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Post-War & Art Contemporain

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LIU BOLIN (né en 1973) Hiding in the city #8, from Dragon Series, 2010 C-print, edition of 6 59 x 75 cm - 23 15/64 x 29 17/32 in. Liu Bolin, a contemporary Chinese artist, gained prominence through his renowned photography series titled “Hiding in the City.” Born in 1973 in the Shandong province of China, Bolin pursued studies at the Shandong Academy of Fine Arts and later at the Central Academy of Fine Arts in Beijing, where he earned a degree in sculpture. His iconic series “Hiding in the City” features meticulously painted self-portraits of the artist blending into the surrounding environment. Bolin employs body painting techniques to camouflage himself within various urban landscapes, ranging from graffiti-covered walls to supermarket shelves. This series provides a profound reflection on the themes of concealment and disappearance within modern society. Internationally acclaimed, Bolin has exhibited his works in galleries and museums worldwide, including the Museum of Contemporary Art in Shanghai, the Venice Biennale, the Museum of Contemporary Art in Denver, and the Beijing Museum of Fine Arts. By using his art as a means to comment on contemporary social and political issues, particularly in China, Liu Bolin also explores the themes of individual identity and alienation in an increasingly globalized world. His work prompts viewers to contemplate how individuals integrate (or blend) into their environment, while raising crucial questions about visibility and invisibility within modern society.

LIU BOLIN (né en 1973) 躲在城市里 #8，选自龙系列，2010 年 C 版画，6 版 59 x 75 cm - 23 15/64 x 29 17/32 in. 买方将获得由艺术家签名的鉴定证书。 出处： 丽莎-塞特画廊，美国斯科茨代尔 私人收藏，布鲁塞尔 展览：美国亚利桑那州立大学艺术博物馆 "为镜头表演"；亚利桑那州立大学艺术博物馆，美国；2012 年 2 月 4 日至 5 月 19 日。 中国当代艺术家刘勃麟因其著名的 "躲在城市里 "系列摄影作品而声名鹊起。刘勃麟 1973 年出生于中国山东省，先后就读于山东艺术学校和北京中央美术学院雕塑系。 他的标志性作品 "躲在城市里 "系列以艺术家本人的自画像为主，经过精心绘制，与周围的景色融为一体。博林运用人体彩绘技术，将自己伪装在从涂鸦墙到超市货架等各种城市景观中。这一系列作品深刻反思了现代社会中隐藏和消失的主题。 博林的作品享誉国际，曾在世界各地的画廊和博物馆展出，包括上海当代艺术博物馆、威尼斯双年展、丹佛当代艺术博物馆和北京美术馆。 刘勃麟以其艺术作品评论当代社会和政治问题，尤其是中国的社会和政治问题，他还探讨了在日益全球化的世界中个人身份和异化的主题。他的作品促使观众反思个人如何融入（或融入）他们的环境，同时提出了关于现代社会中可见性和不可见性的重要问题。

LIU BOLIN (né en 1973)

LIU BOLIN (né en 1973) Hiding in the city #8, from Dragon Series, 2010 C-print, édition de 6 59 x 75 cm - 23 15/64 x 29 17/32 in. Un certificat d'authenticité signé par l'artiste sera remis à l'acquéreur PROVENANCE: Lisa Sette Gallery, Scottsdale, USA Collection privée, Bruxelles EXPOSITION: «Performing for the Camera» | Arizona State University Art Museum, USA | 4 février - 19 mai 2012. Liu Bolin, artiste contemporain chinois, s'est distingué par sa célèbre série de photographies intitulée « Hiding in the City ». Né en 1973 dans la province du Shandong en Chine, Bolin a suivi des études à l'École des beaux-arts du Shandong, puis à l'Académie centrale des beaux-arts de Pékin, où il a obtenu un diplôme en sculpture. Sa série emblématique « Hiding in the City » présente des autoportraits de l'artiste lui-même minutieusement peints pour se fondre dans le décor environnant. Bolin utilise des techniques de peinture corporelle afin de se camoufler dans divers paysages urbains, allant des murs graffités aux étagères d'un supermarché. Cette série offre une réflexion profonde sur les thèmes de la dissimulation et de la disparition au sein de la société moderne. Internationalement reconnu, Bolin a exposé ses oeuvres dans des galeries et des musées à travers le monde, notamment au Musée d'Art Contemporain de Shanghai, à la Biennale de Venise, au Musée d'Art Contemporain de Denver, et au Musée des Beaux-Arts de Pékin. En utilisant son art comme un moyen de commenter les questions sociales et politiques contemporaines, notamment en Chine, Liu Bolin explore également les thèmes de l'identité individuelle et de l'aliénation dans un monde de plus en plus globalisé. Son travail incite les spectateurs à réfléchir à la manière dont les individus s'intègrent (ou se fondent) dans leur environnement, tout en soulevant des questions cruciales sur la visibilité et l'invisibilité au sein de la société moderne.

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WANG KEPING (né en 1949) Buste, 2005 Maple wood, signed on the foot on reverse 46 x 29 x 28 cm - 18 7/64 x 11 27/64 x 11 1/32 in. The maple wood bust created in 2005 is a perfect example of Wang Keping's work. In this piece, the artist's technical mastery combines with exceptional artistic sensitivity to capture the very essence of the subject. The clean lines and delicate curves testify to his ability to use wood as a subtle means of expression, where every detail seems to be a conversation between the artist and the material.

WANG KEPING (né en 1949) 半身像，2005 年 枫木，背面脚部有签名 46 x 29 x 28 cm - 18 7/64 x 11 27/64 x 11 1/32 in. 感谢 Aline Wang 女士确认此作品的真实性。 出处： 巴黎 Zürcher 画廊，2006 年 私人收藏，法国 2005 年创作的枫木半身像是王克平作品的完美典范。在这件作品中，艺术家的 在这件作品中，艺术家的精湛技艺与非凡的艺术敏锐度相结合，捕捉到了主题的精髓。简洁的线条和精致的曲线证明了他将木材作为微妙表达方式的能力，每一个细节似乎都是艺术家与材料之间的对话。

WANG KEPING (né en 1949)

WANG KEPING (né en 1949) Buste, 2005 Bois d'érable, signé sur le pied au dos 46 x 29 x 28 cm - 18 7/64 x 11 27/64 x 11 1/32 in. Nous remercions Mme Aline Wang de nous avoir aimablement confirmé l'authenticité de cette oeuvre. PROVENANCE: Galerie Zürcher, Paris, 2006 Collection privée, France La buste en bois d'érable réalisée en 2005 est un exemple parfait de l'oeuvre de Wang Keping. Dans cette pièce, la maîtrise technique de l'artiste se conjugue avec une sensibilité artistique exceptionnelle pour capturer l'essence même du sujet. Les lignes épurées et les courbes délicates témoignent de sa capacité à utiliser le bois comme un moyen d'expression subtil, où chaque détail semble être une conversation entre l'artiste et le matériau.

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ZAO WOU-KI (1920-2013) Gravure 215, 1971 Etching and aquatint on paper, signed lower right and numbered 76/99 lower left 76 x 56 cm - 29 59/64 x 22 3/64 in.

ZAO WOU-KI (1920-2013) 蚀刻 215，1971 年 日本纸蚀刻版画和水印版画，右下方有签名，右下方有编号 76/99 76 x 56 cm - 29 59/64 x 22 3/64 in. 出处：私人收藏，巴黎地区 私人收藏，巴黎地区 参考书目： AGERUP Jorgen| Zao Wou-Ki, The Graphic Work, A catalogue raisonné 1937-1995 ； 由哥本哈根 Heede 和 Moestrup 出版社出版，1994 年；作品列于编号 215 下。

ZAO WOU-KI (1920-2013)

ZAO WOU-KI (1920-2013) Gravure 215, 1971 Eau-forte et aquatinte sur papier Japon, signé en bas à droite et numérotée 76/99 en bas à droite 76 x 56 cm - 29 59/64 x 22 3/64 in. PROVENANCE: Collection privée, région parisienne BIBLIOGRAPHIE: AGERUP Jorgen | Zao Wou-Ki, The Graphic Work, A catalogue raisonné 1937-1995 | Édition Heede et Moestrup, Copenhague, 1994 | oeuvre répertoriée sous le n°215

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WANG YIGANG (né en 1961) Sans titre, 2016 Acrylic and mixed media on canvas, signed and dated lower right 80 x 60 cm - 31 1/2 x 23 5/8 in.

WANG YIGANG (né en 1961) 无题，2016 布面丙烯和混合媒介，右下方有签名和日期 80 x 60 cm - 31 1/2 x 23 5/8 in. 出处：私人收藏，巴黎 私人收藏，巴黎

WANG YIGANG (né en 1961)

WANG YIGANG (né en 1961) Sans titre, 2016 Acrylique et technique mixte sur toile signée et datée en bas à droite 80 x 60 cm - 31 1/2 x 23 5/8 in. PROVENANCE: Collection privée, Paris

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KIM GUILINE (1936 - 2021) Sans titre Oil on canvas, signed lower left and countersigned on reverse on the stretcher 54 x 37 cm - 21 17/64 x 14 9/16 in.

KIM GUILINE (1936 - 2021) 无题 布面油画，左下方有签名，背面担架上有副签名 54 x 37 厘米 - 21 17/64 x 14 9/16 英寸。 出处： 由艺术家赠与现拥有者 法国私人收藏

KIM GUILINE (1936 - 2021)

KIM GUILINE (1936 - 2021) Sans titre Huile sur toile, signée en bas à gauche et contresignée au dos sur le chassis 54 x 37 cm - 21 17/64 x 14 9/16 in. PROVENANCE: Offert par l'artiste au propriétaire actuel Collection privée, France

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YVES KLEIN (1928 - 1962) Postage stamp, ca. 1958 Blue monochrome, IKB pigment 2.5 x 2 cm - 63/64 x 25/32 in.

YVES KLEIN (1928 - 1962) 邮票，约 1958 年 蓝色单色，IKB颜料 2.5 x 2 厘米 - 63/64 x 25/32 英寸 出处：比利时私人收藏 私人收藏，比利时

YVES KLEIN (1928 - 1962)

YVES KLEIN (1928 - 1962) Postage stamp, ca. 1958 Monochrome bleu, pigment IKB 2.5 x 2 cm - 63/64 x 25/32 in. PROVENANCE: Collection privée, Belgique

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PIERRE SOULAGES (1919 - 2022) Eau-forte n° XII, 1957 Colour etching on Rives wove paper signed lower right and numbered 68/120 lower left. Printed and published by Lacourière, Paris. 39.5 x 36 cm (sujet) - 15 35/64 x 14 11/64 (subject)

PIERRE SOULAGES (1919 - 2022) 蚀刻版画 n° XII, 1957 彩色蚀刻版画，采用 Rives 编织纸，右下方有签名，左下方有 68/120 编号。由巴黎 Lacourière 印刷出版。 39.5 x 36 厘米（主题）- 15 35/64 x 14 11/64（主题） 出处：巴黎私人收藏 私人收藏，巴黎 参考书目： Encreve Pierre 和 Miessner Marie-Cécile | Soulages, l'oeuvre imprimé : [展览，巴黎，法国国家图书馆，François Mitterrand 遗址，2003 年 5 月 27 日至 8 月 31 日]，法国国家图书馆：Soulages 博物馆，巴黎，2011 年，208 页。作品列于第 13 页，第 12 页转载

PIERRE SOULAGES (1919 - 2022)

PIERRE SOULAGES (1919 - 2022) Eau-forte n° XII, 1957 Eau-forte couleur sur vélin de Rives signée en bas à droite et numérotée 68/120 en bas à gauche. Impression et édition Lacourière, Paris. 39.5 x 36 cm (sujet) - 15 35/64 x 14 11/64 (subject) PROVENANCE: Collection privée, Paris BIBLIOGRAPHIE: Encreve Pierre et Miessner Marie-Cécile | Soulages, l'oeuvre imprimé : [exposition, Paris, Bibliothèque nationale de France, site François Mitterrand, du 27 mai au 31 août 2003], Bibliothèque nationale de France : Musée Soulages, Paris, 2011, 208 pages. OEuvre répertoriée et reproduite sous le numéro 13 page 12

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PIERRE SOULAGES (1919 - 2022) Eau-forte n° XXIV, 1973 Etching, signed lower right and numbered 15/100 lower left 38 x 28.5 cm - 14 61/64 x 11 7/32 in.

PIERRE SOULAGES (1919 - 2022) 第 XXIV 号蚀刻版画，1973 年 蚀刻版画，右下方签名，左下方编号 15/100 38 x 28.5 cm - 14 61/64 x 11 7/32 in. 出处：私人收藏，东南地区 私人收藏，东南地区 参考书目： Encreve Pierre et Miessner Marie-Cécile | Soulages, l'oeuvre imprimé : [exhibition, Paris, Bibliothèque nationale de France, site François Mitterrand, du 27 mai au 31 août 2003], Bibliothèque nationale de France : Musée Soulages, Paris, 2011, 208 pages.作品列在第 26 号下并被复制

PIERRE SOULAGES (1919 - 2022) Eau-forte n° XXIV, 1973 Eau-forte, signée en bas à droite et numérotée 15/100 en bas à gauche 38 x 28.5 cm - 14 61/64 x 11 7/32 in. PROVENANCE: Collection privée, région Sud-Est BIBLIOGRAPHIE: Encreve Pierre et Miessner Marie-Cécile | Soulages, l'oeuvre imprimé : [exposition, Paris, Bibliothèque nationale de France, site François Mitterrand, du 27 mai au 31 août 2003], Bibliothèque nationale de France : Musée Soulages, Paris, 2011, 208 pages. OEuvre répertoriée et reproduite sous le numéro 26

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FABIENNE VERDIER (née en 1962) Tectonique, 2017 Ink, pigments and varnish on canvas mounted on panel, bearing the label of the Galerie Alice Pauli on the stretcher, signed, titled and dated on reverse 178 x 118 cm - 70 5/64 x 46 29/64 in. Born in 1962, Fabienne Verdier began her career as an artist by studying at the Beaux-Arts school in Toulouse. It was an academic course that provided her with a solid foundation, but one that she felt lacked openness. She deplored the limitations of this teaching and already aspired to another, purer form of beauty, to the poetry of simple lines, to an art that was both accurate and powerful. Irredeemably drawn to China, and after a long administrative battle, she settled in the remote province of Sichuan at the age of 22. It was then that she finally began her genuine, lifelong apprenticeship in the art of Chinese calligraphy. She surrounded herself, not without difficulty, with the region's greatest masters, and although her journey of initiation was only supposed to last a short while, in the end it took the young painter 9 years of total immersion. In addition to the harsh living conditions in the heart of a China still under Communist influence (less than 10 years after the death of Mao Zedong), she also had to immerse herself in a whole new culture, a language with multiple dialects and a completely radical conception of the world. Through her various teachings, she learned to understand the movements of water, nature, trees and stones. She studies the profound aesthetic nature of things, beyond their appearance, which she manifests on her canvases through the intermediary of her brush. In the end, she pays sincere homage to the living matter, the intrinsically changing existence of her subjects. Back in France, she combined the verticality of Chinese calligraphy with the monumentality of European painting. Making herself an immense brush out of more than 10 horse's tails, she becomes the choreographer of a skilful ballet in which ink, the canvas and gravity are the main actors. These two canvases from 2017, both called Tectonique, are emblematic of her work over the last few years, abandoning 'figurative' subjects in favour of a search for the ethereal, the incorporeal. Imagining the natural forces that are always present around us, Fabienne Verdier draws these lines in the same way that the vibrations caused by the breaking of the earth's crust draw an abstract landscape on a seismograph. Above all, these works seek to give form to the intangible, beyond its scientific measurement and intellectual understanding. Deeply emotional, these canvases also play on the viewer's perception and interpretation of the subject. These forces can be expressed visually in many different ways, and there are just as many legitimate interpretations, since they intrinsically carry a subjective value. These tectonics represent a relief on a map, a cliff fault, a sound wave or the retreat of the ocean onto the beach. Fog on the moor or a crevice in the rock, the universality of these works gives them a sublime aspect, relieving themselves of the somatic to directly touch the affect. For Fabienne Verdier, the reality of things is not physical but internal, and the artist is simply the vessel through which this energy, this thought, materialises. All is then ambivalent nature, sometimes sublime, sometimes dangerous, playing with nuances and oppositions, combining curves and straight lines and warm and cold colours. The sanguine red stands out against the deep blue like an open wound, revealing all its complex beauty. The rhythmic brushstrokes follow one after the other, creating a complex, organic pattern. Like a force field, these canvases have a presence, a spiritual existence of their own. These twin canvases seem to interact with each other, and with the world, in a constant dialogue| aesthetic gymnastics expressing the ineffable and materialising the invisible.

FABIENNE VERDIER (née en 1962) 构造, 2017 画布上的墨水、颜料和清漆，裱在画板上，担架上有 Galerie Alice Pauli 标签，背面有签名、标题和日期 178 x 118 cm - 70 5/64 x 46 29/64 in. 感谢艺术家确认此作品的真实性。 出处： 日内瓦 Alice Pauli 画廊 私人收藏，比利时 Fabienne Verdier 出生于 1962 年，在图卢兹美术学校学习后开始了她的艺术家生涯。这是一门为她打下坚实基础的学术课程，但她认为这门课程缺乏开放性。她对这种教学的局限性深表遗憾，并开始向往另一种更纯粹的美，向往简单线条的诗意，向往一种既准确又有力的艺术。 她不可救药地被中国所吸引，经过长期的行政斗争，年仅 22 岁的她在偏远的四川省定居下来。从那时起，她终于开始了自己真正的人生事业：学习中国书法艺术。她与当地最伟大的书法大师们结下了不解之缘，虽然她的启蒙之旅原本只是短暂的，但最终这位年轻的画家却花了 9 年时间完全沉浸其中。在仍受共产党影响的中国中心地带（毛泽东逝世后不到 10 年），除了艰苦的生活条件外，她还必须沉浸在一种全新的文化、一种包含多种方言的语言和一种完全激进的世界观中。 通过各种教导，她学会了理解水、自然、树木和石头的运动。她研究事物超越表象的深刻美学本质，并通过画笔将其表现在画布上。最终，她向有生命的物质，向她的创作对象内在变化的存在，致以诚挚的敬意。 回到法国后，她将中国书法的纵向性与欧洲绘画的纪念碑式相结合。她亲手制作了一支由 10 多根马尾辫组成的巨型毛笔，并在其中编排了一出娴熟的芭蕾舞剧，水墨、画布和重力是其中的主要演员。 这两幅创作于 2017 年的油画作品均名为《构造》（Tectonics），是她过去几年创作的代表作，她放弃了 "具象 "题材，转而寻找空灵、无形的东西。法比安-韦尔迪埃想象着我们身边无时无刻不在发生的自然力量，就像地壳断裂引起的震动在地震仪上绘制出抽象景观一样，她用这种方式绘制出这些线条。最重要的是，这些作品试图赋予无形之物以形式，超越其科学测量和智力理解。 这些画作情感深厚，还利用了观众对主题的感知和解读。这些力量可以通过许多不同的方式在视觉上得到诠释，同时也有许多合理的解释，因为它们本质上具有主观价值。 这些构造力可以表现为地图上的浮雕、岩石断层、声波或海洋向海滩的退缩。荒原上的雾气或岩石上的裂缝，这些作品的普遍性赋予了它们崇高的一面，使它们摆脱了肉体的束缚，直接触及情感。 对 Fabienne Verdier 而言，事物的真实并非物质，而是内在，而艺术家只是将这种能量、这种思想具体化的容器。一切都充满了矛盾的性质，时而崇高，时而危险，玩弄着细微差别和对立，将曲线和直线、暖色和冷色结合在一起。 血红色在深蓝色的映衬下显得格外醒目，就像一道裂开的伤口，展现出其复杂的美感。生涩的笔触接连不断，创造出复杂的有机图案。这些画布就像一个力场，有一种存在感，一种自己的精神存在。 这对孪生画布似乎在不断对话中彼此互动，并与世界互动；美学体操表达了不可言喻的东西，并将无形的东西具体化。

FABIENNE VERDIER (née en 1962)

FABIENNE VERDIER (née en 1962) Tectonique, 2017 Encre, pigments et vernis sur toile montée sur panneau, portant l'étiquette de la Galerie Alice Pauli sur le chassis, signée, titrée et datée au dos 178 x 118 cm - 70 5/64 x 46 29/64 in. Nous remercions l'artiste de nous avoir aimablement confirmé l'authenticité de cette oeuvre. PROVENANCE: Galerie Alice Pauli, Genève Collection privée, Belgique Née en 1962, Fabienne Verdier débute sa carrière d’artiste par des études aux beaux-arts de Toulouse. Un parcours académique qui lui offre de solides bases, mais qui selon elle manque trop cruellement d’ouverture. Elle déplore les limites de cet enseignement et aspire déjà à une autre forme de beauté plus pure, à une poésie des traits simples, à un art juste et puissant. Irrémédiablement attirée par la Chine, et après une longue bataille administrative, elle pose ses valises dans la province reculée du Sichuan à l’âge de seulement 22 ans. C’est alors que débute enfin son véritable enseignement, celui de toute une vie : l’apprentissage de l’art de la calligraphie chinoise. Elle s’entoure, non sans difficultés, des plus grands maîtres de la région | et là où son voyage initiatique ne devait durer que quelques temps, c’est finalement 9 années d’immersion totale que traverse la jeune peintre. Au-delà de la rudesse des conditions de vie au coeur d’une Chine encore sous influence communiste (moins de 10 ans après la mort de Mao Zedong), elle doit également s’imprégner de toute une culture, d’une langue aux multiples dialectes et d’une conception du monde complètement radicale. À travers ses divers enseignements, elle apprend à comprendre les mouvements de l’eau, de la nature, des arbres et des pierres. Elle étudie la profonde nature esthétique des choses, par-delà l’apparence, qu’elle manifeste sur ses toiles par l’intermédiaire de son pinceau. Elle rend finalement un hommage sincère à la vivace matière, à l’existence intrinsèquement changeante de ses sujets. De retour en France, elle allie la verticalité de la calligraphie chinoise à la monumentalité de la peinture européenne. Fabriquant elle-même un immense pinceau composé de plus de 10 queues de cheval, elle devient chorégraphe d’un savant ballet dont l’encre, la toile et la gravité sont les acteurs principaux. Ces deux toiles datées de 2017, nommées toutes deux Tectonique, sont emblématiques de son travail de ces dernières années, délaissant les sujets « figuratifs » pour se tourner vers une recherche de l’éthéré, de l’incorporel. Imaginant les forces naturelles présentes à chaque instant autour de nous, Fabienne Verdier trace ces lignes de la même manière que les vibrations provoquées par la cassure de la croûte terrestre dessinent un paysage abstrait sur le sismographe. Ces oeuvres cherchent avant tout à donner forme à l’intangible, par-delà sa mesure scientifique et sa compréhension intellectuelle. Profondément émotionnelles, ces toiles jouent également sur la perception du spectateur et sur son interprétation du sujet. Ces forces peuvent se traduire visuellement de nombreuses manières, tout autant de lectures légitimes puisqu’elles portent intrinsèquement une valeur subjective. Ainsi, ces tectoniques représentent aussi bien un relief cartographique qu’une faille rocheuse, qu’une onde sonore ou que le retrait de l’océan sur la plage. Brouillard sur la lande ou crevasse dans la roche, l’universalité de ces oeuvres leur confèrent un aspect sublime, se délestant de la somatique pour toucher directement l’affect. Pour Fabienne Verdier, la réalité des choses n’est pas physique mais bien intérieure, et l’artiste n’est que le vaisseau par lequel cette énergie, cette pensée se matérialise. Tout n’est alors plus que nature ambivalente, tantôt sublime, tantôt dangereuse, jouant avec les nuances et les oppositions, alliant la courbe au rectiligne et les couleurs chaudes aux couleurs froides. Le rouge sanguin se détache du bleu profond tel une plaie ouverte, révélant toute sa complexe beauté. Les coups de pinceau saccadés s’enchainent, les uns après les autres, dessinant un motif complexe et organique. Telles un champ de force, ces toiles ont une présence, une existence spirituelle propre. Ces toiles jumelles semblent interagir, l’une avec l’autre, et avec le monde, en un dialogue constant | une gymnastique esthétique exprimant l’ineffable et matérialisant l’invisible.

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FABIENNE VERDIER (née en 1962) Tectonique, 2017 Ink, pigments and varnish on canvas mounted on panel, signed, dated and titled on reverse 178 x 118 cm - 70 5/64 x 46 29/64 in.

FABIENNE VERDIER (née en 1962) 构造，2017 画布上的墨水、颜料和清漆，裱在画板上，背面有签名、年代和标题 178 x 118 cm - 70 5/64 x 46 29/64 in. 感谢艺术家确认此作品的真实性。 出处： 爱丽丝-保利画廊，日内瓦 私人收藏，比利时

FABIENNE VERDIER (née en 1962) Tectonique, 2017 Encre, pigments et vernis sur toile montée sur panneau, signée datée et titrée au dos 178 x 118 cm - 70 5/64 x 46 29/64 in. Nous remercions l'artiste de nous avoir aimablement confirmé l'authenticité de cette oeuvre. PROVENANCE: Galerie Alice Pauli, Genève Collection privée, Belgique

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FABIENNE VERDIER (née en 1962) Grandes Jorasses Silkscreen on BFK Rives paper, signed lower right, numbered artist's proof and decated lower left 76 x 56 cm - 29 59/64 x 22 3/64 in.

FABIENNE VERDIER (née en 1962) 大乔拉斯 丝网印刷，BFK Rives 纸，右下方有签名，左下方有艺术家校样和专用说明 76 x 56 cm - 29 59/64 x 22 3/64 in. 出处：巴黎私人收藏 私人收藏，巴黎

FABIENNE VERDIER (née en 1962) Grandes Jorasses Sérigraphie sur papier BFK Rives, signée en bas à droite, justifiée épreuve d'artiste et dédicacée en bas à gauche 76 x 56 cm - 29 59/64 x 22 3/64 in. PROVENANCE: Collection privée, Paris

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FABIENNE VERDIER (née en 1962) Tiges et bourgeons, 2003 Original silkscreen print on paper folded in two, greetings card for 2003, from the series “Le mystère végétal”. Published by Graficaza, France, signed and dedicated 31 x 48 cm (pliée) - 12 13/64 x 18 57/64 in. (folded)

FABIENNE VERDIER (née en 1962) 茎和花蕾，2003 年 原版丝网印刷，纸张对折，2003 年贺卡，选自 "Le mystère végétal "系列。法国 Graficaza 出版社出版，有签名和赠言 31 x 48 厘米（折叠）- 12 13/64 x 18 57/64 英寸（折叠） 出处：私人收藏，巴黎 私人收藏，巴黎

FABIENNE VERDIER (née en 1962) Tiges et bourgeons, 2003 Sérigraphie originale sur papier plié en deux, carte de voeux pour l'année 2003, issue de la série «Le mystère végétal». Ed. Graficaza, France, dédicacée et signée 31 x 48 cm (pliée) - 12 13/64 x 18 57/64 in. (folded) PROVENANCE: Collection privée, Paris

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GEORGES MATHIEU (1921 - 2012) Sans titre, 2005 Mixed media on paper, signed, dated and dedicated lower left 58 x 78 cm - 22 53/64 x 30 45/64 in.

GEORGES MATHIEU (1921 - 2012) 无题》，2005 年 纸上混合媒介，左下方有签名、年代和献辞 58 x 78 cm - 22 53/64 x 30 45/64 in. 出处： 艺术家赠与现拥有者 私人收藏，巴黎

GEORGES MATHIEU (1921 - 2012)

GEORGES MATHIEU (1921 - 2012) Sans titre, 2005 Technique mixte sur papier, signée, datée et dédicacée en bas à gauche 58 x 78 cm - 22 53/64 x 30 45/64 in. PROVENANCE: Offert par l'artiste au propriétaire actuel Collection privé, Paris

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JEAN DEWASNE (1921 - 1999) Ton corps musical, 1966 Glycerophtalic lacquer on panel, signed, dated and titled on reverse 50 x 65 cm - 19 11/16 x 25 19/32 in.

JEAN DEWASNE (1921 - 1999) 你的音乐身体，1966 年 面板上的甘油漆，背面有签名、年代和标题 50 x 65 cm - 19 11/16 x 25 19/32 in. 感谢 Gérard Galby 先生确认此作品的真实性。 出处：德国卡斯特 44 画廊： 德国卡斯特 44 画廊 巴黎德鲁阿特画廊 私人收藏，巴黎 相关作品 - 一件类似的作品（尺寸为 97 x 130 厘米）由埃米莉亚-德瓦斯内夫人于 2012 年 10 月捐赠给法国博物馆（存货编号：55.2015.15.6），后被斯特拉斯堡现代艺术博物馆收藏。 - 蓬皮杜国家现代艺术博物馆藏有一幅类似主题的绘画作品（库存编号 AM 1984-729）。

JEAN DEWASNE (1921 - 1999)

JEAN DEWASNE (1921 - 1999) Ton corps musical, 1966 Laque glycérophtalique sur panneau, signée, datée et titrée au dos 50 x 65 cm - 19 11/16 x 25 19/32 in. Nous remercions M. Gérard Galby de nous avoir aimablement confirmé l'authenticité de cette oeuvre. PROVENANCE: Gallery 44, Kaarst, Allemagne Galerie Drouart, Paris Collection privée, Paris OEUVRE EN RAPPORT - Une oeuvre similaire (format 97 x 130 cm) figure dans les collections du Musée d'art Moderne de Strasbourg, suite à la donantion effectuée en octobre 2012 aux Musées de France par Mme Emilia Dewasne (n° d'inventaire 55.2015.15.6) - Un dessin au motif comparable est conservé au Musée National d'Art Moderne - Centre Pompidou (n° d'inventaire AM 1984-729)

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ANDRÉ MARFAING (1925 - 1987) Abstraction, 1974 Acrylic on canvas, signed lower right, dated on reverse 115 x 89 cm - 45 9/32 x 35 3/64 in. André Marfaing, born in Toulouse in 1925, began his artistic career after studying law. Impassioned and self-taught, he enrolled on sculpture and painting courses in Toulouse before deciding to leave his home town and settle in the Paris region. Over the years, his path crossed that of eminent figures from the new Paris school, such as Pierre Soulages, Fernand Léger, Maurice Estève, Alfred Manessier, Roger Bissière and Gérard Schneider. These encounters had a considerable influence on his style, which evolved from figuration to abstraction. He created his first abstract work in 1953, laying the foundations for his lifelong quest for a radical and ambivalent painting, a symbol of the ineffable struggle between natural antagonisms. The artist himself described the early years of his research as “Abstract and Matter”. Up until the 60s, his works were characterised by a strong materiality, already favouring the play of contrasts between black and white. The 70s marked a significant turning point, with the abandonment of oils in favour of acrylics. His works became more meditative, minimalist, ascetic and architectural| his gestures became more restrained and controlled. At the end of his life, the canvas became purer, in a kind of asceticism between black and white. Often, the black covers the entire canvas, leaving only a white crack, like a fissure of light. Throughout his life, André Marfaing has remained faithful to a radical conception of abstraction. A tireless explorer, constantly questioning the conflict between light and shadow, fullness and emptiness, nothingness and being, his art is imbued with spirituality. His latest works tend towards an ultimate simplicity, finally reaching that balance where the tension of the line responds to the stable writing of the volumes. Over the last four years, Marfaing's market value has grown exponentially, culminating in 2023 with the remarkable figure of €860,624 for all his works sold on the secondary market, according to Artprice. This success testifies not only to the growing recognition of his talent on the art scene, but also to the growing appeal of his creations among collectors and art lovers. Marfaing's work can be seen at numerous fairs, including Art Paris, FAB, Art Basel, BRAFA, Modern Art Fair and many others. They can also be found in the collections of the Musée d'Art Moderne (MAM) in Paris, the Centre Pompidou, the Fondation Gandour in Geneva, etc. This large (115 x 89 cm) 1974 Abstraction offers a rare insight into the heart of a period that was fundamental to the development of the artist's style. It marks a meditative, minimalist, ascetic and architectural phase for the artist. This piece is distinguished by the rare presence of an ochre background, an unusual choice in Marfaing's palette. At first glance, the observer is struck by the artist's exceptional mastery of gesture. The lines and shapes are meticulously structured, revealing a deep understanding of the balance between full and empty. In the centre of the painting, the pictorial material thickens, creating a focal point that draws attention without detracting from the overall harmony of the composition. Here, Marfaing opts for a subtle interplay of light and shadow, creating a striking visual tension. Ochre and black blend masterfully, evoking a dialogue between the warmth of colour and the depth of darkness. Contemplating this piece, you can't help but feel the spiritual influence that permeates all of Marfaing's work. Each brushstroke seems to be a meditation, a constant exploration of the conflict between light and shadow, between nothingness and being. This 1974 Composition bears witness not only to the artist's technical skill, but also to his ability to achieve a perfect balance in which the tension of the brushstrokes meets the stable writing of the volumes.

ANDRÉ MARFAING (1925 - 1987) 抽象，1974 年 布面丙烯，右下方有签名和日期，背面有日期 115 x 89 cm - 45 9/32 x 35 3/64 in. 这件作品被列入艺术家的目录，编号为 0996，参考编号为 Janvier 1974-1。 出处： 阿里尔画廊，巴黎，Me Martin du Nord 拍卖会，1989 年 5 月 24 日 法国私人收藏 参考书目： André Marfaing 1948 - 1986 年绘画作品目录》，éditions Skira，2022 年，第 288 页。 安德烈-马尔法因 1925 年出生于图卢兹，在学习法律之后开始了他的艺术生涯。他是一位热情洋溢的自学成才的艺术家。 在决定离开家乡定居巴黎大区之前，他在图卢兹参加了雕塑和绘画课程。多年来，他的艺术之路与新巴黎画派的杰出人物不期而遇，如皮埃尔-苏拉日（Pierre Soulages）、费尔南-莱热（Fernand Léger）、莫里斯-埃斯泰夫（Maurice Estève）、阿尔弗雷德-马内西埃（Alfred Manessier）、罗杰-比西埃（Roger Bissière）和热拉尔-施耐德（Gérard Schneider）。这些际遇对他的风格产生了相当大的影响，使他的作品从具象发展到抽象。 1953 年，他创作了第一幅抽象作品，为他毕生追求激进、矛盾的绘画奠定了基础 象征着自然对立之间不可言喻的斗争。 艺术家自己将早年的研究描述为 "抽象与物质"。直到 60 年代，他的作品一直以强烈的物质性为特征，已经开始偏爱黑白对比的游戏。70 年代是一个重要的转折点，他放弃使用油画颜料，转而使用丙烯颜料。他的作品变得更加沉思、简约、禁欲和建筑化；他的姿态变得更加克制和有节制。在他生命的最后阶段，画布变得更加纯净，在黑与白之间呈现出一种禁欲主义。通常，黑色覆盖了整个画布，只留下一条白色裂缝，就像光的裂缝。 安德烈-马尔法因一生都忠实于激进的抽象概念。他是一位孜孜不倦的探索者，不断质疑光与影、充实与空虚、虚无与存在之间的冲突；他的艺术充满了灵性。 他的最新作品趋向于极致的简洁，最终在线条的张力与书卷的稳定书写之间实现了平衡。 稳定的书写。 在过去的四年中，马尔法因的市场价值成倍增长，根据Artprice的数据，在 2023年，他的所有作品在二级市场上的成交价达到了惊人的860,624欧元。这一成功不仅证明了他的才华在艺术界得到了越来越多的认可，也证明了他的作品在收藏家和艺术爱好者中越来越有吸引力。 马尔法因的作品可以在众多博览会上看到，包括巴黎艺术博览会、FAB、巴塞尔艺术博览会、BRAFA、现代艺术博览会等。这些作品还被巴黎现代艺术博物馆（MAM）、蓬皮杜艺术中心、日内瓦甘杜尔基金会等收藏。 这幅 1974 年创作的大型抽象画（115 x 89 厘米）为我们提供了一个难得的机会，让我们深入了解对艺术家风格发展至关重要的那段时期的核心内容。对他来说，这是一个沉思、极简、禁欲和建筑的阶段。这幅作品的独特之处在于罕见地采用了赭石色背景，这在马尔法因的调色板中是一种不同寻常的选择。 第一眼看到这幅作品，观察者就会被艺术家对姿态的非凡驾驭能力所震撼。线条和形状的结构一丝不苟，显示出对满与空之间平衡的深刻理解。在画作的中心，画面材料变得厚重，形成了一个焦点，在吸引注意力的同时又不影响整体构图的和谐。 在这里，马尔法因选择了光与影的微妙交织，营造出一种引人注目的视觉张力。赭色和黑色巧妙地融合在一起，唤起了色彩的温暖和黑暗的深邃之间的对话。细细品味这幅作品，你会情不自禁地感受到马尔法因所有作品中渗透的精神影响。每一笔似乎都是一次冥想，不断探索光与影、虚无与存在之间的冲突。这幅 1974 年的《构成》不仅见证了艺术家的高超技艺，也证明了他能够在笔触的张力与书卷的稳定书写之间实现完美的平衡。

ANDRÉ MARFAING (1925 - 1987)

ANDRÉ MARFAING (1925 - 1987) Abstraction, 1974 Acrylique sur toile, signée et datée en bas à droite, datée au dos 115 x 89 cm - 45 9/32 x 35 3/64 in. Cette oeuvre est répertoriée au catalogue raisonné de l'artiste sous le numéro 0996 et porte la référence Janvier 1974-1. PROVENANCE: Galerie Ariel, Paris Vente Me Martin du Nord, 24 mai 1989 Collection privée, France BIBLIOGRAPHIE: Catalogue raisonné «André Marfaing paintings 1948 - 1986», éditions Skira, 2022, p.288. André Marfaing, né à Toulouse en 1925, amorce son parcours artistique après des études de droit. Autodidacte passionné, il s'inscrit à des cours de sculpture et de peinture à Toulouse avant de prendre la décision de quitter sa ville natale pour s'établir en région parisienne. Au fil des années, son chemin croise celui de figures éminentes de la nouvelle école de Paris, à l'instar de Pierre Soulages, Fernand Léger, Maurice Estève, Alfred Manessier, Roger Bissière, et Gérard Schneider. Ces rencontres influencent considérablement son style qui évolue de la figuration à l'abstraction. Il créé sa première oeuvre abstraite en 1953, posant les bases de la quête de toute une vie : celle d’une peinture radicale et ambivalente, symbole de la lutte ineffable entre les antagonismes naturels. L’artiste qualifie lui-même les premières années de sa recherche d'« Abstraite et Matière ». Jusque dans les années 60, ses oeuvres se démarquent ainsi par une forte matérialité, privilégiant déjà les jeux de contrastes entre le noir et le blanc. Les années 70 marquent un tournant significatif, avec l'abandon de l'huile au profit de l'acrylique. Les oeuvres deviennent plus méditatives, minimalistes, ascétiques, et architecturées | le geste se fait plus contenu, plus maîtrisé. À la fin de sa vie, la toile s'épure dans une sorte d'ascèse entre le blanc et le noir. Souvent, le noir recouvre toute la toile, ne laissant qu'une faille blanche, telle une fissure de lumière. André Marfaing est resté toute sa vie fidèle à une conception radicale de l'abstraction. Inlassable explorateur, interrogeant perpétuellement le conflit entre l'ombre et la lumière, entre le vide et le plein, entre le néant et l'être | son art est imprégné de spiritualité. Ses dernières oeuvres tendent vers un dépouillement ultime, atteignant enfin cet équilibre où la tension du trait répondait à l'écriture stable des volumes. Au fil de ces quatre dernières années, la côte de Marfaing connaît une croissance exponentielle, culminant en 2023 avec le chiffre remarquable de 860 624 euros pour l’ensemble des oeuvres de l'artiste vendues sur le second marché selon Artprice. Cette réussite témoigne non seulement de la reconnaissance accrue de son talent sur la scène artistique, mais également de l'attrait croissant de ses créations auprès des collectionneurs et des amateurs d'art. Les oeuvres de Marfaing sont présentes sur de nombreuses foires telles qu'Art Paris, FAB, Art Basel, BRAFA, Modern Art Fair et bien d’autres encore. Elles sont également visibles dans les collections du Musée d'Art Moderne (MAM) à Paris, du Centre Pompidou, de la Fondation Gandour à Genève, etc. Cette Abstraction de 1974, de grande taille (115 x 89 cm) offre une rare immersion au coeur d’une période fondamentale pour l’évolution du style de l'artiste. C’est pour lui une phase méditative, minimaliste, ascétique et architecturée. Cette pièce se distingue par la rare présence d'un fond de couleur ocre, un choix inhabituel dans la palette de Marfaing. Dès le premier regard, l'observateur est frappé par la maîtrise exceptionnelle du geste de l'artiste. Les lignes et les formes sont méticuleusement structurées, révélant une profonde compréhension de l'équilibre entre le vide et le plein. Au centre du tableau, la matière picturale s'épaissit, créant un point focal qui attire l'attention sans amenuiser l'harmonie globale de la composition. Marfaing opte ici pour un jeu subtil d'ombres et de lumières, créant une tension visuelle saisissante. L'ocre et le noir se mêlent de manière magistrale, évoquant un dialogue entre la chaleur de la couleur et la profondeur de l'obscurité. En contemplant cette pièce, on ne peut s'empêcher de ressentir l'influence spirituelle qui imprègne l'ensemble de l'oeuvre de Marfaing. Chaque coup de pinceau semble être une méditation, une exploration constante du conflit entre l'ombre et la lumière, du néant à l'être. Cette Composition de 1974 témoigne non seulement de l'habileté technique de l'artiste mais également de sa capacité à atteindre un équilibre parfait où la tension du trait répond à l'écriture stable des volumes.

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ROBERT COMBAS (né en 1957) DANS LA VERDURE AVEC MONTAGNE, JOUONS DU CLAIRON AVEC TROMPETTE À CHEVAL SUR MON COPAIN EDMOND LE RANDONNEUR MONTEUR DE CHEMINS, 1999 Acrylic on canvas, signed lower right and countersigned on reverse 116 x 89 cm - 45 43/64 x 35 3/64 in.

ROBERT COMBAS (né en 1957) dans la verdure avec montagne, jouons du clairon avec trompette à cheval sur mon copain edmond le randonneur monteur de chemins, 1999 年 丙烯酸画布，右下方有签名，背面有副签名 116 x 89 cm - 45 43/64 x 35 3/64 in. 该作品已被罗伯特-康巴斯档案馆收藏。 出处： 贝勒库尔画廊，里昂，1999 年 私人收藏，里昂

ROBERT COMBAS (né en 1957)

ROBERT COMBAS (né en 1957) DANS LA VERDURE AVEC MONTAGNE, JOUONS DU CLAIRON AVEC TROMPETTE À CHEVAL SUR MON COPAIN EDMOND LE RANDONNEUR MONTEUR DE CHEMINS, 1999 Acrylique sur toile, signée en bas à droite, contresignée au dos 116 x 89 cm - 45 43/64 x 35 3/64 in. Cette oeuvre est répertoriée dans les Archives Robert Combas. PROVENANCE: Galerie de Bellecour, Lyon, 1999 Collection privée, Lyon

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ROGER DESSERPRIT (1923 - 1985) Portique, 1960 Sculpture in bronze with shaded brown patina, Paumelle foundry, signed, dated and justified E.A. 3/4 on the edge of the terrace. 130 x 45 x 30 cm - 51 3/16 x 17 23/32 x 11 13/16 in.

ROGER DESSERPRIT (1923 - 1985) 门廊，1960 年 青铜雕塑，带棕色光泽，Paumelle 铸造厂，露台边缘有签名、年代和 E.A. 3/4 字样。 130 x 45 x 30 cm - 51 3/16 x 17 23/32 x 11 13/16 in. 感谢 Jean Michel Gout Werner 先生确认该作品的真实性。 出处：法国私人收藏 私人收藏，法国

ROGER DESSERPRIT (1923 - 1985)

ROGER DESSERPRIT (1923 - 1985) Portique, 1960 Sculpture en bronze à patine brune nuancée, Paumelle fondeur, signé, daté et justifié E.A. 3/4 sur la tranche de la terrasse. 130 x 45 x 30 cm - 51 3/16 x 17 23/32 x 11 13/16 in. Nous remercions M Jean Michel Gout Werner de vous avoir aimablement confirmé l'authenticité de cette oeuvre. PROVENANCE: Collection privée, France

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PIERRE BURAGLIO (né en 1939) Porte de 2CV, 1992 Metal and stained glass, signed and dated on reverse 100 x 80 cm - 40 5/32 x 32 43/64 in.

PIERRE BURAGLIO (né en 1939) 2CV 车门，1992 年 金属和彩色玻璃，背面有签名和日期 100 x 80 cm - 40 5/32 x 32 43/64 in. 感谢艺术家确认此作品的真实性。 出处：私人收藏，巴黎 私人收藏，巴黎

PIERRE BURAGLIO (né en 1939)

PIERRE BURAGLIO (né en 1939) Porte de 2CV, 1992 Métal et vitrail, signé et daté au dos 100 x 80 cm - 40 5/32 x 32 43/64 in. Nous remercions l'artiste de nous avoir aimablement confirmé l'authenticité de cette oeuvre. PROVENANCE: Collection privée, Paris

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PIERRE BURAGLIO (né en 1939) Double fréquences, 1988 Dyptic windows, wood and glass, signed and dated on reverse 121 x 21,5 cm et 121 x 18 cm 47 41/64 x 8 15/32 and 47 41/64 x 7 3/32 in.

PIERRE BURAGLIO (né en 1939) 双频，1988 年 Dyptic 窗、木材和玻璃，背面有签名和日期 121 x 21.5 厘米和 121 x 18 厘米 47 41/64 x 8 15/32 和 47 41/64 x 7 3/32 英寸。 感谢艺术家确认该作品的真实性。 出处：巴黎私人收藏 私人收藏，巴黎

PIERRE BURAGLIO (né en 1939) Double fréquences, 1988 Dyptique fenêtres, bois et verre, signé et daté au dos 121 x 21,5 cm et 121 x 18 cm 47 41/64 x 8 15/32 and 47 41/64 x 7 3/32 in. Nous remercions l'artiste de nous avoir aimablement confirmé l'authenticité de cette oeuvre. PROVENANCE: Collection privée, Paris

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CLAUDE VIALLAT (né en 1936) 106/1982, 1982 Acrylic on armchair background 67 x 42 cm (toile) - 26 3/8 x 16 11/32 in. (canvas) 115 x 42 cm (total) - 45 9/32 x 16 17/32 in. (total)

CLAUDE VIALLAT (né en 1936) 106/1982, 1982 扶手椅背景上的丙烯 67 x 42 厘米（画布）- 26 3/8 x 16 11/32 英寸（画布） 115 x 42 厘米（总计）- 45 9/32 x 16 17/32 英寸（总计） 买方将获得克劳德-维亚拉特工作室出具的日期为 2024 年 2 月 28 日的鉴定证书。 出处： 让-福尼尔画廊，巴黎 私人收藏，法国

CLAUDE VIALLAT (né en 1936)

CLAUDE VIALLAT (né en 1936) 106/1982, 1982 Acrylique sur fond de fauteuil 67 x 42 cm (toile) - 26 3/8 x 16 11/32 in. (canvas) 115 x 42 cm (total) - 45 9/32 x 16 17/32 in. (total) Un certificat d'authenticité de l'atelier Claude Viallat, en date du 28 février 2024, sera remis à l'acquéreur. PROVENANCE: Galerie Jean Fournier, Paris Collection privée, France

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HENRI MICHAUX (1899 - 1984) Bandeau pour «Immense Voix» Ink on paper, signed lower right, bearing a title lower part 4.9 x 20.8 cm (dessin) - 1 59/64 x 8 3/16 (drawing) 10.9 x 20.8 cm (feuille) - 4 19/64 x 8 3/16 (paper)

HENRI MICHAUX (1899 - 1984) 巨大的声音》头饰 纸本水墨，右下方有签名，下方有标题 4.9 x 20.8 厘米（素描）- 1 59/64 x 8 3/16 （素描） 10.9 x 20.8 厘米（纸张）- 4 19/64 x 8 3/16 （纸张） 这件作品将收录在由 Micheline Phankim、Rainer Michael Mason 和 Franck Leibovici 编写的目录中。 出处： 2007 年 10 月 17 日，Mes Binoche et Gicquello 拍卖会 法国私人收藏 注：《亨利-米肖作品全集》卷中提到过这幅画： 这幅画在 OEuvres complètes d'Henri Michaux, vol.Gallimard 的 La Pléiade 作品集第 1 卷（第 1332 页和第 1349 页）中提到过这幅画。

HENRI MICHAUX (1899 - 1984)

HENRI MICHAUX (1899 - 1984) Bandeau pour «Immense Voix» Encre sur papier, signée en bas à droite, portant un titre en bas 4.9 x 20.8 cm (dessin) - 1 59/64 x 8 3/16 (drawing) 10.9 x 20.8 cm (feuille) - 4 19/64 x 8 3/16 (paper) Cette oeuvre sera incluse au catalogue raisonné en préparation par Micheline Phankim, Rainer Michael Mason, et Franck Leibovici. PROVENANCE: Vente Mes Binoche et Gicquello, 17 octobre 2007 Collection privée, France NOTE: Il est fait mention de ce dessin dans l'ouvrage OEuvres complètes d'Henri Michaux, vol. 1 de la collection La Pléiade chez Gallimard (pages 1332 et 1349).

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JEAN LEPPIEN (1910-1991) Composition abstraite, 1948 Oil on canvas, monogrammed lower left, signed and dated on reverse 53 x 63 cm - 20 55/64 x 24 51/64 in.

JEAN LEPPIEN (1910-1991) 抽象构图，1948 年 布面油画，左下方有花押，背面有签名和日期 53 x 63 厘米 - 20 55/64 x 24 51/64 英寸。 出处：巴黎 Lahumière 画廊： 拉胡米耶画廊，巴黎，2005 年 私人收藏，巴黎

JEAN LEPPIEN (1910-1991)

JEAN LEPPIEN (1910-1991) Composition abstraite, 1948 Huile sur toile, monogrammée en bas à gauche, signée et datée au dos 53 x 63 cm - 20 55/64 x 24 51/64 in. PROVENANCE: Galerie Lahumière, Paris, 2005 Collection privée, Paris

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KAREL APPEL (1921 - 2006) Sans titre Patchwork composition signed lower right 70 x 145 cm (à vue) - 27 9/16 x 57 3/32 in. (in sight)

KAREL APPEL (1921 - 2006) 无题 织物构图，右下方有签名 70 x 145 厘米（视线中）- 27 9/16 x 57 3/32 英寸（视线中） 出处：罗宾逊画廊 罗宾逊画廊 私人收藏，比利时

KAREL APPEL (1921 - 2006)

KAREL APPEL (1921 - 2006) Sans titre Composition en assemblage de tissus signée en bas à droite 70 x 145 cm (à vue) - 27 9/16 x 57 3/32 in. (in sight) PROVENANCE: Robinsons gallery Collection privée, Belgique

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PHILIPPE HIQUILY (1925 - 2013) L'instable I, 1960 Iron, signed and dated on the base 66 x 68 x 28 cm - 25 63/64 x 26 49/64 x 11 1/32 in.

PHILIPPE HIQUILY (1925 - 2013) L'instable I，1960 年 锻铁，底座上有签名和年代 66 x 68 x 28 cm - 25 63/64 x 26 49/64 x 11 1/32 in. 出处：巴黎伊夫-加斯图画廊 伊夫-加斯图画廊，巴黎 私人收藏，巴黎 参考书目： MARINI AlexandraI | Philippe Hiquily: catalogue raisonné, 1948 - 2011, Volume 1, Paris： - MARINI AlexandraI | Philippe Hiquily: catalogue raisonné, 1948 - 2011, Volume 1, Paris, Editions Loft, 2012| similar copy reproduced p.132 - JOUFFROY Jean | Hiquily，Edition Georges Fall，巴黎，1962 年；同类作品第 76 页转载

PHILIPPE HIQUILY (1925 - 2013)

PHILIPPE HIQUILY (1925 - 2013) L'instable I, 1960 Fer forgé, signé et daté sur le socle 66 x 68 x 28 cm - 25 63/64 x 26 49/64 x 11 1/32 in. PROVENANCE: Galerie Yves Gastou, Paris Collection privée, Paris BIBLIOGRAPHIE: - MARINI AlexandraI | Philippe Hiquily : catalogue raisonné, 1948 - 2011, Volume 1, Paris, Editions Loft, 2012 | exemplaire similaire reproduit p.132 - JOUFFROY Jean | Hiquily, Edition Georges Fall, Paris, 1962 | exemplaire similaire reproduit p. 76

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TONY MATELLI (né en 1971) Abandon (Weeds), 1999 - 2001 PVC, painted polyurethane 60 x 10 x 10 cm - 23 5/8 x 3 15/16 x 3 15/16 in.

TONY MATELLI (né en 1971) 放弃（杂草），1999 - 2001 聚氯乙烯、涂漆聚氨酯 60 x 10 x 10 cm - 23 5/8 x 3 15/16 x 3 15/16 in. 保存人： 西斯 + 霍克画廊，杜塞尔多夫 私人收藏，法国

TONY MATELLI (né en 1971)

TONY MATELLI (né en 1971) Abandon (Weeds), 1999 - 2001 PVC, polyuréthane peint 60 x 10 x 10 cm - 23 5/8 x 3 15/16 x 3 15/16 in. PROVENANCE: Galerie Sies + Höke, Düsseldorf Collection privée, France

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