Aguttes

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Impressionnistes & Moderne - Art Contemporain

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Jean-Louis FORAIN (1852-1931) Watercolor and ink on paper, signed and dedicated to princess Murat 11 x 8 11/16 in

Jean-Louis FORAIN (1852-1931) Un coin d'atelier Encre et aquarelle, dédicacée et signée à la princesse Lucien Murat 28 x 22 cm à vue PROVENANCE Collection Marie de Rohan-Chabot, Princesse Lucien Murat Transmis familialement

Jean-Louis FORAIN (1852-1931)

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Eugène BOUDIN (1824-1898) Oil on panel, signed and dated lower left 13 3/4 x 10 5/8 in. Eugène Boudin was born in Honfleur in 1824, when he was 11, he was taken on as a cabin boy on a boat that sailed regularly between Le Havre and Honfleur. He was then employed as an assistant in a printworks. This was when he began to draw, becoming friends with Jean- François Millet and Thomas Couture, who encouraged him in this direction. In 1846, he entered the Municipal School of Drawing in Le Havre. In 1851, he moved to Paris, where he visited Eugène Isabey's studio. In 1859 he exhibited for the first time at the Salon and met Courbet and Jongkind. He increasingly began to depict the subjects familiar to him: seascapes, boats and ports. Gradually, with the increasing popularity of sea bathing in the 1860s, Deauville and Trouville became highly sought-after seaside resorts. In this context, Boudin began to paint the walks and conversations of the aristocracy, as well as views of the port and other scenes depicting the pleasant lifestyle of these holidaymakers. Normandy and its landscapes became a real source of inspiration for Boudin, who portrayed a calm and dispassionate vision of the sea. His seascapes of the 1860s heralded the Impres­sionist movement, and he established himself as the seascape painter par excellence. All Boudin's talent and aesthetic explorations were embodied in his rendering of sky and water. The sky took on huge importance in his works| he succeeded in capturing and expressing light with remarkable sensibility, painting every type of cloud with consum­mate delicacy. The viewer can really sense the salty atmosphere of the coast and the sea. Boudin's landscapes were a mere pretext for depicting the sky. Monet described him as "the king of skies". The painting we are presenting is a perfect illustration of Boudin's talent for seascapes.

Eugène BOUDIN (1824-1898) Trouville, les jetées, marée basse, 1890 Huile sur panneau, signée et datée en bas à gauche 35 x 27 cm PROVENANCE Collection Gérard, Paris Collection privée, Ain BIBLIOGRAPHIE Robert Schmit, Eugène Boudin, 1824-1898, Paris, 1973, n. 2679. p. 48 Eugène Boudin naît en 1824 à Honfleur. A ses 11 ans, il est engagé comme mousse sur un bateau reliant le Havre à Honfleur. Il est ensuite employé comme commis dans une imprimerie, c'est là qu'il commence le dessin et se lie d'amitié avec Jean-François Millet et Thomas Couture qui vont l'encourager dans cette voie. Il s'inscrit en 1846, à l'Ecole municipale de dessin du Havre. En 1851, il arrive à Paris et fréquente l'atelier du peintre Eugène Isabey. En 1859, il expose pour la première fois au Salon et rencontre Courbet et Jongkind. Il s'oriente de plus en plus vers la représentation de ces éléments qui lui sont si familiers: des paysages marins, des bateaux et des ports. Petit à petit, avec le développement des bains de mer dans les années 1860, Deauville et Trouville deviennent des stations balnéaires très prisées. C'est dans ce contexte que Boudin commence à peindre les promenades de l'aristocratie, leurs conversations, des vues du port, et d'autres représentations de la douce vie mondaine de ces vacanciers. La Normandie et ses paysages deviennent une véritable source d'inspiration pour Boudin. Il propose une vision objective et apaisée de la mer. Ses marines exécutées dans les années 1860, annoncent la tendance impressionniste. Il est connu comme le peintre de marine par excellence. Tout le talent et la recherche esthétique de Boudin sont condensés dans le rendu de l'eau et du ciel. Le ciel prend une importance immense dans ses oeuvres, il réussit à capter et restituer la lumière avec une sensibilité très particulière, il arrive à peindre toutes les variétés des nuages avec délicatesse. On y ressent toute l'atmosphère salée de la côte et de la v

Eugène BOUDIN (1824-1898)

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Moïse KISLING (1891-1953) Oil on canvas, signed and dated lower right, countersigned, situated and dated on reverse 13 3/4 x 10 5/8 in.

Moïse KISLING (1891-1953) Port de Marseille, Août 1918 Huile sur toile, signée et datée en bas à droite, contresignée, située et datée au dos 35 x 27 cm Le certificat rédigé par Jean Kisling en date du 9 avril 1989 sera remis à l'acquéreur. Cette oeuvre sera inclue dans le tome IV et additif aux tomes I, II, III du catalogue raisonné de l'oeuvre de Moise Kisling en cours d'achèvement par Marc Ottavi BIBLIOGRAPHIE J. Dutourd and J. Kisling, Kisling, Landshut, 1995, vol. III, p. 315, n°46 PROVENANCE Collection Marie de Rohan-Chabot, princesse Lucien Murat, Paris Transmis familialement Moïse Kisling (1891-1953) est né à Cracovie en Pologne| Elève à l'Ecole des Beaux-Arts de Cracovie, il suit les cours de Josef Pankiewicz, figure de proue de l'art impressionniste polonais du XXe siècle. Impressionné par le grand talent de son élève, ce dernier lui conseille de se rendre à Paris dans les années 1910. Dans l'atmosphère d'émulation artistique parisienne du début du siècle, Kisling fait la rencontre d'artistes notoires comme Picasso, Soutine, ou encore Modigliani dont il devient l'ami proche. Aux côtés de ces artistes, il fait alors partie de ce qu'on appelle «l'Ecole de Paris», notion faisant référence à toute la génération d'artistes qui ont été à l'origine de l'Art Moderne. En 1919, Il expose à la Galerie Druet et ce qui lui permet d'acquérir une certaine notoriété. D'abord nourri par la peinture d'André Derain et de Jean Cocteau, il se tourne ensuite vers les précurseurs de l'abstraction sous l'influence des cubistes comme Braque et de Picasso. L'année 1918 est une année fructueuse en paysage méditerranéen pour Kisling. Ce tableau que nous présentons à la vente en est un bel exemple, l'artiste y représente des bateaux amarrés dans le port de Marseille. La palette utilisée est chaude et douce. L'eau et le ciel, représentés tout deux par des blancs qui donnent une luminosité particulière à l'oeuvre. Le peintre lais

Moïse KISLING (1891-1953)

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Moïse KISLING (1891-1953) Oil on canvas, signed lower right 10 5/8 x 8 11/16 in. Moïse Kisling (1891-1953) was born in Krakow, in Poland. He studied at the Krakow Fine Arts School with Josef Pankiewicz, a figurehead of 20th Polish century Impressionist art. In the 1910s, much taken by his pupil's remarkable talent, he suggested he go to Paris. In the bubbling atmosphere of early 20th cen­tury art in Paris, Kisling met various prominent artists like Picasso, Soutine and particularly Modigliani, who became a close friend. Along­side these artists, he became part of what became known as the "Paris School": a whole generation of artists at the origin of Modern Art. In 1919, he exhibited at the Druet gallery, enabling him to establish a certain reputation. First inspired by the painting of André Derain and Jean Cocteau, he then turned to the fore­runners of abstraction under the influence of cubists like Braque and Picasso. Known and liked above all for his approach to the feminine, he made a name with his nudes and portraits. The piece presented today is a perfect example of his talent and ability to show women in all their humanity. This work is remarkable as it is constructed around a carefully studied ambivalence. The young woman is presented to the gaze in all her untrammelled nudity, set off by the curtains in the background evoking the stage of a theatre or cabaret. Yet, in a beautiful, modest gesture, she veils her body, protecting herself from the probing eye of the artist and the viewer. The play on opposites is not only thematic| it is also found in the palette, where Kisling uses cool shades for the curtains but very warm colours for the protagonist's body. The sense of surprising this young woman in a private moment is emphasised by the small size of the picture and its very tight composition, which isolates the figure. Here, the eternal subject of the nude is given extremely modern treatment by Kisling, who creates a fragile balance in this work b

Moïse KISLING (1891-1953) Nu assis, 1923 Huile sur toile, signée en bas à droite 27 x 22 cm Le certificat rédigé par Jean Kisling en date du 9 avril 1989 sera remis à l'acquéreur Cette oeuvre sera inclue dans le tome IV et additif aux tomes I, II, III du catalogue raisonné de l'oeuvre de Moise Kisling en cours d'achèvement par Marc Ottavi BIBLIOGRAPHIE J. Dutourd and J. Kisling, Kisling, Landshut, 1995, vol. III, p. 369, n. 30 PROVENANCE Collection Marie de Rohan-Chabot, princesse Lucien Murat, Paris Transmis familialement Surtout connu et apprécié pour son regard sur la féminité, ses nus et ses portraits lui apportent une grande renommée. L'oeuvre que nous présentons aujourd'hui est un parfait exemple de ses aptitudes et de son habileté à représenter la femme dans toute son humanité. Cette oeuvre est exceptionnelle car elle est construite autour d'une ambivalence très étudiée. Cette jeune femme est offerte à l'oeil du spectateur dans une nudité totale et crue, mise en scène par les rideaux de l'arrière-plan qui ne sont pas sans rappeler la scène d'un théâtre ou d'un cabaret. Pourtant avec un très beau geste de pudeur, elle voile son corps, elle se protège du regard extérieur de l'artiste et du spectateur. Les jeux d'opposition ne sont pas que thématiques, on les retrouve dans la palette de Kisling qui utilise des tons froids pour les rideaux mais des tons très chauds pour le corps du protagoniste. L'impression de surprendre cette jeune femme dans son intimité est renforcée par le format réduit du tableau et son cadrage très serré, isolant la jeune femme. La thématique éternelle du nu est ici extrêmement modernisée par Kisling qui crée dans cet oeuvre un équilibre fragile entre la réalité de la nudité féminine mais aussi sa pudeur et sa simplicité. "Un équilibre fragile entre la réalité de la nudité féminine mais aussi sa pudeur et sa simplicité."

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PABLO PICASSO (1881 - 1973) Scène bacchique au minotaure. 18 - 05 - 33 Eau-forte. Planche 85 de la Suite Vollard. Epreuve signée en bas à droite du tirage à 260 exemplaires sur petit papier vergé de Montval, au filigrane Picasso. Légers plis ondulés. (Bloch 192| Baer 351) 29, 5 x 36 cm Feuillet: 34 x 45 cm Mention d'un certificat en date de 2013 au verso Cadre. Expert: Sylvie Collignon

PABLO PICASSO (1881 - 1973)

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Jean-Gabriel DOMERGUE (1889-1962) Oil on canvas, signed and dated lower left, titled on reverse 27 3/16 x 22 5/8 in. Jean-Gabriel Domergue was born on 4 March 1889 in Bordeaux. His talent was soon rec­ognised, and he received numerous prizes, including the second Grand Prix de Rome in 1913, when he was only 24, and the Gold Medal at the Salon des Artistes Français in 1920 for his Douce Illusion. Guillaume Apollinaire wrote: “This highly tal­ented young man is destined for a brilliant future.” Though Domergue painted landscapes, genre scenes and flowers, he was particularly sought after for his portraits of famous figures of the time. His singular style rapidly gained a fol­lowing on the international stage. The enchanting portrait here is a fine example of this major painter's talent.

Jean-Gabriel DOMERGUE (1889-1962) Miss Dorothy, 1926 Huile sur toile, signée et datée en bas à gauche, titrée au dos 69 x 57.5 cm PROVENANCE Collection privée, région parisienne Jean-Gabriel Domergue est né le 4 mars 1889 à Bordeaux. Son talent est rapidement reconnu et il reçoit de très nombreux prix, comme, par exemple, le 2nd grand prix de Rome en 1913, alors qu'il n'a que 24 ans, ou la médaille d'or du Salon des artistes français en 1920 pour sa Douce Illusion. Si Domergue peint des paysages, des scènes de genre, des fleurs... c'est pour les portraits des célébrités de son époque qu'il sera par­ticulièrement recherché. En effet, son style particulier est rapidement apprécié de manière internationale. Le ravissant portrait ici présenté est un très beau témoignage du talent de ce grand peintre "Ce jeune homme plein de talent est promis à un brillant avenir." Guillaume Apollinaire Salon de 1911

Jean-Gabriel DOMERGUE (1889-1962)

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HENRI MATISSE (1869 - 1964) Frontispice pour «Pierres levées», poèmes de Jules Romains. 1948 Lithographie sur chine appliquée sur vélin, signée Légers plis ondulés, petites pliures pincées dans le haut, quelques incrustations de fibres dans le chine. Feuillet maintenu par des pattes de montage au verso. Cadre (Claude Duthuit 23) 24,5 x 18,5 cm - 9 5/8 x 7 1/4 in Feuillet: 27,5 x 22, 5 cm Sheet: 10 13/16 x 8 7/8 in. Expert: Sylvie Collignon

HENRI MATISSE (1869 - 1964)

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Marie LAURENCIN (1883-1956) Watercolor and pencil on paper, signed lower right 13 3/8 x 9 7/8 in. Marie Laurencin was born in 1883 as an illegit­imate child, and received a well-rounded mid­dle-class education. Her natural inclination for the arts, whether literature, painting or music, led her to study drawing at the Paris municipal art school and the Académie Humbert. She exhibited for the first time in 1907, then meeting Picasso, and becoming close to the artists of the Bateau-Lavoir. She had strong connections with the Fauvists and Cubists, and incorporated many of their aesthetic inno­vations into her work, like the simplification of forms. Yet she remained on the margin of these artistic groups and created her own style. She mainly painted slender, diaphanous female figures in a restricted, liquid palette. This watercolour encapsulates the main prin­ciples of her work. It is a double portrait of two very young women, whose sweet faces are set off by light, pale pink clothing. The use of watercolour contributes to the impression of evanescence created by the two sylphs, as it enables the artist to make play with the material and transparency. The palette is also very typical of her work. It remains within her usual range of greys, pinks and blues, which enchantingly highlight the fragility and delicacy of the girls. With their white skin, similar hairstyles and veil-like dresses, they seem to come straight out of a dream. The indistinct background enhances the sense of the immaterial and fantastic that makes Laurencin's work so poetic.

Marie LAURENCIN (1883-1956) Deux jeunes filles Aquarelle et crayon sur papier, signée en bas à droite 34 x 25 cm PROVENANCE Collection Marie de Rohan-Chabot, princesse Lucien Murat, Paris Transmis familialement Marie Laurencin est née en 1883, enfant naturelle, elle reçoit une éducation bourgeoise et complète. Son inclination naturelle pour l'art, que ce soit la littérature, la peinture ou la musique la conduit à suivre les cours de dessin de la ville de Paris et de l'Académie Humbert. En 1907 elle expose pour la première fois. Elle rencontre Picasso et se rapproche des artistes du Bateau-Lavoir. Très introduite parmi les fauvistes et les cubistes, elle intègre certaines de leurs innovations esthétiques à son oeuvre, comme la simplification de formes. Pourtant elle reste à la marge de ces groupes d'artistes et crée son propre style. Elle peint surtout des personnages féminins, élancés et vaporeux, dans une palette réduite et liquide. Cette aquarelle de Marie Laurencin condense tous les grands principes de son oeuvre. Il s'agit d'un double portrait de très jeunes femmes aux visages doux, rehaussés par leur tenue légère aux tons rose pâle. L'utilisation de l'aquarelle participe à cette impression d'évanescente qui se dégage de ces deux sylphides permettant de jouer sur les matières et les transparences. La palette aussi est très typique de l'oeuvre de l'artiste, elle reste dans une gamme de gris, de roses et de bleus habituels qui soulignent avec enchantement la fragilité et la délicatesse des jeunes femmes. Avec leur peau blanche, leurs coiffures similaires et leurs tenues constituées de voiles, elles semblent tout droit sorties d'une rêverie. Le fait que l'arrière-plan ne soit pas reconnaissable renforce cette impression d'immatériel et de fantastique qui fait toute la poésie de l'oeuvre de Marie Laurencin. Nous remercions monsieur Marchesseau d’avoir aimablement confirmé que cette œuvre est répertoriée dans ses « Archives Marie Laure

Marie LAURENCIN (1883-1956)

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Édouard Léon CORTES (1882-1969) Oil on canvas, signed lower right 18 1/8 x 21 5/8 in Edouard Léon Cortès, himself the son of a painter and grandson of a craftsman, was born in 1882 in Lagny sur Marne. Following in the footsteps of his father, a well-known artist at the Spanish court, he entered the Paris Ecole des Beaux-Arts at 17. He exhibited at the 1902 Salon, when he was barely 20, and was much acclaimed for a Paris street scene at night. Acknowledged by his peers and admired by collectors and art lovers, he ceaselessly continued his endeavours to capture and convey the unique ambiance of Paris. With his entirely impressionistic approach, he was chiefly interested light and the changes it brought about. His immense talent lay in the way he imbued his paintings with an inner radiance - here, his painting is illuminated by the electric lamps reflected in the wet surroundings of a rainy city in the evening. He became a witness to the city's modernity and daily life, poetically highlighting the beauty of this ever-changing urban landscape

Édouard Léon CORTES (1882-1969) Omnibus sur le boulevard de la Madeleine Huile sur toile, signée en bas à droite 46 x 55 cm BIBLIOGRAPHIE Collection privée, sud de la France PROVENANCE Verdier Nicole, Catalogue raisonné de l'oeuvre peint, Tome II, Paris, 2009, décrit et reproduit sous le numéro 897, p.215 Edouard Léon Cortès, lui-même fils de peintre et petit-fils d'artisan est né 1882 à Lagny sur Marne. Marchant sur les traces de son père, peintre réputé à la cour d'Espagne, il entre à l'Ecole des Beaux-Arts à 17 ans. Agé d'à peine vingt ans, il expose au Salon de 1902 et remporte un vif succès grâce à une vue des rues de Paris la nuit. Reconnu par ses pairs, admirés par les collectionneurs et les amateurs, il n'aura de cesse de tenter de capter et de partager l'atmosphère unique de Paris. Dans une logique toute impressionniste c'est la lumière et les changements qu'elle opère qui l'intéressent. En effet, son immense talent réside dans sa façon de faire rayonner ses toiles de l'intérieur. En l'occurrence ici, ce sont les lumières électriques du soir, qui se réverbèrent dans l'humidité pluvieuse de la ville, qui illuminent sa toile. Il se fait donc le spectateur de la modernité de la ville et de sa vie quotidienne tout en parvenant à la poétiser en mettant en exergue la beauté de cette ville qui se transforme. "Ses toiles, résolument impressionnistes, sont le lieu de la rencontre entre les effets atmosphériques et ceux, changeants, de la lumière."

Édouard Léon CORTES (1882-1969)

Édouard Léon CORTES (1882-1969) Omnibus sur le boulevard de la Madeleine Huile sur toile, signée en bas à droite 46 x 55 cm - 18 1/8 x 21 5/8 in Oil on canvas, signed lower right BIBLIOGRAPHIE Collection privée, sud de la France PROVENANCE Verdier Nicole, Catalogue raisonné de l'oeuvre peint, Tome II, Paris, 2009, décrit et reproduit sous le numéro 897, p.215 Son père, avant d'émigrer en France, recevait les faveurs des grands de la cour d'Espagne et lui enseigne lui-même le dessin et la peinture avant de l'envoyer à l'Ecole des Beaux-Arts de Paris. Il expose ses premières oeuvres au Salon de 1902 qui rencontrent immédiatement un vif succès. Admis dans la Société des Artistes français, il expose tous les ans, et reçoit plusieurs récompenses honorifiques, notamment une médaille d'or au Salon des Indépendants. L'artiste est plutôt fidèle à l'enseignement de la génération de Monet que suiveur de ses contemporains comme Matisse ou Derain. Qu'il s'agisse de villages de campagne ou de scènes de rues parisiennes souvent idéalisées, ses toiles, résolument impressionnistes, sont le lieu de la rencontre entre les effets atmosphériques et ceux, changeants, de la lumière. Before emigrating to France, his father was a successful artist with the nobility of the Spanish court, and taught his son drawing and painting before sending him to the Ecole des Beaux- Arts in Paris. Edouard exhibited his first works at the Salon of 1902, which were extremely well received. Admitted to the Société des Artistes Français, he exhibited every year and received several honorary awards, including a Gold Medal at the Salon des Indépendants. The artist was more influenced by the teaching of Monet's generation than by his contemporaries, such as Matisse or Derain. His decidedly Impressionistic paintings of country villages and often idealised Parisian street scenes featured atmospheric effects and those of changing light.

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Jean DUFY (1888-1964) Oil on canvas, signed lower right 31 1/2 x 38 3/8 in. Here we have a phantasmagorical seascape before us. Dufy has painted a view that is clearly a port, but his use of colour makes it unreal and almost magical. His technique is totally recognisable and personal| he takes inspiration from the art of the avant-gardes but creates a unique style. The colours do not necessarily reflect the forms, still less reality, nor is abstraction involved here| everything creates a feeling of reverie. Jean Dufy was born in Le Havre in 1888, the seventh of eleven children. His childhood was bathed in the music of his father, a tal­ented amateur, and his reading of Romantic writers, particularly Baudelaire, Mallarmé and Rimbaud. In 1906, he experienced a reve­lation when he discovered Matisse, Derain and Picasso at an exhibition of modern art in Le Havre. Jean Dufy was an exceptional colourist who imbibed the work of Cézanne, Braque and Picasso, mingling colours with their opposites, and making play with the material to create vibrantly unique works.

Jean DUFY (1888-1964) Le port Huile sur toile, signée en bas à droite 81 x 100 cm Le certiificat n° 3324 rédigé par Jacques Bailly le 20 juillet 1998, indiquant une insertion au catalogue raisonné en préparation sera remis à l'acquéreur PROVENANCE Galerie Félix Vercel, New-York Vente Anaf, Lyon, 7 juin 2000 Collection privée, Lyon Ici nous sommes face à une marine fantasmagorique, Dufy représente une vue de port reconnaissable mais son utilisation de la couleur la rend irréelle, presque magique. Sa technique est tout à fait reconnaissable et personnelle, il s'inspire de l'art des avant-gardes mais il crée un style unique. Les couleurs ne respectant pas obligatoirement les formes et encore moins la réalité, il ne s'agit pour pas d'abstraction, ce qui crée cette sensation de rêverie. Jean Dufy est né en 1888 au Havre, il est le septième d'une famille de onze enfants. Sa jeunesse est bercée par la musique de son père, amateur talentueux et par ses lectures romantiques il aime tout particulièrement Baudelaire, Mallarmé ou Rimbaud. C'est en 1906, grâce à une exposition d'art moderne qui se tient au Havre que Jean Dufy a sa révélation, il découvre Matisse, Derain et même Picasso. Jean Dufy est un coloriste exceptionnel, il se nourrit de l'oeuvre de Cézanne, de celle de Braque et de Picasso pour mélanger les couleurs, opposées, et jouer sur la matière pour créer des oeuvres tout à fait uniques.

Jean DUFY (1888-1964)

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Bernard BUFFET (1928-1999) Oil on board, signed on the top 13 5/8 x 10 2/3 in. Born in 1928 into a petit bourgeois family, Bernard Buffet is now considered one of the greatest artists of the 20th century, though he was frequently lambasted by the critics during his lifetime. He drew endlessly from childhood onwards, painting on his grandmother's tablecloths and sheets. His oils of male nudes brought him to the fore in the 1940s, by which time his palette was already dark, marked by the austerity of the post-war period. At the end of the decade, galleries began to take a strong interest in his work, and the Drouant-David, later the David & Garnier and then the Maurice Garnier gallery (Rue Matignon), devoted a solo exhibition to him in February each year. In 1952, these exhibitions became thematic, though he also continued to work in the major genres, with portraits, landscapes and still lifes. A great admirer of Rembrandt (and like him an impassioned, unrelenting worker), as well as Cézanne and Courbet, he would shut himself up in his studio for hours on end, away from the violence of the world. He soon moved away from these early influences and developed his own intrinsic style with its sharp, cutting lines. His commercial success permitted him the luxury of being able to isolate himself from the hurly-burly of Paris life, and to produce over 8,000 works during his career. Paradoxically, he was also a man of the world. As Pierre Bergé's companion for eight years, he regularly made the magazine covers. His taste for luxury, con­sidered ostentatious, earned him keen criticism during his lifetime. The artist who painted the poverty of his youth was now attracted by mon­umental, more mystical painting. Through annual exhibitions of his works, Maurice Garnier put the crowning touch to the career of an artist who was disparaged and adulated in turn. In 1958, Buffet met Annabelle. It was love at first sight: they married, and stayed togethe

Bernard BUFFET (1928-1999) Nature morte sur la chaise Huile sur isorel, signée en haut 35 x 27 cm Le certificat de Maurice Garnier rédigé en date du 20 décembre 1984 sera remis à l'acquéreur. PROVENANCE Galerie Maurice Garnier Galerie Christiane Vallé Collection privée, France Né en 1928 dans une famille de la petite bourgeoisie, Bernard Buffet est considéré comme l'un des plus grands artistes du XXe, lui qui a pourtant subi par moments les foudres de la critique de son vivant. Il dessine sans arrêt dès son enfance, peignant sur les nappes et les draps de sa grand-mère. Ses toiles représentant des nus masculins lui valent de se faire remarquer à partir des années 40, alors que sa palette est déjà sombre, marquée par l'austérité de la période d'après-guerre. A la fin de cette décennie, les galeries ne tardent plus à s'intéresser à ses oeuvres et c'est la galerie Drouant- David, devenue Galerie David et Garnier puis Maurice Garnier (rue Matignon) lui consacre une exposition personnelle annuelle au mois de février. C'est à partir de 1952 que ces expositions deviennent thématiques, sans pour autant empiéter sur sa pratique régulière des grands genres (portrait, paysage et nature morte). Grand admirateur de Rembrandt, avec qui il partage le goût du travail passionné et acharné, ou Cézanne et Courbet, il peut s'isoler dans son atelier des heures durant, loin de la violence du monde. Il se détache rapidement de ces premières influences, pour adopter ce style qui lui est inhérent: des lignes aigues, coupantes. Son succès commercial lui permet de s'offrir le luxe de pouvoir s'isoler de l'agitation parisienne et de produire plus de 8 000 oeuvres dans sa carrière. Paradoxalement, c'est également un homme du monde. Celui qui fut le compagnon de Pierre Bergé pendant huit ans fait régulièrement la couverture des magazines. Son luxe jugé ostentatoire lui vaut de vives critiques de son vivant: lui qui peignait la pauvreté de s

Bernard BUFFET (1928-1999)

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Yves KLEIN (1928-1962) Painted bronze with IKB color, plexiglass and golden leaf 43/4 x 3 x 31/4 in. “In conclusion, my goal is twofold: first, to record the trace of human sentimentality in present-day civilisation| second, to record the trace of fire, which has engendered this very same civilisation.” Yves Klein, Chelsea Hotel Manifesto, 1961.

Yves KLEIN (1928-1962) Petite vénus bleue Bronze peint avec la couleur IKB, plexiglass et feuille d'or, numéroté 389/500 12 x 7,5 x 8,5 cm Nous remercions Les Archives Yves Klein d'avoir confirmé l'authenticité de cette oeuvre. "En somme, mon propos est double: tout d'abord enregistrer l'empreinte de la sentimentalité de l'homme dans la civilisation actuelle| et ensuite, enregistrer la trace de ce qui précisément avait engendré cette même civilisation." Yves Klein, Manifeste de l'hôtel Chelsea, 1961.

Yves KLEIN (1928-1962)

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Zoran Antonio MUSIC (1909-2005) Oil on canvas, signed, dated lower left, countersigned, titled and dated on reverse 211/4 x 255/8 in. Zoran Music was a Slovenian painter and printmaker born in 1909. He belonged to the Paris School, which included foreign artists in 20th-century Paris who helped to make the city an international art capital. Music found his aesthetic way by depicting animals and nature, especially in his native Dalmatia. Byzantine art as well as Italian painters such as Giotto and Cimabue were his influences.

Zoran Antonio MUSIC (1909-2005) Paysage rocheux, 1977 Huile sur toile, signée, datée en bas à gauche, contresignée, titrée et datée au dos 54 x 65 cm PROVENANCE Collection privée, Belgique Zoran Music est un artiste peintre et graveur slovène né en 1909. Il fait partie de ce qu'on appelle L'école de Paris qui regroupe des artistes étrangers à Paris au XXe siècle et qui ont contribué à en faire une capitale artistique internationale. Music trouve sa voie picturale dans la représentation des animaux et de la nature en particulier en représentant sa Dalmatie natale. Ses influences sont l'art byzantin ainsi que les peintres italiens tels Giotto et Cimabue.

Zoran Antonio MUSIC (1909-2005)

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Maria Elena VIEIRA DA SILVA (1908-1992) Tempera and charcoal on paper, signed and dated lower right 193/4 x 26 in. Maria Helena Vieira da Silva was born 1908 in Lisbon. She lost her father at the age of two and forged a very close bond with her mother, who supported her artistic aspirations. Twenty years later, da Silva moved to Paris, where she studied painting at Fernand Léger's Academy and sculpture with Bourdelle. In 1932 she attended Bissière's studio and learned many of her painting's features from him. Like Bissière, she found inspiration in Cubism's simple forms and brown palette. Yet her style was very personal and inspired by the avant-garde, particularly Cézanne. Considered the head of the abstract landscape movement, her works are an interpretation of reality, made up of a kind of patchwork of shapes and colours. "Everything amazes me. I paint my amazement, which is at the same time wonder, terror, laughter." Maria Elena Vieira Da Silva

Maria Elena VIEIRA DA SILVA (1908-1992) Mercure, 1982 Tempera et fusain sur papier Ingres, signé et daté en bas à droite 50 x 66 cm PROVENANCE Galerie Jeanne Bucher, Paris (numéro d'archive 6456)Collection privée, France BIBLIOGRAPHIE G. Weelen et J-F Jaeger, Vieira da Silva, Catalogue raisonné, Paris, 1994, p. 645, n° 3269 Maria Helena Vieira da Silva nait en 1908 à Lisbonne. Elle perd son père à l'âge de deux ans et crée avec sa mère une relation très fusionnelle. Celle-ci la soutient quand la jeune fille désire se lancer dans une carrière artistique. C'est vingt ans plus tard que Maria Helena Vieira da Silva s'installe à Paris, elle suit la formation de peinture de l'Académie de Fernand Léger et des cours de sculpture avec Bourdelle. En 1932 elle fréquente l'atelier de Bissière et tirera de ses enseignements beaucoup de traits de sa peinture. Comme lui elle se nourrit du cubisme pour la simplification des formes et l'utilisation d'une palette aux tons bruns. Son style lui est pourtant bien personnel, s'inspirant des Avant-Gardes, en particulier de l'oeuvre de Cézanne, elle est considérée comme le chef de file du mouvement du paysagisme abstrait. Ses oeuvres sont une interprétation de la réalité, constituée d'une sorte de patchwork de formes et de couleurs. "Tout m'étonne, je peins mon étonnement qui est à la fois émerveillement, terreur, rire." Maria Elena Vieira Da Silva

Maria Elena VIEIRA DA SILVA (1908-1992)

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MAHIEDDINE BAYA (1931-1998) Gouache on paper, signed and dated lower left 383/4 x 29 in.

MAHIEDDINE BAYA (1931-1998) Sans titre, 1992 Gouache sur papier, signée et datée en bas à gauche 98,5 x 73,5 cm

MAHIEDDINE BAYA (1931-1998)

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ROBERTO MATTA (1911-2002) Oil on canvas, signed lower right. 281/4 x 24 in. Roberto Matta was a Chilean Surrealist artist born in 1911. He studied architec­ture and worked in Le Corbusier's studio before meeting many of the 20th century's greatest artists, including Salvador Dali, Jackson Pollock and Marcel Duchamp. He quickly became the leader of a movement called “Automatism”, which allowed the sub­conscious mind to be reflected in artistic creation. “I start by staining the canvas. In this task I look for something that is unknown and unseen, something new for me. I work on it until it becomes even more unknown.” Roberto Matta

ROBERTO MATTA (1911-2002) Vivono in Venere, 1969 Huile sur toile, signée en bas à droite 72 x 61 cm Un certificat des "Archivio generale dell' opera di Matta", daté de 1981 sera remis à l'acquéreur. Nous remercions Germana Ferrari d'avoir confirmé l'authenticité de l'oeuvre et de son certificat. Roberto Matta né en 1911 est un artiste surréaliste chilien. Il suit d'abord des études d'architecture et commence dans l'atelier de Le Corbusier. Il fait la rencontre ensuite de nombreux grands artistes du XXe siècle notamment Salvador Dali, Jackson Pollock ou encore Marcel Duchamp. Il devient rapidement chef de file d'un courant appelé «L'automatisme», une nouvelle méthode qui permet de faire rejaillir dans la création artistique le subconscient. "Je commence par tacher la toile. Et dans la tache je cherche quelque chose, quelque chose qui n'est pas connu, qui n'est pas vu, quelque chose de nouveau pour moi, d'inconnu. Et je le travaille jusqu'à ce que cela devienne plus inconnu encore." Roberto Matta

ROBERTO MATTA (1911-2002)

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Georges Albert CYR (1880-1964) Oil on panel, signed lower left, titles and dated on reverse 24 x 19¾

Georges Albert CYR (1880-1964) Femme à la toilette, 1954-1956 Huile sur panneau, signée en bas à gauche, titrée et datée au dos 61 x 50 cm

Georges Albert CYR (1880-1964)

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Clément ROSENTHAL (né en 1956) Oil on canvas, signed on reverse 36 x 283/4 in.

Clément ROSENTHAL (né en 1956) Sans titre Huile sur toile, signée au dos 92 x 73 cm Nous remercions Clément Rosenthal d'avoir bien voulu confirmé l'authenticité de cette oeuvre. PROVENANCE Collection privée, île-de-France

Clément ROSENTHAL (né en 1956)

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Jean COCTEAU (1889-1963) Ceramic, annotated Atelier Madeline Joly on reverse and numbered 14/35. 113/4 in.

Jean COCTEAU (1889-1963) Séléné (l'oeil de la nuit) Céramique, annotée au dos Atelier Madeline Joly et numérotée 14/35 Diamètre 30 cm BIBLIOGRAPHIE Annie Guédras, Jean Cocteau, Poteries, Céramiques, 1957-1963, Catalogue raisonné, Paris 1989, p. 129, n. 196.

Jean COCTEAU (1889-1963)

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Fernandez ARMAN (1928-2005) Brown patina bronze, signed, numbered 284/300 and stamped Bocquel fondeur 13 x 51/4 in.

Fernandez ARMAN (1928-2005) Sans titre Bronze à patine brune, signé, numéroté 284/300 et marqué du cachet Bocquel fondeur 32,7 x 13,4 cm Cette oeuvre est répertoriée sous le numéro 9674 des archives Denyse Duran Ruel.

Fernandez ARMAN (1928-2005)

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Fernandez ARMAN (1928-2005) Polished bronze, on a marble base, signed and numbered 26/99 255/8 x 65/8 in.

Fernandez ARMAN (1928-2005) Pizzaiola Bronze poli, monté sur socle en marbre, signé et numéroté au revers en bas 26/99 65 x 22 cm

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Pierre SOULAGES (né en 1919) Etching, numbered 82/100 lower left and signed lower right 15 x 11 in. The work we are presenting for sale is a fine example of the perfection that Soulages sought to achieve in his black paintings. In the 1950s he began making prints with the aim of renewing his pictorial technique. The varnish on the etching's copper plate is scraped and scratched here. Soulages also used acid on the copper plate, which gives the work its per­foration effects. He made etching technically innovative by transforming the process, which was no longer traditional and conventional. "I started making prints because something appeared| something that could not appear in painting." Pierre Soulages

Pierre SOULAGES (né en 1919) Eau-forte XXIV, 1973 Eau forte, numérotée 82/100 en bas à gauche et signée en bas à droite 38 x 28 cm PROVENANCE Galerie Romanet, Paris (titré Petite Composition) Collection Privée, Neuilly-sur-Seine BIBLIOGRAPHIE Encrevé et Miessner, Soulages, L'oeuvre imprimé, Paris 2011, cat. 26. Editions Cercle d'art, Paris, Soulages, le temps du papier, 2009, reproduite p. 56-57 (oeuvre similaire) EXPOSITION Strasbourg, Musée d'Art Moderne et Contemporain de Strasbourg, Soulages, le temps du papier, 31 octobre 2009 - 3 janvier 2010 (oeuvre similaire) L'oeuvre que nous présentons à la vente est un bel exemple de la perfection que cherche à atteindre Soulages dans ses déclinaisons du noir. C'est dans les années 50 qu'il commence la gravure dans le but de renouveler sa technique picturale. Le vernis qui recouvre la plaque de cuivre de l'Eau-Forte est ici gratté et rayé. La plaque de cuivre est également travaillée par l'artiste à l'acide ce qui donne ces effets de perforations de l'oeuvre. Soulage transforme l'eau-forte en une oeuvre techniquement novatrice en transformant le procédé qui est alors plus traditionnel et conventionnel. "J'ai fait de la gravure parce que, avec la gravure, quelque chose apparaissait| quelque chose qui ne pouvait apparaître dans la peinture." Pierre Soulages

Pierre SOULAGES (né en 1919)

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Vladimir VELICKOVIC (né en 1935) Ink on paper, titled, dated and signed lower right 40 x 25 5/8 in.

Vladimir VELICKOVIC (né en 1935) Mouvement Fig. XLVIII, 2.10.1982 Encre de Chine sur papier, titrée, datée et signée en bas à droite 102 x 65 cm Nous remercions Vladimir Velickovic d'avoir bien voulu confirmer l'authenticité de cette oeuvre.

Vladimir VELICKOVIC (né en 1935)

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Wifredo LAM (1902-1982) Pen and mixed media, signed, dedicated and dated lower right, on the reverse of an analogue photograph representing the artist in his studio 8 x 4 3/4 in.

Wifredo LAM (1902-1982) Sans titre, 1974 Dessin et dédicace, signée et datée en bas à droite au dos d'une photographie argentique représentant l'artiste dans son atelier 18 x 12 cm Nous remercions Eskil Lam, fils et expert de l'artiste, d'avoir bien voulu confirmé l'authenticité de cette oeuvre

Wifredo LAM (1902-1982)

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Claude Viallat (né en 1936) Acrylic on fabric 78 x 49½

Claude Viallat (né en 1936) Sans titre, n°066, 2017 Acrylique sur tissu 198 x 126 cm Un certificat rédigé par la galerie Ceysson & Bénétière sera remis à l'acquéreur. PROVENANCE Galerie Ceysson & Bénétière, Saint-Etienne Collection privée, France

Claude Viallat (né en 1936)

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ERRO (né en 1932) Oil on canvas, signed and dated on reverse 38 x 391/2 in. Born 1932 in Iceland, Gundmundur Gundmunsson, known as Errö, studied painting at the Reykjavik Academy, where he learned the technique of cut paper. From 1953 onwards, the painter, who by then had become a teacher, travelled to Spain, Germany, France and Italy. He quickly refined his style, using scissors to take diverse, sometimes contradictory images borrowed from modern painting, comic strips, the press, advertising, scientific treatises or propaganda posters. Gundmunsson painted some forms early in his career but definitively gave them up in 1964 to make his characteristic collages, using images drawn from mass culture. This led to very tight, almost suffocating compositions: various figures, real or imaginary but always symbolic, cover the surfaces. Superheroes rub shoulders with comic strip characters, who are themselves neighbours of dictators. Gundmunsson's works thus echo the visual world of modern everyday life, whose traces he methodically collects, reassembles and hybridises.

ERRO (né en 1932) La Contrebande, 1979 Huile sur toile, signée et datée au dos 96,4 x 100,3 cm Un certificat rédigé par l'artiste en date du 27/05/2019 sera remis à l'acquéreur. BIBLIOGRAPHIE Errö, Catalogue Général, 1974-1986, L'incitation à la création, Editions Fernand Hazan, 1986, reproduit en noir et blanc sous le n°362, p.67 Né en 1932 en Islande, Gundmundur Gundmunsson, dit Errö, étudie la peinture à l'Académie de Reykjavik, où il s'initie notamment à la technique des papiers découpés. À partir de 1953, le peintre islandais, alors devenu professeur, voyage en Espagne, en Allemagne, en France et en Italie. L'artiste affine rapidement son style, prélevant aux ciseaux des images diverses, parfois contradictoires, empruntées à la peinture moderne, la bande-dessinée, la presse, la publicité, ou encore à des traités scientifiques ou des affiches de propagande. S'il peint certaines formes au début de sa carrière, il y renonce définitivement en 1964 pour réaliser ses collages si caractéristiques, à l'aide d'images puisées dans la culture de masse. Il aboutit à des compositions très resserrées, presque étouffantes: les surfaces sont couvertes de figures diverses, réelles ou imaginaires mais toujours symboliques. Des super-héros cohabitent ainsi avec des personnages de bande-dessinées, eux-mêmes voisins de dictateurs. Les oeuvres de l'artiste islandais font ainsi écho à l'univers visuel de la vie quotidienne moderne, dont il récolte méthodiquement les traces pour les réassembler, les hybrider

ERRO (né en 1932)

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ERRO (né en 1932) Oil on canvas, signed and dated on reverse 30½x 39 in.

ERRO (né en 1932) Sherif, 1982 Huile sur toile, signée et datée au dos 77,2 x 99 cm Un certificat rédigé par l'artiste en date du 27/05/2019 sera remis à l'acquéreur. BIBLIOGRAPHIE Erro, Catalogue Général, 1974-1986, L'incitation à la création, Editions Fernand Hazan, 1986, reproduit en noir et blanc sous le n°703, p.121

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ERRO (né en 1932) Enamel on a metal plate, signed, dated and numbered 2/8 on reverse 31 1/2 x 15¾

ERRO (né en 1932) Email, 2001 Email sur plaque de métal, signé, daté et numéroté 2/8 au dos 80 x 40 cm Un certificat rédigé par l'artiste en date du 27/05/2019 sera remis à l'acquéreur.

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ERRO (né en 1932) Enamel on a metal plate, signed, dated and numbered 3/8 on reverse 31½x 15¾in.

ERRO (né en 1932) Email, 2001 Email sur plaque de métal, signé, daté et numéroté 3/8 au dos 80 x 40 cm Un certificat rédigé par l'artiste en date du 27/05/2019 sera remis à l'acquéreur

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Robert COMBAS (Né en 1957) Mixed media on mirror, signed lower center, countersigned and numbered 68/99 on reverse 36 1/2 x 23 3/4 in.

Robert COMBAS (Né en 1957) Miroir d'artiste, «Qui c'est qu'A dixt que ça que je faisais C'est moche?», 2004 Technique mixte sur miroir, signé en bas au centre et contresignée et numéroté 68/99 au dos 92,5 x 60 cm EXPOSITION Robert Combas, GREATEST HITS: on commence par le début, on finit par la fin, du 24/02/12 au 15/07/12, Musée d'Art Contemporain, Lyon, 2012

Robert COMBAS (Né en 1957)

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CILDO MEIRELES (NÉ EN 1948) Color offset, signed lower right 2½x 6¼

CILDO MEIRELES (NÉ EN 1948) Zero Dollar, 1984 Offset couleurs, signée en bas à droite 6,5 x 15,5 cm

CILDO MEIRELES (NÉ EN 1948)

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