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Peintres D’Asie Œuvres Majeures - Họa Sĩ Châu Á Tác Phẩm Quan Trọng -  亞洲繪畫 • 經典傑作 [36]

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NGUYỄN NAM SƠN (1890-1973) Jeunes femmes revenant de la récolte Ink and wash on paper mounted on cardboard, monogramed upper right and signed lower left 24 x 4 3/8 in. This work in ink and wash on paper depicts two figures returning from the harvest, a scene of daily life in Vietnam at the time. While the subject demonstrates typically Asian heritage, the work’s composition in several successive picture planes reveals eminently modern inventivity coming from occidental teachings. NGUYỄN NAM SƠN Nguyễn Vạn Thọ, better known as Nam Sơn, was born in Hanoi in 1890 and went to the High School of the Protectorate, where he was introduced to Western art. Attracted by drawing, he contributed to the illustration of numerous manuals, newspapers, and magazines. His predispositions allowed him to meet Victor Tardieu, winner of the Indochina Prize of 1920, who became his mentor. Alongside his master, the Vietnamese artist brilliantly painted in oil and exhibited his first paintings in 1923. In 1924, the Indochina School of Fine Arts is founded where both Western and Asian techniques, such as silk painting and lacquer, were taught. A veritable talent pool, the establishment later produced the biggest names in Vietnamese painting, including Lê Phổ, Mai Thu and Vũ Cao Đàm.

NGUYỄN NAM SƠN (1890-1973) 收获后归来的年轻妇女 纸上水墨画，裱在纸板上，右上方有字，左下方有签名 61 x 36.6 cm - 24 x 4 3/8 in. 证据 直接在河内获得，是1934年至1959年期间驻亚洲外交官和1954年至1959年驻河内总代表的外交官助理的收藏。 私人收藏，巴黎（1960年通过家族传承）。 这幅水墨画描绘了两个收割后回来的人，是当时越南日常生活的一个场景。如果说这个主题证明了典型的亚洲传统，那么在几个连续的平面上的构图则显示了一种来自西方教义的明显的现代创造性。 NAM SỄN NGUYỄN NAM SƠN Nguyễn Vạn Thọn phương án đúng án đúng đúng đúng đúng đúng đúng đúng đúng đúng đúng đúng đúng đúng đúng đúng đúng đúng受绘画的吸引，他参与了许多手册、报纸和杂志的插画工作。他的倾向性使他认识了1920年印度支那奖得主维克多-塔迪厄，后者成为他的导师。在师父的带领下，这位越南艺术家出色地练习了油画，并在1923年展出了他的第一幅画。1924年，Victor Tardieu成立了印度支那美术学校，Nam Sơn是他的第一个弟子。西方和亚洲的艺术技巧，如丝绸画和漆器，都以同样的方式传授。该机构是名副其实的人才培养基地，后来诞生了越南绘画界最伟大的人物，如Lê Phổ、Mai Thu和Vũ Cao Đàm。

NGUYỄN NAM SƠN (1890-1973)

NGUYỄN NAM SƠN (1890-1973) Jeunes femmes revenant de la récolte Encre et lavis sur papier marouflé sur carton, monogrammée en haut à droite et signée en bas à gauche 61 x 36.6 cm - 24 x 4 3/8 in. PROVENANCE Acquis directement à Hanoï, collection d’un diplomate en Asie entre 1934 et 1959 et diplomate adjoint au délégué général à Hanoï de 1954 à 1959. Collection privée, Paris (transmis familialement en succession du précédent en 1960) Cette encre et lavis sur papier met en scène deux personnages revenant de la récolte, scène de la vie quotidienne du Vietnam de l’époque. Si le sujet atteste d’un héritage typiquement asiatique, la composition en plusieurs plans successifs révèle quant à elle une inventivité éminemment moderne, tirée des enseignements occidentaux. NGUYỄN NAM SƠN Nguyễn Vạn Thọ, plus connu sous son nom d’artiste Nam Sơn, naît à Hanoï en 1890 et étudie au lycée du protectorat, où il est initié à l’art occidental. Attiré par le dessin, il collabore à l’illustration de nombreux manuels, journaux et revues. Ses prédispositions lui permettent de rencontrer Victor Tardieu, lauréat du prix de l’Indochine de 1920, qui devient son mentor. Aux côtés de son maître, l’artiste vietnamien s’exerce avec brio à la peinture à l’huile et expose ses premières toiles dès 1923. En 1924, l’École des Beaux-Arts de l’Indochine est fondée par Victor Tardieu, dont Nam Sơn est le premier disciple. Sont pareillement enseignées les techniques artistiques occidentales et asiatiques, telles que la peinture sur soie ou la laque. Véritable vivier de talents, l’établissement donnera par la suite naissance aux plus grands noms de la peinture vietnamienne, à l’instar de Lê Phổ, Mai Thu ou encore Vũ Cao Đàm.

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MAI TRUNG THỨ (1906-1980) Mélodie, 1950 Ink and color on silk, signed and dated lower left, titled on reverse. In its original frame made by the artist 19 5/8 x 24 in. Mai Thu is an accomplished artist. He plays the độc huyền, a typical Vietnamese single-stringed musical instrument, which he regularly incorporates into his compositions. It is therefore understandable to find a wide variety of works depicting female musicians among those of the artist. In the composition we present, Mai Trung Thứ depicts two seated figures against a brown, almost plain background. The girl is playing the đàn nguyệt (lunoline), which is a Vietnamese two-stringed zither. The skilfully chosen tones are discreetly echoed and form a joyful composition. If the interpretation of this work is based on the artist’s native culture, he also manages to infuse it with multiple Western references. Indeed, due to his apprenticeship at the School of Fine Arts in Indochina, but also impregnated with the European techniques, Mai Trung Thứ incorporates the know-how of his adopted continent. The delicacy of the fabric lets perceive by transparency, the clothing of the character. Tea time, a moment of sharing and serenity, holds an important place in Asian culture, illustrated here by the presence of the small porcelain service and the wooden tea boat. Structured around the melody, the work here painted is the symbiosis of Western painting with the origins of Mai Trung Thứ, demonstrating once again the virtuosity of the artist. Anxious to offer a work of art in its entirety, Mai Trung Thứ attaches great importance to the realization of the framing, which he often does himself. As a craftsman and artist, Mai Trung Thứ fully masters the precepts of his training, which he has been able to surpass and put at the service of his artistic convictions. MAI TRUNG THỨ Born in 1906 near Haïphong, Mai Trung Thứ attended the French high school in Hanoi. Like Lê Phổ, Vũ Cao Đàm and Lê Văn Đệ, he was a member of the first class of the Indochina School of Fine Arts, founded and directed by the painter Victor Tardieu. Invited to participate in the 1931 Colonial Exhibition, Mai Thu discovered France. Falling under the spell, he settled there in 1937 and remained until the end of his life. Although he was strongly influenced by the artistic education he received from Tardieu and Joseph Inguimberty, he was the one of his comrades who retained the deepest Vietnamese identity. Mai Thu devoted himself to gouache or ink on silk, typically Asian processes that allowed him to develop an art rich in reminiscence of traditional Chinese and Vietnamese art. As an independent artist, he is no less committed and concerned about the future of his country

MAI TRUNG THỨ (1906-1980) Melody, 1950 丝绸上的水墨和色彩，左下方有签名和日期，背面有标题和日期。在艺术家制作的原始框架中 49,8 x 61 cm - 19 5/8 x 24 in. 买方将获得一份列入艺术家目录的证书，该目录目前正由夏洛特-阿古特斯-雷尼尔为巴黎亚洲艺术家协会准备。 证据 私人收藏，巴黎（50年代末获得）。 私人收藏，巴黎地区（1990年左右由上一任主人通过家庭传下来的）。 Mai Thu是一位有成就的艺术家。他演奏độc huyền，一种典型的越南单弦乐器，他经常把这种乐器融入他的作品中。因此，在这位艺术家的作品中发现各种各样描绘女性音乐家的作品是很好理解的。在我们介绍的这幅作品中，Mai Trung Thứ描绘了两个坐着的人物，背景是棕色的，几乎是普通的。这个女孩弹奏的是越南的双弦古筝đàn nguyệt（lunoline）。 巧妙选择的音调谨慎地相互呼应，形成了一个快乐的构图。虽然对这件作品的解读是基于艺术家的本土文化，但他也设法在其中注入了多种西方的参考资料。事實上，他在印度支那美術學校的學徒訓練中得到了加強，但也受到了歐洲技術的浸潤，麥仲圖接受了他所居住的大陸的知識。织物的精致使人物的服装被看穿。作为分享和宁静的时刻，茶在亚洲文化中占有重要地位，这里的小瓷器和木制茶船的存在说明了这一点。围绕着旋律的结构，这里画的作品是西方绘画与Mai Trung Thứ的起源的共生，再次显示了艺术家的精湛技艺。渴望提供一个完整的艺术作品，麦仲图把重要的部分放在实现框架上，他经常自己做。作为一个工匠和艺术家，麦仲图完全掌握了他的教学戒律，他已经能够超越这些戒律并为他的信念服务。 梅忠泰 1906年出生在海丰附近，麦仲德在河内的法国中学上学。与Lê Phổ、Vũ Cao Đàm或Lê Văn Đệ一样，他是由画家Victor Tardieu创立和指导的印度支那美术学校的第一届毕业生。应邀参加了1931年的殖民地展览，麦秋发现了法国。他被它的魅力所吸引，于1937年搬到那里，在那里一直待到他生命的尽头。尽管他受到塔迪欧和约瑟夫-英吉利的艺术教育的强烈影响，但他是他的同志中保留最深刻的越南身份的人。Mai Thu致力于在丝绸上使用水粉或水墨，这些典型的亚洲工艺使他能够发展出一种富有对中国和越南传统艺术回忆的艺术。作为一个独立的艺术家，他对自己国家的未来的承诺和关注丝毫不减。

MAI TRUNG THỨ (1906-1980)

MAI TRUNG THỨ (1906-1980) Mélodie, 1950 Encre et couleurs sur soie, signée et datée en bas à gauche, titrée et datée au dos. Dans le cadre original réalisé par l’artiste 49,8 x 61 cm - 19 5/8 x 24 in. Une attestation d’inclusion au catalogue raisonné de l’artiste actuellement en préparation par Charlotte Aguttes-Reynier pour l’association des Artistes d’Asie à Paris sera remise à l’acheteur. PROVENANCE Collection privée, Paris (acquis à la fin des années 1950) Collection privée, région parisienne (transmis familialement du précédent vers 1990) Mai Thu est un artiste accompli. Il joue du độc huyền, un instrument de musique monocorde typique du Vietnam, qu’il a régulièrement intégré dans ses compositions. Il est alors assez compréhensible de retrouver une grande variété d’œuvres illustrant des musiciennes parmi celles de l’artiste. Dans la composition que nous présentons, Mai Trung Thứ dépeint deux personnages assis, dans un fond brun, presque uni. La jeune fille joue du đàn nguyệt (lunoline), cithare vietnamienne à deux cordes. Les tonalités habilement choisies, se font discrètement écho et forment une joyeuse composition. Si la lecture de cette œuvre repose sur la culture natale de l’artiste, il parvient également à y insuffler de multiples références occidentales. En effet, fort de son apprentissage à l’École des Beaux-Arts de l’Indochine, mais aussi imprégné des techniques européennes Mai Trung Thứ reprend le savoir-faire de son continent d’adoption. La délicatesse du tissu laisse percevoir par transparence, le vêtement du personnage. Moment de partage et de sérénité, le thé tient une place importante dans la culture asiatique, illustré ici par la présence du petit service de porcelaine et du bateau à thé. en bois. Structurée autour de la mélodie, l’œuvre ici peinte est la symbiose de la peinture occidentale avec les origines de Mai Trung Thứ, démontrant une nouvelle fois la virtuosité de l’artiste. Soucieux d’offrir une œuvre d’art dans sa globalité, Mai Trung Thứ attache une part importante à la réalisation de l’encadrement qu’il effectue souvent lui-même. Artisan et artiste, Mai Trung Thứ maîtrise pleinement les préceptes de son enseignement qu’il a su dépasser et mettre au service de ses convictions. MAI TRUNG THỨ Né en 1906 près de Haïphong, Mai Trung Thứ suit sa scolarité au lycée français d’Hanoï. Tout comme Lê Phổ, Vũ Cao Đàm ou Lê Văn Đệ, il fait partie de la première promotion de l’École des Beaux-Arts de l’Indochine, fondée et dirigée par le peintre Victor Tardieu. Invité à participer à l’Exposition coloniale de 1931, Mai Thu découvre la France. Tombé sous son charme, il s’y installe en 1937 et y demeure jusqu’à la fin de sa vie. Bien que fortement marqué par l’enseignement artistique qu’il reçoit de la part de Tardieu et de Joseph Inguimberty, il est celui de ses camarades qui garde l’identité vietnamienne la plus profonde. Mai Thu se consacre à la gouache ou à l’encre sur soie, procédés typiquement asiatiques qui lui permettent de développer un art riche en réminiscence des arts chinois et vietnamiens traditionnels. Artiste indépendant, il n’en reste pas moins engagé et soucieux du devenir de son pays.

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MAI TRUNG THỨ (1906-1980) Jeune femme arrangeant des f leurs de lotus, 1943 Ink and color on silk, signed and dated lower left 23 1/2 x 16 7/8 in.

MAI TRUNG THỨ (1906-1980) 年轻的女人在布置荷花，1943年 丝绸上的水墨和色彩，左下方有签名和日期 59.6 x 43 cm - 23 1/2 x 16 7/8 in. 夏洛特-阿古特斯-雷尼尔目前正在为巴黎亚洲艺术家协会准备的艺术家目录中，将向买方提供一份收录证书。 证据 20世纪40年代由巴黎的一位收藏家获得 私人收藏，巴黎（通过90年代前者的传输）。

MAI TRUNG THỨ (1906-1980) Jeune femme arrangeant des f leurs de lotus, 1943 Encre et couleurs sur soie, signée et datée en bas à gauche 59.6 x 43 cm - 23 1/2 x 16 7/8 in. Une attestation d’inclusion au catalogue raisonné de l’artiste actuellement en préparation par Charlotte Aguttes-Reynier pour l’association des Artistes d’Asie à Paris sera remise à l’acquéreur PROVENANCE Acquis par un collectionneur parisien dans les années 1940 Collection privée, Paris (par transmission du précédent dans les années 1990)

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* LÊ PHỔ (1907-2001) L’ illumination de Bouddha, 1947 Ink and color on silk, signed and dated lower lef 34 x 44 7/8 in L’Illumination de Bouddha refers to the Awakening of Siddhārtha Gautama. After a life of opulence and pleasures, the prince compels himself to poverty and fasting. Not finding the quietude sought in either of these two paths, he goes to the edge of the river, bathes there then sits at the foot of a tree to enter into meditation and thus find the way. The demon Mâra seeks to prevent him from reaching Awakening and sends him several kinds of temptations: first his own daughters to seduce him with dance and flattery, then his soldiers or, depending on the version, his watches. Siddhārtha Gautama remains impassive and then becomes Buddha. “It is near the village of Uruvelâ, south of Patna, that the Gautama, seated at the foot of a fig tree, at the revelation of revealing knowledge.” 1 It is the first temptation that is represented in this painting by Lê Phô. In the Buddhist culture, the army of Mâra describes the feelings of confusion coming to disturb the human spirit. This order of an individual evokes the interior torment without warlike aspect. A woman makes an offering to Gautama, the two contents on the right of the painting appear to be dancing and can thus represent the daughters of the Mâra demons. As for the two peacocks perched on a branch, they can be interpreted in at least two ways. The first would be Western, stemming from Greek mythology, and would place the animal as a symbol of vanity. The second, closer to Buddhist culture, these birds as symbols of beauty and transmutation, hunters of snakes and synonyms of immortality. The cloud of smoke that crosses the painting in halos illustrates the link between the earth and the sky, the material and the spiritual, the soul towards the beyond. This episode precedes the Benares sermon during which Buddha shares his revelations, and which results in the conversion of five monks. The number of followers then increases rapidly.

* LÊ PHỔ (1907-2001) 《佛陀的觉悟》，1947年 丝绸上的水墨和彩色，左下方有签名和日期 86,5 x 114 cm - 34 x 44 7/8 in 买方将得到一份列入艺术家目录的证书，该目录目前正由夏洛特-阿古特-雷尼尔为巴黎亚洲艺术家协会准备。 证据 私人收藏，巴黎（艺术家的一个朋友为她的巴黎之家特别委托的）。 私人收藏，芝加哥（从1990年代的前一个家族传下来的）。 相关的工作 奥迪隆-雷东（1840 - 1916），《佛》，1906 - 1907。米色纸上的粉笔画，90 x 73厘米。巴黎，奥赛博物馆 佛陀的觉悟指的是释迦牟尼的觉悟。在经历了富裕和享乐的生活后，王子服从于贫穷和禁食。在这两种方式中，他都没有找到想要的安静，于是他来到河边，在河里洗澡，然后坐在树脚下进入冥想，从而找到了道路。恶魔马拉试图阻止他开悟，并给他送来了几种诱惑：首先是他自己的女儿用舞蹈和奉承来诱惑他，然后是他的士兵，或者根据版本，他的怪物。释迦牟尼佛保持无动于衷，然后成佛。"就在巴特那南部的乌鲁维拉村附近，坐在无花果树脚下的鸠摩罗什得到了启示性的知识。"1 这是列佛在这幅画中表现的第一个诱惑。在佛教文化中，Mâra的军队描述了困扰人类心灵的混乱感受。这个来自私人的委托唤起了内心的煎熬，而没有战争的一面。一个女人向乔达摩献上祭品，画中右边的两人似乎在跳舞，因此可能代表马拉恶魔的女儿。至于树枝上的两只孔雀，至少可以用两种方式来解释。第一种是西方的，来自希腊神话，并将动物作为虚荣的象征。第二种，更接近于佛教文化，会把这些鸟看作是美丽和嬗变的象征，是捕蛇者和不朽的代名词。贯穿画作的烟云在光晕中说明了大地与天空、物质与精神、灵魂与超越之间的联系。这一情节发生在贝拿勒斯布道会之前，在布道会上，佛陀分享了他的启示，并导致五位僧人皈依。随后，追随者的数量迅速增加。

* LÊ PHỔ (1907-2001)

* LÊ PHỔ (1907-2001) L’ illumination de Bouddha, 1947 Encre et couleur sur soie, signée et datée en bas à gauche 86,5 x 114 cm - 34 x 44 7/8 in Une attestation d’inclusion au catalogue raisonné de l’artiste actuellement en préparation par Charlotte Aguttes-Reynier pour l’association des Artistes d’Asie à Paris sera remise à l’acheteur. PROVENANCE Collection privée, Paris (commande spéciale par une amie de l’artiste pour son domicile parisien) Collection privée, Chicago (transmis familialement du précédent dans les années 1990) OEUVRE EN RAPPORT Odilon Redon (1840 - 1916), Le Bouddha, 1906 - 1907. Pastel sur papier beige, 90 x 73 cm. Paris, Musée d’Orsay L’Illumination de Bouddha fait référence à l’Éveil de Siddhārtha Gautama. Après une vie d’opulence et de plaisirs, le prince s’astreint à la pauvreté et au jeûne. Ne trouvant la quiétude recherchée dans aucune de ces deux voies, il se rend au bord de la rivière, s’y baigne puis s’assied au pied d’un arbre pour entrer en méditation et ainsi trouver le chemin. Le démon Mâra cherche à l’empêcher d’atteindre l’Éveil et lui envoie plusieurs sortes de tentations : d’abord ses propres filles pour le séduire par la danse et la flatterie, ensuite ses soldats ou, selon les versions, ses montres. Siddhārtha Gautama reste impassible et devient alors Bouddha. « C’est près du village de Uruvelâ, au sud de Patna, que le Gautama, assis au pied d’un figuier, a la révélation de la connaissance révélatrice. »1 C’est la première tentation qui est représentée dans ce tableau de Lê Phô. Dans la culture bouddhique, l’armée de Mâra décrit les sentiments de confusion venant troubler l’esprit humain. Cette commande d’un particulier évoque le tourment intérieur sans aspect guerrier. Une femme fait une offrande à Gautama, les deux situées à droite du tableau paraissent danser et peuvent ainsi représenter les filles des démons Mâra. Quant aux deux paons posés sur une branche, ils peuvent être interprétés d’au moins deux manières. La première serait occidentale, issue de la mythologie grecque, et placerait l’animal comme symbole de vanité. La deuxième, plus proche de la culture bouddhiste, ces oiseaux comme symboles de beauté et de transmutation, chasseurs de serpents et synonymes d’immortalité. La nuée de fumée qui parcourt le tableau en halos illustre le lien entre la terre et le ciel, le matériel et le spirituel, l’âme vers l’au-delà. Cet épisode précède le sermon de Bénares lors duquel Bouddha partage ses révélations, et qui aboutit sur la conversion de cinq moines. Le nombre des adeptes augmente alors rapidement.

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MAI TRUNG THỨ (1906-1980) Deux enfants à la lecture, 1941 Ink and color on silk, signed and dated lower left 16 7/8 x 10 7/8 in A patriotic artist who is proud of his origins, Mai Trung Thứ has never ceased to pay homage to Vietnam through the representation of characters evoking his native country: family in traditional dress, young woman with Asian canons, children playing Cờ tướng... The piece presented echoes the two young children on a yellow background that the artist also produces. In the same way, two children take place in the center of the composition, immersed in their thoughts, whose shimmering palette of the artist participates in the expressiveness of the children. The balance of the pyramidal composition is based on the movement of the young children in reflection. One, dressed in yellow, delicately holds his chin, pointing to a passage in his work, while the second, in blue, holds his head, concentrated.

MAI TRUNG THỨ (1906-1980) 两个孩子在读书，1941年 丝绸上的水墨和色彩，左上方有签名和日期 42.8 x 27.5 cm - 16 7/8 x 10 7/8 in. 夏洛特-阿古特斯-雷尼尔目前正在为巴黎亚洲艺术家协会准备的艺术家目录中，将向买方提供一份收录证书。 证据 私人收藏，法国（1940年代初获得）。 私人收藏，法国（从那时起就通过家族传承）。 作为一个为自己出身而自豪的爱国艺术家，Mai Trung Thứ从未停止过对越南的致敬，通过表现唤起他的祖国的人物：一个拿着亚洲枪的年轻女人，玩Cờ tương的孩子，一个穿着传统服装的家庭......这里展示的作品与艺术家同样制作的黄色背景上的两个年轻孩子相呼应。以同样的方式，两个孩子在构图的中心位置，沉浸在他们的倒影中，艺术家闪亮的调色板参与到孩子们的表现力中。金字塔式构图的平衡是基于反思中的幼儿的运动。其中一位身着黄色衣服的人微妙地托着下巴，指着他作品中的一段话，而第二位身着蓝色衣服的人则抱着头专注地看着。

MAI TRUNG THỨ (1906-1980) Deux enfants à la lecture, 1941 Encre et couleurs sur soie, signée et datée en haut à gauche 42.8 x 27.5 cm - 16 7/8 x 10 7/8 in. Une attestation d’inclusion au catalogue raisonné de l’artiste actuellement en préparation par Charlotte Aguttes-Reynier pour l’association des Artistes d’Asie à Paris sera remise à l’acquéreur PROVENANCE Collection privée, France (acquis au début des années 1940) Collection privée, France (transmis familialement depuis) Artiste patriote et fier de ses origines, Mai Trung Thứ n’a cessé de rendre hommage au Vietnam grâce à la représentation de personnages évoquant son pays natal : jeune femme aux canons asiatique, enfants jouant au Cờ tướng, famille en habits traditionnels… L’œuvre présentée fait écho aux deux jeunes enfants sur fond jaune que produit également l’artiste. De la même manière, deux enfants prennent place au centre de la composition, plongés dans leur réflexion dont la palette chatoyante de l’artiste participe à l’expressivité des enfants. L’équilibre de la composition pyramidale repose sur le mouvement des jeunes enfants en réflexion. L’un, vêtu de jaune se tient délicatement le menton, pointant du doigt un passage de son ouvrage, tandis que le second, en bleu, se tient la tête, concentré.

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NGUYỄN KHANG (1911-1989) La famille de bergers, 1986 Lacquer panel with gold highlights, 3 panels, signed and dated lower right 24 x 23 7/8 in. - 24 x 24 in. - 24 x 24 1/4 in. Total : 27 x 72 in. From this set of three panels emanate a quietude as well as a feeling ofsoftness recalled by the 1986 artist’s quote: Les fleurs sentent bon et les chevaux sont bien nourris : réussite et prospérité. This Vietnamese expression is in keeping with to the dynamic and joyful atmosphere that hangs over the lacquer. The breath of the wind is perceptible in the curvature of the tall grass and the watery movements. The robust horses accompany the work of the farmers. They symbolize, in the Vietnamese culture and more widely Asian culture, prosperity, success, development and bring success to the traders. In this scene, they snort, drink and contribute amply to the impression of happiness and serenity that emanates from the composition. It is a moment of pause which is illustrated here, the characters displaying expressions both joyful and relaxed. Nguyên Khang made this lacquer at the end of his life and demonstrates his mastery of an art worked on for years. Three years before he died, the work appears as an achievement by its technicality. Nguyễn Khang does not use all the techniques of traditional lacquer. He carves the lacquer, crushes the gold into powder and sprinkles it with engraved decoration, which he sands down in several successive layers. If the gold enhances the basketry pieces and the bodies of the workers, it also marks the movement of the water and the swimming of the fish. The contrasts with the shades of orange-red and silver are reinforced by the almost black and shiny background. NGUYỄN KHANG Vietnamese artist, Nguyên Khang was born in Hanoi in 1912. In 1935, Nguyên Kang graduated from the Hanoi School of Fine Arts. Along with his fellow students, such as Tran Van Can, Phạm Hậu and Nguyễn Gia Trí, he contributed to the birth of lacquer painting as a preeminent medium in modern Vietnamese art in the 20th century. The development of the artist’s work reached its peak following his trip to Paris, when he participated in the 1937 World’s Fair, in the Indochina pavilion. Shortly thereafter, in the early 1940s, he travelled to Japan, and finds in it a source of inspiration. As an artist accustomed to subjects related to the relationship between man and nature, many of his lacquers depict animals, such as horses, cats or birds. Many major galleries and museums such as Wonzimer have presented Nguyên Khang’s work in the past. Some of his works are notably exhibited at the Vietnam Museum of Fine Arts, although most are kept in private collections. Although Nguyên Khang is a renowned artist, few of his works are presented for sale on the international market today, and even fewer in France.

NGUYỄN KHANG (1911-1989) 牧羊人的家庭, 1986 漆器，有金色亮点，3个面板，右下角有签名和日期 61 x 60.5 cm - 61 x 61 cm - 61 x 61.5 cm 总计：61 x 183 cm 24 x 23 7/8 in.- 24 x 24 in.- 24 x 24 1/4 in. 总计：27 x 72 英寸。 相关工作 : Nguyên Khang 年轻的牧羊人，1982年。 艺术家家庭的前收藏。ẻmục đồng.1982. 证券时报》杂志社 从这套三幅画中，我们可以感受到艺术家在1986年拍卖会上的一句话：花儿香，马儿饱：成功和繁荣，让人想起一种宁静和温和的感觉。这种越南式的表达方式与漆器的动态和欢乐的气氛相一致。风的气息可以从高大的草的弯曲和水的流动中察觉出来。健壮的马匹伴随着农民的工作。在越南和更广泛的亚洲文化中，它们象征着繁荣、成功和发展，并给商人带来成功。在这个场景中，他们在打喷嚏和喝酒，对构图中散发出来的幸福和宁静的印象有很大贡献。这是一个停顿的时刻，在这里得到了说明，人物显示出既快乐又放松的表情。Nguyên Khang在其生命的最后阶段制作了这一漆器，并展示了他对这一艺术的掌握，而这一艺术是他多年来的心血。在他去世前的三年，该作品似乎是他技术能力的巅峰之作。 Nguyễn Khang并没有使用传统漆器的所有技术。他对漆进行雕刻，把金子碾成粉末，并在上面撒上雕刻的装饰，然后再连续打磨几层。虽然黄金加强了篮子和工人的身体，但它也标志着水的运动和鱼的游泳。橙红色和银色的色调的对比被几乎黑色和闪亮的背景所加强。 姜文杰(NGUYỄN) 越南艺术家Nguyên Khang于1912年在河内出生。1935年，阮康从河内美术学校毕业。他与陈文灿、范豪和阮家三等同学一起，为漆画作为20世纪越南现代艺术的一种杰出媒介的诞生做出了贡献。艺术家的作品发展在他的巴黎之行后达到了顶峰，当时他参加了1937年世界博览会印度支那馆的展览。此后不久，在1940年代初，正是一次日本之行滋养了他的艺术。作为一个习惯于与人与自然关系有关的主题的艺术家，他的一些漆画描绘了动物，如马、猫或鸟。许多主要的画廊和博物馆，如Wonzimer，过去曾展出过Nguyên Khang的作品。他的一些作品在越南美术博物馆展出，不过大多数作品都被私人收藏了。尽管Nguyên Khang是一位著名的艺术家，但他的作品在今天的市场上很少被展示出来，在法国更是少之又少。

NGUYỄN KHANG (1911-1989)

NGUYỄN KHANG (1911-1989) La famille de bergers, 1986 Laque, à rehauts d’or, 3 panneaux, signé et daté en bas à droite 61 x 60.5 cm - 61 x 61 cm - 61 x 61.5 cm Total : 61 x 183 cm 24 x 23 7/8 in. - 24 x 24 in. - 24 x 24 1/4 in. Total : 27 x 72 in. Oeuvre en rapport : Nguyên Khang Jeune berger, 1982. Ancienne collection de la famille de l’artiste. Trẻ mục đồng. 1982. Sưu tập gia đình họa sĩ De cet ensemble de trois panneaux émanent une quiétude ainsi qu’un sentiment de douceur rappelés par le commentaire de l’artiste lors de la vente en 1986 : Les fleurs sentent bon et les chevaux sont bien nourris : réussite et prospérité. Cette expression vietnamienne s’accorde à l’atmosphère dynamique et joyeuse qui plane sur la laque. Le souffle du vent est perceptible dans la courbure des herbes hautes et les mouvements aquatiques. Les chevaux robustes accompagnent le travail des paysans. Ils symbolisent, dans la culture vietnamienne et plus largement asiatique, la prospérité, le succès, le développement et amènent la réussite aux commerçants. Dans cette scène, ils s’ébrouent, s’abreuvent et contribuent amplement à l’impression de bonheur et de sérénité qui se dégage de la composition. C’est un moment de pause qui est ici illustré, les personnages affichant des expressions à la fois joyeuses et détendues. Nguyên Khang a réalisé cette laque à la fin de sa vie et démontre sa maîtrise d’un art travaillé des années durant. Trois ans avant sa mort, l’œuvre apparait comme un aboutissement par sa technicité. Nguyễn Khang n’utilise pas toutes les techniques de la laque traditionnelle. Il sculpte la laque, réduit l’or en poudre et en parsème le décor gravé, qu’il ponce sur plusieurs couches successives. Si l’or rehausse les pièces de vannerie et les corps des travailleurs, il marque aussi le mouvement de l’eau et la nage des poissons. Les contrastes avec les nuances de rouge orangé et d’argent sont renforcés par le fond presque noir et brillant. NGUYỄN KHANG Artiste vietnamien, Nguyên Khang naît à Hanoï en 1912. En 1935, Nguyên Kang est diplômé de l’École des Beaux-Arts de Hanoï. Avec ses camarades, tels que Tran Van Can, Pham Hau et Nguyen Gia Tri, il contribue à la naissance de la peinture sur laque en tant que médium prééminent dans l’art moderne vietnamien du XXe siècle. L’épanouissement de l’œuvre de l’artiste atteint son apogée suite au voyage qu’il effectue à Paris, lorsqu’il participe à l’Exposition universelle de 1937, au sein du pavillon Indochine. Peu de temps après, au début des années 1940, c’est un voyage au Japon qui nourrira cette fois son art. Artiste coutumier des sujets liés à la relation de l’homme à la nature, plusieurs de ses laques dépeignent des animaux, tels des chevaux, des chats ou des oiseaux. De nombreuses galeries et musées majeurs tels que Wonzimer, ont présenté le travail de Nguyên Khang par le passé. Quelques-unes de ses œuvres sont notamment exposées au Musée des Beaux-Arts du Vietnam, bien que la plupart soient conservées dans des collections privées. Si Nguyên Khang est un artiste réputé, rares sont ses œuvres présentées en vente sur le marché aujourd’hui, et encore plus rarement en France.

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LÊ PHỔ (1907-2001) Maternité Oil, ink and color on silk, signed and dated lower left 10 5/8 x 6 1/4 in Gradually, Lê Phổ becomes interested in oil on canvas which becomes an alternative to the work on silk, longer and more delicate. This evolution allows him a more gestural and immediate creation, as well as a more varied chromatic density. The Maternité that we present here is clearly revealing of an impressionist and nabis contribution to the work of Lê Phổ. His alert and rhythmic touch and the luminosity that he was able to infuse into the characters and flowers are very representative of this. While the canon of the protagonists remains invariably Asian, the subject matter and composition are inherited from Renaissance religious painting, inspired by the Madonnas with Child. On an ochre background, Lê Phổ establishes the grace and tenderness of the characters, which he emphasizes with the softness of three daisies, symbol of candor and innocence. Present in many of his paintings, the flower is a subject largely mastered by Lê Phổ. He made floral compositions one of his favorite subjects from the 1960s. All the virtuosity of the painter is established between the tenderness of this mother for her child, and the vivacity of the brush. The features of the young girl, her complexion and her hair reflect the canons of Asian beauty. Through a particularly mastered technique and a mixture of influences, Lê Phổ offers here a composition where his talent is at its peak.

LÊ PHỔ (1907-2001) 妇产科 丝绸上的油画、墨水和色彩，左上方有签名 27 x 16 cm - 10 5/8 x 6 1/4 in 买方将得到一份列入艺术家目录的证书，该目录目前正由夏洛特-阿古特-雷尼尔为巴黎亚洲艺术家协会准备。 证据 私人收藏，蒙彼利埃（1997年提供并保存至今）。 渐渐地，Lê Phổ对画布上的油画产生了兴趣，这成为了在丝绸上更耗时、更精细的工作的替代方案。这种演变使他的创作更具姿态性和即时性，同时也使他的色度密度更加丰富。我们在此呈现的母题，明显地显示出印象派和Nabis对Lê Phổ作品的贡献。他警觉而有节奏的触觉，以及他能够为人物和花朵注入的光辉，都非常具有代表性。虽然主人公的典范始终是亚洲人，但主题和装置却继承了文艺复兴时期的宗教绘画，灵感来自《带孩子的圣母》。在赭石色的背景上，Lê Phổ将人物的优雅和柔情融入其中，他用象征着坦率和纯真的三朵雏菊的柔软来强调这些。在他的许多画作中，花是一个主要由Lê Phổ掌握的主题。从20世纪60年代起，他将花卉创作作为他最喜欢的主题之一。画家的所有技艺都建立在这位母亲对她的孩子的温柔和画笔的活泼之间。年轻女孩的特征、她的肤色和她的头发是基于亚洲的美学标准。通过特别掌握的技术和混合的影响，Lê Phổ在这里提供了一个他的才华达到顶峰的作品。

LÊ PHỔ (1907-2001)

LÊ PHỔ (1907-2001) Maternité Huile, encre et couleurs sur soie, signée en haut à gauche 27 x 16 cm - 10 5/8 x 6 1/4 in Une attestation d’inclusion au catalogue raisonné de l’artiste actuellement en préparation par Charlotte Aguttes-Reynier pour l’association des Artistes d’Asie à Paris sera remise à l’acheteur. PROVENANCE Collection privée, Montpellier (offert en 1997 et conservé depuis) Progressivement, Lê Phổ s’intéresse à l’huile sur toile qui devient une alternative au travail sur soie, plus long et plus délicat. Cette évolution lui permet une création plus gestuelle et immédiate, ainsi qu’une densité chromatique plus variée. La maternité que nous présentons ici est clairement révélatrice d’un apport impressionniste et nabis à l’œuvre de Lê Phổ. Sa touche alerte et rythmée et la luminosité qu’il a su insuffler aux personnages et aux fleurs en sont très représentatives. Tandis que le canon des protagonistes reste invariablement asiatique, le sujet et le dispositif sont hérités de la peinture religieuse de la Renaissance, s’inspirant des Madones à l’Enfant. Sur un fond ocre, Lê Phổ installe la grâce et la tendresse des personnages, qu’il souligne par la douceur de trois marguerites, symbole de candeur et d’innocence. Présente dans nombre de ses peintures, la fleur est un sujet largement maîtrisé de Lê Phổ. Il fait des compositions florales l’un de ses sujets de prédilection à partir des années 1960. Toute la virtuosité du peintre s’établit entre la tendresse de cette mère pour son enfant, et la vivacité du pinceau. Les traits de la jeune fille, son teint et ses cheveux reprennent les canons de beauté asiatique. À travers une technique particulièrement maîtrisée et un mélange d’influences, Lê Phổ offre ici une composition où son talent est à son apogée.

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MAI TRUNG THỨ (1906-1980) Jeunes travailleuses, 1974 Ink and color on silk, signed and dated upper left, titlled and dated on the back  25 5/8 x 10 5/8 in. The artist is very politically committed, and focuses on representing Vietnamese workers. Affected by the years of war and the many orphans, Mai Trung Thứ collaborated with UNICEF by participating in the “Aid to Unfortunate Children” campaign between 1960 and 1965. Making children one of his main subjects, he was supported by gallery owner Jean-François Apesteguy who offered him an exhibition at the Péristyle Gallery in Paris, named Les enfants de Mai Thu in 1963. His talent for capturing the innocence and candor of children was noticed and appreciated by the public. This ink on silk depicts two young working girls in 1974, at the end of the Vietnam war. The two young girls wear a hat of latanier leaves, the nón tơi, typical in Vietnam. They both hold it in their hands while posing for the artist. Their traditional clothing is of great simplicity and is held in place by colored belts, which can be seen sticking out of their tunics. Colors of the outfit of the two children contrast with the checkered scarf. Mai Trung Thứ sought to produce a complete work, also passing through the making of an original and unique frame, rigorously adapted to each painting. The homage to Vietnamese culture is also made through the choice of medium, made of ink and gouache on silk. Mai Trung Thứ excels in this typically Far Eastern technique. Discovered during his apprenticeship at the Indochina School of Fine Arts, he has never stopped using it, proudly displaying his eternal love for Vietnam.

MAI TRUNG THỨ (1906-1980) 青年女工，1974 丝绸上的水墨和色彩，左上方有签名和日期，背面有标题和日期 65 x 27 cm - 25 5/8 x 10 5/8 in. 这位艺术家在政治上非常投入，专注于描写越南工人。以战争年代和许多孤儿为标志，麦仲图与联合国儿童基金会合作，在1960年至1965年期间参加了 "援助不幸儿童 "的活动。儿童成为她的主要课题之一。画廊老板Jean-François Apesteguy在1963年为他在巴黎的Péristyle画廊提供了一个展览，名为Les enfants de Mai Thu。他在捕捉儿童的纯真和坦率方面的天赋受到了公众的关注和赞赏。这幅水墨画描绘了1974年越南战争结束时的两位年轻女工。这两个年轻女孩戴着一顶有特色的拉塔尼尔叶子的帽子，即nón tơi。两人在为艺术家摆姿势时都把它戴在手上。他们的传统服装很简单，由彩色腰带固定，可以看到腰带从他们的外衣中伸出来。两个孩子的衣服的颜色与格子手帕形成鲜明对比。麦仲图寻求制作一个完整的艺术作品，也是通过制作一个原创的和独特的框架，严格地适应每一幅画。对越南文化的敬意也是通过对媒介的选择来进行的，即丝绸上的水墨和水粉。麦仲图擅长这种典型的远东艺术技巧。他在印度支那美术学校当学徒时发现的，他从未停止过使用它，从而自豪地展示了他对原籍国的依恋。

MAI TRUNG THỨ (1906-1980) Jeunes travailleuses, 1974 Encre et couleurs sur soie, signée et datée en haut à gauche, titrée et datée au dos 65 x 27 cm - 25 5/8 x 10 5/8 in. Très engagé politiquement, l’artiste s’attache à représenter les ouvriers vietnamiens. Marqué par les années de guerre et ses nombreux orphelins, Mai Trung Thứ collabore avec l’UNICEF en participant à la campagne «Aide à l’enfance malheureuse » entre 1960 et 1965. Les enfants deviennent un de ses sujets principaux. Le galeriste Jean-François Apesteguy lui offre une exposition au sein de la galerie Péristyle à Paris, intitulée Les enfants de Mai Thu en 1963. Son talent pour capturer l’innocence et la candeur des enfants est remarqué et apprécié du public. Cette encre sur soie représente deux jeunes travailleuses en 1974, à la fin de la guerre du Vietnam. Les deux jeunes filles portent un chapeau de feuilles de latanier, le nón tơi, caractéristique. Toutes deux le portent à main en posant pour l’artiste. D’une grande simplicité, leurs vêtements traditionnels sont retenus par des ceintures colorées, que l’on voit dépasser de leurs tuniques. Les couleurs de la tenue des deux enfants contrastent avec le fichu à carreaux. Mai Trung Thứ cherchait à produire une œuvre complète, passant également par la fabrication d’un cadre original et unique, rigoureusement adapté à chaque peinture. L’hommage à la culture vietnamienne s’effectue également à travers le choix du médium, encre et gouache sur soie. Mai Trung Thứ excelle dans cette technique typique des arts d’Extrême-Orient. Découverte lors de son apprentissage à l’École des Beaux-Arts de l’Indochine, il n’a jamais cessé de l’employer, affichant ainsi fièrement son attachement à son pays d’origine.

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* NGUYỄN TƯ NGHIÊM (1919/22-2016) Thanh Giong, 1969 Mixed media on paper, signed and dated lower left 20 7/8 x 26 1/8 in. Collection of a Swiss industrialist who owns factories in Vietnam. In the years 1990 - 2000, during his numerous business trips to Hanoi, Mr. S. makes friends with Modern and Contemporary artists. He visits regularly their studios and acquires their works directly.

* NGUYỄN TƯ NGHIÊM (1919/22-2016) 清炯，1969年 纸上混合媒体，左下方有签名和日期 53 x 66,5 cm - 20 7/8 x 26 1/8 in. 证据 瑞士的私人收藏，1993年直接从艺术家那里获得，此后在家族中流传。 "我的灵感不是来自毕加索，而是来自流行文化。有时，似乎我和毕加索这两个来自不同道路的人在同一个地方相遇。"我没有向毕加索学习，而是从民间文化中获得了灵感。有时，似乎毕加索和我，来自不同的道路，在同一地点相遇"。 "吴彦祖能够把一个成熟的艺术家的精湛技术带到纸上、漆上和画布上，同时又不失那种纯真和包容的眼光"。"Nghiem能够将训练有素的艺术家的技术掌握带到纸张、漆器和画布上，同时又不失这种天真、包容的视野"。 一位在越南拥有工厂的瑞士实业家的收藏。在20世纪90年代和2000年，在他多次到河内的专业旅行中，S先生与当代艺术家成为朋友。他定期访问他们的工作室，并直接获得他们的作品。

* NGUYỄN TƯ NGHIÊM (1919/22-2016)

* NGUYỄN TƯ NGHIÊM (1919/22-2016) Thanh Giong, 1969 Technique mixte sur papier, signée et datée en bas à gauche 53 x 66,5 cm - 20 7/8 x 26 1/8 in. PROVENANCE Collection privée Suisse, acquise en 1993 directement auprès de l’artiste et transmis familialement depuis « Je ne me suis pas inspiré de Picasso mais de la culture populaire. Parfois, il semblait que Picasso et moi, qui venions de chemins différents, nous rencontrions au même endroit. » “I did not leard from Picasso but drew inspiration from folk culture. Sometimes it seemed that Picasso and I, coming different paths, were meeting at the same point.” « Nghiem a su apporter au papier, à la laque et à la toile la maîtrise technique d’un artiste confirmé sans perdre cette vision innocente et inclusive. » “Nghiem was able to bring to paper, lacquer and canvas a trained artist’s technical mastery without losing this innocent, inclusive vision.” Collection d’un industriel suisse propriétaire d’usines au Vietnam. Dans les années 1990 - 2000, lors de ses nombreux déplacements professionnels à Hanoï, Monsieur S. se lie d’amitié avec des artistes contemporains. Il visite régulièrement leurs ateliers et acquiert directement leurs œuvres.

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LÊ PHỔ (1907-2001) Les deux sœurs Oil on silk mounted on hardboard, signed lower right 29 x 19 3/4 in.  If Asian and European influences can be read, universal codes are also present. codes are also present. The very emblem of femininity, the lotus has been established throughout the different cultures as a sensual flower. Embodying woman, it is also the attribute of purity in Japanese literature. LÊ PHỔ Considered one of the leading figures in modern Vietnamese art, Lê Phổ was born in 1907 in Ha Tay province into a respected mandarin family. His father was the last viceroy of Tonkin. With his evident predilection for painting and drawing, he was one of the first students to enter the Indochina School of Fine Arts in 1925. He was soon noticed by the director and founder of the school, Victor Tardieu, with whom he maintained a close relationship throughout his life. Lê Phổ brilliantly assimilated all he learned from his teachers. The school fostered Vietnamese artistic traditions like painting on silk and lacquering, while introducing this new generation of artists to Western history and artistic techniques. The influence of the Italian Primitives and the Impressionists is easily sensed in Lê Phổ’s work. In 1931, he travelled to France to show work at the International Colonial Exhibition. He decided to stay in Paris for a year to study at the École des Beaux-Arts, and then made several journeys to Europe. He returned to Vietnam in 1933 and taught at the Indochina School of Fine Arts. He then decided to move permanently to France in 1937, and soon established a glowing reputation.

LÊ PHỔ (1907-2001) 这两姐妹 丝绸上的油彩，装裱在isorel上，右下方有签名 73.5 x 50.1 cm - 29 x 19 3/4 in. 买方将获得一份列入艺术家目录的证书，该目录目前正由夏洛特-阿古特斯-雷尼尔为巴黎亚洲艺术家协会准备。 证据 芬德利画廊，芝加哥，美国 私人收藏，美国（从前主人那里获得）。 私人收藏，美国，然后是法国（20世纪90年代从前主人那里获得）。 私人收藏，法国（2001年从前主人那里继承）。 虽然亚洲和欧洲的影响是明显的，但普遍的准则也是存在的。莲花是女性的象征，在不同的文化中都被认为是一种感性的花。它体现了女性的特点，也是日本文学中的纯洁属性。 LÊ PHỔ 被认为是越南现代艺术的领军人物之一，李朴亭于1907年出生于河西省一个受人尊敬的官吏家庭，他的父亲是越南最后的总督。他表现出对绘画的倾向性，于1925年加入了印度支那美术学校的第一期课程。他很快就被学校的主任和创始人维克多-塔迪欧注意到了，他一生都与他保持着密切的联系。Lê Phổ把他的老师的教导吸收得很完美。该学校重视越南的艺术传统，如丝绸画和漆器，同时也让这批新一代的艺术家了解西方的艺术历史和技术。事实上，人们很容易在Lê Phổ的作品中读到意大利原始派或印象派的影响。1931年，他来到法国，在国际殖民地展览会上展示他的作品。他选择在巴黎呆了一年，进入美术学院学习，然后多次到欧洲旅行。他于1933年回到越南，在印度支那美术学校任教。1937年，他决定在法国永久定居，并很快获得了巨大的声誉。

LÊ PHỔ (1907-2001) Les deux sœurs Huile sur soie marouflée sur isorel, signée en bas à droite 73.5 x 50.1 cm - 29 x 19 3/4 in.  Une attestation d’inclusion au catalogue raisonné de l’artiste actuellement en préparation par Charlotte Aguttes-Reynier pour l’association des Artistes d’Asie à Paris sera remise à l’acheteur. PROVENANCE Gallery Findlay, Chicago, États-Unis Collection privée, États-Unis (acquis auprès du précédent) Collection privée, États-Unis puis France (acquis auprès du précédent dans les années 1990) Collection privée, France (transmis familialement du précédent en 2001) Si les influences asiatiques et européennes se lisent, des codes universaux sont également présents. Emblème même de la féminité, le lotus s’érige à travers les différentes cultures comme une fleur au parfum sensuel. Incarnant la femme, c’est aussi l’attribut de la pureté dans la littérature japonaise. LÊ PHỔ Considéré comme l’une des figures de proue de l’art moderne vietnamien, Lê Phổ nait en 1907 dans la province de Ha Tay au sein d’une famille de mandarins respectée, son père est le dernier vice-roi de Tonkin. Manifestant des prédispositions pour la peinture et le dessin, il intègre la première promotion de l’École des Beaux-arts de l’Indochine en 1925. Il est très vite remarqué par le directeur et fondateur de l’école, Victor Tardieu, pour lequel il conserve toute sa vie un fort attachement. Lê Phổ assimile à la perfection les enseignements de ses professeurs. L’École valorise les traditions artistiques vietnamiennes comme la peinture sur soie ou la laque, tout en sensibilisant cette nouvelle génération d‘artistes à l’histoire et aux techniques artistiques occidentales. En effet, on lit avec aisance les influences des Primitifs italiens ou des Impressionnistes dans les œuvres de Lê Phổ. En 1931, il vient en France présenter ses œuvres à l’occasion de l’Exposition coloniale internationale. Il choisit de rester un an à Paris afin de suivre des cours à l’École des Beaux-Arts, puis entreprend plusieurs voyages en Europe. Il rentre au Vietnam en 1933, et enseigne à l’École des Beaux-Arts de l’Indochine. Il décide de s’installer définitivement en France en 1937 et acquiert rapidement une grande notoriété.

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LƯU CÔNG NHÂN (1931-2007) Deux pots, 1989 Oil on cardboard signed lower left 12 3/4 x 15 7/8 in.

LƯU CÔNG NHÂN (1931-2007) 两盆，1989年 板面油画，左下角有签名 32.4 x 40.2 cm - 12 3/4 x 15 7/8 in. 书目 Luu Công Nhân, Nhâ Xuat Ban My Thiuât, 1995, n°86 p.106 证据 瑞士的私人收藏，1995年直接从艺术家那里获得，此后在家族中流传。

LƯU CÔNG NHÂN (1931-2007)

LƯU CÔNG NHÂN (1931-2007) Deux pots, 1989 Huile sur carton, signée en bas à gauche 32.4 x 40.2 cm - 12 3/4 x 15 7/8 in. BIBLIOGRAPHIE Luu Công Nhân, Nhâ Xuat Ban My Thiuât, 1995, n°86 p.106 PROVENANCE Collection privée Suisse, acquise en 1995 directement auprès de l’artiste et transmis familialement depuis

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