be more precise and expressive in what he produced. Favouring free modelling without preparatory drawings, through the sponta­neity of his gesture he made captivatingly naturalistic sculptures where his fingerprints can be found.

Rembrandt BUGATTI (1884-1916) Pélican au repos, circa 1904 Bronze à patine brune, marqué du cachet de fondeur A.A Hébrard et signé sur la terrasse. D'un tirage supposé de 6 exemplaires Hauteur : 15 cm - Height: 5 7/8 in. Longueur : 13.8 cm - Length: 5 3/8 in. Largeur : 8.5 cm - Width: 3 1/4 in. Brown patined bronze, stamped by the founder and signed on the base Le certificat de Véronique Fromanger rédigé en date du 24 septembre 2019 sera remis à l'acquéreur. PROVENANCE Collection privée BIBLIOGRAPHIE Art et Décoration, 1913 Fromanger Véronique, Rembrandt Bugatti, Catalogue raisonné, Les Éditions de l'Amateur, 1987, repr. p. 78 Fromanger Véronique, Rembrandt Bugatti sculpteur, Répertoire monographique, les Éditions de l'Amateur, 2016, repr.p 49 et n°53 p 274 EXPOSITION (pour un exemplaire similaire) Rembrandt Bugatti, Galerie A.-A. Hébrard, Paris, 10-24 mai 1911 Collection Alain Delon, Galerie Charles Bailly, Paris, 1988 Un exemplaire de ce même tirage a été répertorié au sein de la collection de la famille Bugatti (vente en 1979), un autre au sein de la collection Cécile Singer(vente en 2004), et également au sein de la collection Alain Delon (vente en 2011)

Rembrandt BUGATTI (1884-1916)

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Auguste RENOIR (1841-1919) Coco Bronze, signed on the collar, numbered 11/30 and stamped by the founder on the back Height: 10 5/8 in. - Width: 8 1/4 in

Auguste RENOIR (1841-1919) Coco Bronze, signé sur le col. Numéroté 11/30 et marqué du cachet de fondeur Valsuani au dos Hauteur 27 cm - Largeur: 21 cm BIBLIOGRAPHIE Haesaerts Paul, Renoir: Sculptor, Reynal & Hitchcock, New-York, 1947, repr. p. 16 n°2, repr. Pl IV et XXXVI, pour un modèle similaire PROVENANCE Collection Cargill, Glasgow Transmis familialement. Collection privée, France

Auguste RENOIR (1841-1919)

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Francis PICABIA (1879-1953) Transparence, 1925-1927 40 1/2 x 29 1/2 in. Gouache, watercolor and ink on cardboard, signed lower right. FRANCIS PICABIA Francis Picabia was a Spanish avant-garde artist born in Paris in 1879. He began drawing and painting when he was very young. In 1895, he entered the Ecole des Arts Déco­ratifs, where he met George Braque and Marie Laurencin. In 1899, he made his debut at the Salon des Artistes Français. Picabia was interested and participated in all the artistic movements of his time, starting with Impressionism under the influence of Sisley and Pissarro. His work was highly successful and brought him critical acclaim. In 1909, his art took a new direction, and he experi­mented with abstraction. But his patrons and galleries did not go along with him in this new phase, though he continued to exhibit in various salons. To quote art historian Marc le Bot in his thesis on Picabia, «In the years leading up to the 1914 war, Picabia came up with more ideas than any other artist of the avant-garde. A Cubist like Braque and Picasso| an Orphic like Delaunay, he even invented abstract art, without ever systematically adopting any of these approaches.» Ces transparences avec leur coin d'oubliettes me permettent de m'exprimer à la ressemblance de mes volontés intérieures In February 1928, Picabia took part in the opening exhibition of the Favre Gallery in Cannes. As well as the Spanish watercol­ours known and admired by the public, this featured the prototype for his future «Transpar­ences», Caraïbe et Papillon. While it seemed to be cold-shouldered by critics and public alike, this was the only work La Révolution surréaliste deigned to reproduce in its issue of the following month. The artist began working on these «trans­parences» in 1927. They involved a personal visual and aesthetic innovation. In technical terms, Picabia superimposed several layers by using transparent paper or cellophane. He mixed techni

Francis PICABIA (1879-1953) Transparence, 1925-1927 Gouache, aquarelle et encre sur carton, signée en bas à droite 103 x 75 cm  Le certificat rédigé par Olga Picabia ainsi que celui rédigé en date du 26 juin 2019 par Beverley Calte pour le Comité Picabia seront délivrés à l'acquéreur PROVENANCE Collection Marie de Rohan-Chabot, princesse Lucien Murat, Paris Transmis familialement FRANCIS PICABIA Francis Picabia est un artiste d'avant-garde espagnol né à Paris en 1879. Très jeune, il commence le dessin et la peinture. En 1895, il entre à l'Ecole des Arts décoratifs où il rencontre George Braque et Marie Laurencin. En 1899, il fait ses débuts au Salon des Artistes français. Picabia s'intéresse et participe à tous les courants artistiques de son époque. D'abord influencé par Sisley et Pissarro, il débute par le courant impressionniste. Il est alors salué par la critique et son oeuvre remporte un franc succès. Dans l'année 1909, son oeuvre connaît un tournant, il expérimente l'abstraction. Ses mécènes et galeries ne le suivent pas dans cette nouvelle phase. Il continue cependant à exposer dans divers Salons. Comme le dit Marc le bot (historien de l'art) dans sa thèse consacrée à Picabia: «Picabia a lancé pendant les années qui précèdent immédiatement la guerre de 1914, plus d'idées neuves qu'aucun autre artiste d'avant-garde. Il aurait été cubiste comme Braque et Picasso, orphique comme Delaunay et il aurait de surplus inventé l'art abstrait, sans jamais consentir à exploiter systématiquement aucune de ces formules. En février 1928, Picabia prend part à l'exposition inaugurale de la Galerie Fabre à Cannes. Aux côtés d'aquarelles espagnoles, connues et prisées du public, apparaît le prototype des transparences à venir, Caraïbe et Papillon. Alors que le délaissement de la critique et des faveurs du public le menace, c'est cette seule oeuvre que La Révolution surréaliste daignera reproduire dans son édition du mois suivant.

Francis PICABIA (1879-1953)

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Gustave CARIOT (1872-1950) Les meules, soir d'été, 1918 Oil on canvas, signed and dated lower left 25 5/8 x 32 1/4 in.

Gustave CARIOT (1872-1950) Les meules, soir d'été, 1918 Huile sur toile, signée et datée en bas à gauche 65 x 82 cm - 25 5/8 x 32 1/4 in. Oil on canvas, signed and dated lower left

Gustave CARIOT (1872-1950)

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Paul-Elie GERNEZ (1888-1948) Nu allongé de dos dans un paysage, 1938 Pastel on paper, signed lower right. 13 3/4 x 23 5/8 in. ​​​​​​​PAUL-ÉLIE GERNEZ In 1888, Paul-Élie Gernez was born into a humble farm family in Onnaing, near Valen­ciennes. From the age of 13 to 22, he studied at the Valenciennes School of Fine Arts and took classes with Fortuné Layraud (1833- 1913). Gernez greatly admired Northern painting, which he studied at Northern museums. His artistic training deeply influenced his taste for academicism. In 1911, he became a drawing teacher at the Honfleur middle school, a position he held for over a decade. That city in Calvados is where he spent his entire career, splitting his time between his home on the banks of the Seine Estuary and frequent stays in Paris, where shows at the Bernheim-Jeune, Berthe Weill, Armand Drouant and Eugène Druet galleries and the Salon de la Société des Artistes Indépendants, Salon d'Automne and Salon des Tuileries raised his artistic profile. He also frequented a small circle of artist friends who introduced him to Félix Vallotton. The young Gernez painted religious subjects before turning mainly to five genres, occasion­ally drawing on examples from past centuries: landscapes, seascapes, still-lifes, nudes and portraits almost bordering on genre scenes. They make up most of his plentiful output, estimated at several thousand works. Unlike Henri de Saint-Delis, for example, Gernez did not chronicle the port's working activities or daily life in Honfleur. Instead, he focused on a feeling, examining the landscape in a much more atmospheric than anecdotal way. Like Eugène Boudin, he painted many excellent studies of the sky. Neo-impressionism, the Nabis and Cubism clearly influenced his early work, from the 1910s to the early 1920s. In 1922, he gradu­ally returned to more realistic figurative art and developed a more personal sensibility. The forms grew softer, but his signature “sty

Paul-Elie GERNEZ (1888-1948) Nu allongé de dos dans un paysage, 1938 Pastel sur papier, signé en bas à droite 35 x 60 cm  Un certificat rédigé par René Courdille, beau-fils de l'artiste, en date du 12 juin 1989 sera remis à l'acquéreur PROVENANCE Collection privée, région parisienne PAUL-ÉLIE GERNEZ Paul-Élie Gernez est né en 1888 à Onnaing, près de Valenciennes dans un milieu paysan modeste. De 13 à 22 ans, il est élève à l'École des Beaux-Arts de Valenciennes et suit les enseignements de Fortuné Layraud (1833-1913). Grand admirateur des peintres du Nord dont il étudie les oeuvres aux cimaises des musées septentrionaux, sa formation artistique ancre profondément son goût pour l'académisme. En 1911, Gernez est nommé professeur de dessin au collège d'Honfleur, poste qu'il pendant plus d'une décennie. C'est dans cette ville du Calvados que se déroulera l'ensemble de sa carrière, partageant son temps entre sa résidence au bord de l'estuaire de la Seine et de fréquents séjours à Paris. Il entretient ainsi dans la capitale française une grande visibilité artistique grâce à ses expositions dans les galeries: chez Bernheim-Jeune, Berthe Weill, Armand Drouant, Eugène Druet et les salons Société des Artistes Indépendants, Salon d'Automne, Salon des Tuileries. Gernez fréquente également un monde restreint d'amitiés artistiques dans lequel l'introduit notamment Félix Vallotton. Après s'être confronté aux sujets religieux dans sa jeunesse, l'oeuvre de Paul-Élie Gernez va se décliner principalement en quatre genres, dont il puisera ponctuellement des exemples dans les siècles passés. Les paysages: les marines en particulier, les natures mortes, les nus et enfin les portraits confinant presque à la scène de genre. Ces quelques genres vont donc constituer l'essentiel d'une production abondante, dont on estime le nombre à quelques milliers d'oeuvres. A la différence d'un Henri de Saint-Delis, par exemple, Gernez n'est pas à Honfleur le peintre

Paul-Elie GERNEZ (1888-1948)

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Paul-Elie GERNEZ (1888-1948) Jeune femme au chignon ou Marinette Pastel on paper, signed on the bottom 22 1/8 x 18 1/2 in.

Paul-Elie GERNEZ (1888-1948) Jeune femme au chignon ou Marinette Pastel sur papier, signée en bas 56,2 x 47 cm  Le certificat rédigé par René Courdille, beau-fils de l'artiste, en date du 12 juin 1989 sera remis à l'acquéreur PROVENANCE Collection privée, région parisienne.

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Théodore Jacques RALLI (1852-1909) Paysages, 1908 Huile sur quatre panneaux, deux sont signées et datées en bas à gauche 124 x 34 cm PROVENANCE Collection privée, Paris Puis par descendance

Théodore Jacques RALLI (1852-1909)

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KATHLEEN LETITIA O'CONNOR (1876-1968) Au jardin. Au verso: jeune femme assise Huile sur carton, monogrammée en bas à gauche 50 x 65 cm - 19 11/16 x 25 9/16 in. Oil on cardboard, monogramed lower left PROVENANCE Collection privée, Yvelines

KATHLEEN LETITIA O'CONNOR (1876-1968)

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Maximilien Luce (1858-1941) Travailleur au chapeau, portrait présumé d'Henri Givort Huile sur toile signée en bas à gauche 24 x 20 cm - 9 1/2 x 7 7/8 in. Oil on canvas signed lower left Nous remercions Denise Bazetoux d'avoir bien voulu confirmer l'authenticité de cette oeuvre

Maximilien Luce (1858-1941)

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Charles-Henry CONTENCIN (1898-1955) Vue du Lac Cornu - Chamonix Huile sur toile, signée en bas à gauche 81 x 130 cm - 31 7/8 x 51 1/8 in. Oil on canvas, signed lower left PROVENANCE Collection privée, région lyonnaise

Charles-Henry CONTENCIN (1898-1955)

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Jules ZINGG (1882-1942) La grande vallée à l'automne Huile sur toile, signée en bas à droite 73 x 100.5 cm - 28 3/4 x 39 5/8 in. Oil on canva, signed lower right Le certificat rédigé par Michelle Zingg, petite fille de l'artiste, en date du 12 mars 1997, sera remis à l'acquéreur PROVENANCE Collection privée, région parisienne

Jules ZINGG (1882-1942)

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Jules ZINGG (1882-1942) Maisons sur la colline, temps d'automne Huile sur panneau, signée en bas à gauche 30 x 50 cm - 11 3/4 x 19 5/8 in. Oil on panel, signed lower left Le certificat rédigé par Gérard Zingg, petit-fils de l'artiste, en date du 23 janvier 1989 sera remis à l'acquéreur. PROVENANCE Collection privée, région parisienne

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Jules ZINGG (1882-1942) Chemin d'automne, Vosges, 1917 Oil on cardboard, signed and dated lower right, located on the back. 12 5/8 x 16 in. PROVENANCE Collection privée, région parisienne JULES ZINGG (1882-1942) Jules-Emile Zingg was a French painter and printmaker. Born 1882 in Montbéliard, he attended school while studying drawing at night. His father, a watchmaker, taught him the basics of his trade. In his late teens, Zingg joined Félix-Henri Giacomotti's studio at the Besançon School of Fine Arts and that of Fernand Cormon at the Paris School of Fine Arts in 1902. At first, Zingg just painted portraits of local notables. His first success came in 1911, when he won the Prix de Rome for his painting Christ Before Being Put on the Cross, fol­lowed by the Grand Prix National in 1913. The outbreak of the Great War prompted him to leave for Perros-Guirec in Brittany, where he met Maurice Denis and Paul Sérusier. Those encounters were decisive. He rejected the academicism of his early works to embrace the Nabi movement. This new influence led him to opt for greater simplification of the subject and warm, bright colours. He painted French landscapes, especially in Brittany and Auvergne, and was particularly fond of the countryside, which he depicted with the changing seasons. In direct contact with nature and the people who work there, his work is an ode to peasant labour and to nature as a nurturing mother. Zingg always painted the land with a devouring passion and the warm, shimmering colours of his flat surfaces, paying tribute to the bond uniting man to the earth and the nobility of the eternal cycle of work in the fields. He met Edouard Vuillard, with whom he was responsible for depicting the realities of the 1917 front during a mission with the French Armed Forces. On the strength of these meetings and his integration into the Nabi movement, he participated in several exhibi­tions, including the Salon des Indépendants, Salon d

Jules ZINGG (1882-1942) Chemin d'automne, Vosges, 1917 Huile sur carton, signée et datée en bas à droite, située au dos 32 x 40.5 cm - 12 5/8 x 16 in. PROVENANCE Collection privée, région parisienne JULES ZINGG (1882-1942) Jules-émile Zingg est un peintre et graveur français. Né à Montbéliard en 1882, Zingg suit ses cours au Collège, en parallèle desquels il étudie le dessin le soir. Son père, horloger de métier, lui enseigne les fondements de sa profession. A la fin de son adolescence, il entre à l'atelier de Félix-Henri Giacomotti, à l'Ecole des Beaux-Arts de Besançon, puis dans celui de Fernand Cormon, à l'Ecole des Beaux-Arts de Paris, à partir de 1902. A ses débuts, Jules-Emile Zingg ne réalise que les portraits des notables locaux. Son premier succès réside dans l'obtention du Prix de Rome, en 1911, avec sa peinture du Christ avant la mise en croix, puis du Grand Prix National, en 1913. Les premiers troubles de la Grande Guerre le poussent à partir séjourner à Perros-Guirec, en Bretagne, où il fait la connaissance de Maurice Denis et de Paul Sérusier. Il s'agit là d'une rencontre décisive pour Zingg. En effet, le peintre abandonne l'académisme de ses premières oeuvres pour embrasser le mouvement des Nabis. Sous cette nouvelle influence, l'artiste opte pour une plus grande simplification du sujet, et utilise des couleurs vives et chaudes. Peintre du paysage français, notamment de Bretagne, ou en Auvergne, le peintre affectionne particulièrement l'univers rural, qu'il représente au fil des saisons. Il est en contact direct avec la nature et les gens qui y travaillent. L'oeuvre de Zingg est une ode au travail paysan et à la nature comme mère nourricière. C'est toujours la terre que Zingg peint avec une passion dévorante grâce à des aplats des couleurs chaudes et chatoyantes. Il rend hommage au lien qui unit l'homme à la terre et la noblesse de l'éternel recommencement du travail aux champs. Il rencontre E

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Bernard GANTNER (1928-2018) L'église du village, 1957 Huile sur toile, signée et datée en bas vers la gauche 114 x 146 cm - 44 7/8 x 57 1/2 in. Oil on canvas, signed and dated lower left PROVENANCE Collection privée, région parisienne

Bernard GANTNER (1928-2018)

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Jules-Emile ZINGG (1882-1942) Travaux d'hiver en Auvergne, 1919 Huile sur toile,signée et datée en bas à droite 73 x 116 cm - 28 3/4 x 45 5/8 in Oil on canvas, signed and dated lower right La copie du certificat rédigéle 2 novembre 2000 par Patrice Barbé, sera remis à l'acquéreur PROVENANCE Collection privée, région parisienne

Jules-Emile ZINGG (1882-1942)

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