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Centuries - Quatre Siècles De Création

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Georges d'ESPAGNAT (1870/1950) Nu féminin se coiffant Oil on canvas, signed with the artist's monogram upper left 46 x 38 cm - 18 1 / 8 x 15 in.

Georges d'ESPAGNAT (1870/1950) 女性裸体做头发 布面油画 左上角有署名 "Mongram "的字样 46 x 38 cm - 18 1 / 8 x 15 in. Jean-Dominique Jacquemond先生已经确认了这件作品的真实性。 证据 私人收藏，法国 "我记得Georges d'Espagnat先生的首次亮相，是在八、九年前，在当时仍设在巴黎市立美术馆的印度沙龙上。画家当时是一个非常年轻的人，年轻到再过八、九年，他几乎没有变老，他仍然是一个年轻的艺术家。但是他的才能已经有了很大的进步，现在几年过去了，他显得很有优势。文森特-凡高热情奔放的态度吸引了他，他起初展出了一系列急躁的风景画，这些作品缺乏人们在文森特的漩涡式色彩中看到的细腻。乔治-德-埃斯帕尼亚特的热情和旺盛的天性在任何情况下都是清晰可见的。他喜欢一切高尚的、抒情的、充满活力的东西。在博物馆的大师中，德拉克洛瓦是他的最爱。[......]然后发生了变化。他突然对户外研究、裸体和熟悉的主题产生了兴趣。他向我们展示了花园、水边的沐浴者、玩耍的孩子、亲密的场景、鲜花、水果。在没有任何对待作品的脾气的情况下，这些最后的作品极大地促进了他的发展，没有违背他的倾向性。露天鼓励他寻找光线和气氛，裸体迫使他为人物建模，与儿童一起研究运动的自然性，他开始观察亲密关系的主题，水果和花卉向他揭示了只有大自然才有的色彩宝藏。[......]他给一种发光的艺术带来了，这是这个晚期世纪最后四分之一的荣耀，一种抒情性，注定他要给非常简单的装饰性题材带来声望。执行装饰画，并为它们保留一种歌唱性的诗意，而不归功于历史或传说，不归功于浪漫或浪漫主义，不归功于戏剧或庄严，这是德-埃斯帕尼亚特实现的一种创新。他不必停止向那些为他开辟道路的宏伟前辈致敬，他可以自信地声称自己与他们有区别，并与他们谦虚的后裔分开。"Georges d'Espagnat的展览"，在La Chronique des arts et de la curiosité，Gazette des Beaux-Arts副刊，1900年3月24日，第12期，第107页。

Georges d'ESPAGNAT (1870/1950)

Georges d'ESPAGNAT (1870/1950) Nu féminin se coiffant Huile sur toile Signée du mongramme en haut à gauche 46 x 38 cm - 18 1 / 8 x 15 in. Monsieur Jean-Dominique Jacquemond a confirmé l'authenticité de cette oeuvre. PROVENANCE Collection particulière, France « Je me souviens des débuts de M. Georges d’Espagnat, il y a huit ou neuf ans, au Salon des Indépendants, qui logeait encore au Pavillon de la Ville de Paris. Le peintre était alors un très jeune homme, si jeune que huit ou neuf années de plus ne l’ont guère vieilli et qu’il reste un jeune artiste. Mais son talent a considérablement progressé et il y paraît avantageusement, maintenant que des années ont passé. La manière enthousiaste, véhémente, de Vincent van Gogh l’ayant captivé, il exposa d’abord des paysages emportés, qui n’avaient pas ces délicatesses que l’on distingue au milieu des tourbillons de la couleur de Vincent. L’ardeur et la nature vigoureuse de Georges d’Espagnat se manifestaient en tout cas clairement. Il aime tout ce qui est exalté, lyrique, vibrant. Parmi les maîtres des musées, Delacroix est celui de sa prédilection. […] Puis, un changement s’opéra. Il s’intéressa soudain à des études de plein air, de nu et de sujets familiers. Il nous montra des jardins, des baigneuses au bord de l’eau, des enfants jouant, des scènes intimes, des fleurs, des fruits. Sans avoir aucune disposition de tempérament à traiter le morceau, ces derniers travaux ont énormément favorisé son développement, sans aller à l’encontre de son penchant. Le plein air l’incita à chercher la lumière et l’atmosphère, le nu l’obligea à modeler ses figures, avec les enfants il étudia le naturel dans le mouvement, il devint observateur dans les sujets d’intimité, les fruits et les fleurs lui révélèrent des trésors de couleur comme la nature seule en renferme. […] Il apporte dans un art lumineux, qui est la gloire du dernier quart de ce siècle finissant, un lyrisme qui le destine à donner du prestige à des sujets très simples de décoration. Exécuter des peintures décoratives et leur conserver un air de poésie chantante sans rien devoir à l’histoire ni à la légende, au romantique ni au romanesque, au théâtral ni au solennel, c’est une nouveauté que d’Espagnat atteint. Sans jamais devoir cesser de payer son tribut de reconnaissance à de magnifiques prédécesseurs qui lui ont ouvert les chemins, il peut avec confiance prétendre à ce qu’on le distingue d’eux et à ce qu’on le sépare de leurs modestes épigones. » « Exposition Georges d’Espagnat », in La Chronique des arts et de la curiosité, Supplément à la Gazette des Beaux-Arts, 24 mars 1900, nº12, p.107

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YOULA CHAPOVAL (1919 - 1951) Sans titre (Tasse et théière), 1946 Oil on canvas, signed and dated "XI 1946" lower left 46 x 27 cm - 18 1 / 8 x 10 5 / 8 in.

YOULA CHAPOVAL (1919 - 1951) 无题（杯子和茶壶），1946年 布面油画，左下方有签名和日期 "XI-1946"。 46 x 27 cm - 18 1 / 8 x 10 5 / 8 in. 证据 法国M.Maison收藏品 私人收藏，法国 书目 Évelyne和Marie-Laure Moisset, Youla Chapoval，《绘画作品目录》，Les Éditions de l'Amateur，巴黎：2015年，第186号（彩色转载）。 "1944年9月底，在他期待已久的返回巴黎后，查波瓦尔又以这种方式继续了几个月，但在接下来的夏天，他的作品出现了完全不同的转变，这让艺术家本人感到惊讶。静物画--花束被放弃了，转而选择放置在基座上的柔和的几何形状的日常物品--现在基本上主导了他的作品，首先见证了他对立体主义美学的新坚持。这无疑是一位艺术家的成熟决定，他无疑希望从某种具象的僵局中解脱出来，至少目前还没有投入到抽象形式的探索中。Évelyne and Marie-Laure Moisset, Youla Chapoval, Catalogue raisonné de l'œuvre peint, Les Éditions de l'Amateur, Paris: 2015, p.14

YOULA CHAPOVAL (1919 - 1951)

YOULA CHAPOVAL (1919 - 1951) Sans titre (Tasse et théière), 1946 Huile sur toile Signée et datée « XI-1946 » en bas à gauche 46 x 27 cm - 18 1 / 8 x 10 5 / 8 in. PROVENANCE Collection M. Maison, France Collection particulière, France BIBLIOGRAPHIE Évelyne et Marie-Laure Moisset, Youla Chapoval, Catalogue raisonné de l'oeuvre peint, Les Éditions de l'Amateur, Paris : 2015, n° 186 (reproduit en couleurs) « Après son retour tant espéré à Paris, fin septembre 1944, Chapoval continue encore quelques mois dans cette manière, mais son œuvre prend, l’été suivant, un tour tout différent dont l’artiste s’étonne lui-même. Les natures mortes - les bouquets sont abandonnés au profit d’objets du quotidien à la géométrie douce disposés sur le guéridon - dominent largement désormais dans sa production et témoignent surtout de sa nouvelle adhésion à l’esthétique cubiste. Décision clairement mûrie, à n’en pas douter, de la part d’un artiste désireux sans doute de s’extraire d’une certaine impasse figurative, sans pour autant se consacrer, pour l’instant du moins, à l’exploration de formes abstraites. » Évelyne et Marie-Laure Moisset, Youla Chapoval, Catalogue raisonné de l’œuvre peint, Les Éditions de l’Amateur, Paris : 2015, p.14

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YOULA CHAPOVAL (1919 - 1951) Sans titre, 1948 Oil on hardboard, signed lower right 35,5 x 18,5 cm - 14 x 7 1 / 4 in.

YOULA CHAPOVAL (1919 - 1951) 无题》，1948年 油料在Isorel上 右下方有签名 35,5 x 18,5 cm - 14 x 7 1 / 4 in. 证据 法国M.Maison收藏品 私人收藏，法国 书目 Évelyne和Marie-Laure Moisset, Youla Chapoval，《绘画作品目录》，Les Éditions de l'Amateur，巴黎：2015年，第321号（彩色复制）。

YOULA CHAPOVAL (1919 - 1951) Sans titre, 1948 Huile sur Isorel Signée en bas à droite 35,5 x 18,5 cm - 14 x 7 1 / 4 in. PROVENANCE Collection M. Maison, France Collection particulière, France BIBLIOGRAPHIE Évelyne et Marie-Laure Moisset, Youla Chapoval, Catalogue raisonné de l'oeuvre peint, Les Éditions de l'Amateur, Paris : 2015, n° 321 (reproduit en couleurs)

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Léon DETROY (1857 - 1955) Printemps à Gargilesse Oil on canvas, signed lower right 46 x 65 cm - 18 1 / 8 x 25 5 / 8 in.

Léon DETROY (1857 - 1955) 加吉列斯的春天 布面油画 右下方有签名 46 x 65 cm - 18 1 / 8 x 25 5 / 8 in. 证据 私人收藏，法国 "克勒兹河谷的风景构成了Léon Detroy作品中最重要的一章。因为他深深地爱着这个国家，因为他想揭示它的亲密和美丽，他将在50多年里研究、分析、综合，最重要的是，提出一个仍然不寻常的克勒兹愿景。从1890年到1940年，莱昂-德特罗伊对户外景观表现出不竭的兴趣，创作了数百幅克勒兹地区的风景画。正是这种雄心壮志让阿尔芒-纪尧姆从1892年到1924年一直呆在克罗赞，他在那里也创作了几百幅风景画。[......]德特罗伊不得不承受纪尧姆的成功。但我们要记住，1892年在克罗赞，一个成熟的、著名的印象派画家来到了这里，而在加吉列斯，德特罗伊还是一个年轻的无名氏。因此，纪尧姆提出的克勒兹地区的形象将很容易地强加给自己。纪尧姆一直奉行纯粹的印象派风景画，其已经确立的公众成功是不可否认的。另一方面，从1900年起，德特罗伊实行后印象派风景画，其中--更重要的是--经常混入对前卫画家的参考。[......]莱昂-德特罗伊，通过他的才华和勇气，重新创造了克罗桑学派，有人认为这是保留给纪尧姆和他的追随者的。他为我们的国家提供了一个现代的视野，具有未曾预料到的丰富性，我们确信未来将最终认识到其真正的价值。Christophe Rameix [主要作者], "Les paysages de la Vallée de la Creuse", in Léon Detroy, 1859- 1955, Association des amis des peintres de l'École Crozant-Gargilesse, Guéret : 2017, p.23

Léon DETROY (1857 - 1955)

Léon DETROY (1857 - 1955) Printemps à Gargilesse Huile sur toile Signée en bas à droite 46 x 65 cm - 18 1 / 8 x 25 5 / 8 in. PROVENANCE Collection particulière, France «Les paysages de la Vallée de la Creuse constituent le plus important chapitre de l'œuvre de Léon Detroy. Parce qu'il aime profondément ce pays, parce qu'il veut en révéler l'intimité et la beauté, il va, pendant plus de cinquante ans, étudier, analyser, synthétiser et surtout proposer une vision encore inhabituelle de la Creuse. De 1890 à 1940, Léon Detroy fait preuve d'un intérêt intarissable pour le paysagisme en plein air et produit des centaines de vues de la Creuse. C'est exactement la même ambition qui retient Armand Guillaumin à Crozant de 1892 à 1924 et où il produira, lui aussi, plusieurs centaines de paysages. […] Detroy eut à pâtir du succès de Guillaumin. Mais rappelons qu’en 1892 à Crozant, est arrivé un peintre impressionniste confirmé et renommé, alors qu’à Gargilesse, Detroy était encore un jeune inconnu. C’est donc l’image de la Creuse proposée par Guillaumin qui va s’imposer facilement. Celui-ci pratique d’ailleurs toujours un paysagisme purement impressionniste, dont le succès public, déjà acquis, ne se démentira pas. Detroy lui, dès 1900, pratique un paysagisme postimpressionniste où – qui plus est – se mélangent souvent des références aux peintres d’avant-garde. […] Léon Detroy, par son talent et son courage, réinvente L’École de Crozant, que certains croyaient réservée à Guillaumin et à ses suiveurs. Il offre à notre pays une vision moderne, d’une richesse insoupçonnée et que l’avenir nous en sommes certains reconnaîtra enfin à sa juste valeur. » Christophe Rameix [auteur principal], « Les paysages de la Vallée de la Creuse », in Léon Detroy, 1859- 1955, Association des amis des peintres de l’École de Crozant-Gargilesse, Guéret : 2017, p.23

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Léon DETROY (1857 - 1955) Au débarcadère Colored pencils on paper, signed lower right 46,5 x 59 cm - 18 1 / 4 x 23 1 / 4 in

Léon DETROY (1857 - 1955) 在登陆阶段 纸上彩色铅笔 右下方有签名 46,5 x 59 cm - 18 1 / 4 x 23 1 / 4 in. 证据 私人收藏，法国

Léon DETROY (1857 - 1955) Au débarcadère Crayons de couleur sur papier Signés en bas à droite 46,5 x 59 cm - 18 1 / 4 x 23 1 / 4 in. PROVENANCE Collection particulière, France

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Paul MADELINE (1863 - 1920) Automne en Saintonge, Taillebourg, 1908 Oil on canvas, signed and dated "[19]08" lower left, stamped with the "Atelier / Paul Madeline / Hôtel Rameau - Versailles" mark on the reverse. 54 x 65 cm - 21 1 / 4 x 25 5 / 8 in.

Paul MADELINE (1863 - 1920) 秋天的塞恩顿日，泰勒堡，1908年 布面油画，左下方有签名和日期"[19]08"。 销售印章 "Atelier / Paul 马德琳/拉莫酒店-凡尔赛 "的背面 54 x 65 cm - 21 1 / 4 x 25 5 / 8 in. 展览 巴黎，大皇宫，独立艺术三十年，1884-1914，回顾展，1926（背面有标签） 证据 销售，Me Blache，凡尔赛，Hôtel Rameau，Atelier Paul Madeline，1961年11月5日或1978年11月5日，拍品118。 私人收藏，法国（在上一次拍卖中获得）。 "作为夏利在巴黎美术学院的学生，保罗-马德林首先不得不在一家出版社工作以谋生。在空闲时间，他画了巴黎的环境，直到1902年，他才可以完全投入到绘画中。但他在1894年就已经发现了克罗赞，这要感谢莫里斯-罗利纳（Maurice Rollinat）和莱昂-德特罗伊（Léon Detroy），他是在一个共同的朋友：《高卢人》的编辑约瑟夫-蒙特（Joseph Montet）家里吃饭时认识的。在经历了他记忆中的 "令人眼花缭乱的经历 "之后，保罗-马德林将他的假期留给了克勒兹地区，并且在1902年之后，每年都有三个月的时间用于该地区，通常选择在秋天。[......]1908年，他与莫里斯-夏巴斯（Maurice Chabas）一起成立了 "现代协会"，该协会聚集了一些优秀的画家（亨利-勒巴斯克（Henri Lebasque）、E. de La Villéon、Aman-Jean、Raffaëlli....），并利用杜兰德-鲁尔（Durand-Ruel）或德万贝兹的画廊进行年度展览。保罗-马德林自由自在，备受赞赏，他只需在任何他想去的地方发挥他作为风景画家的天赋，除了克勒兹的秋天，他还画了许多布列塔尼、诺曼底、科雷兹（阿根塔）的风景，有时也画阿尔萨斯和米迪的风景。[......]保罗-马德林在五十七岁时去世，这意味着他的画作被遗忘了，尽管1926年在印度沙龙举办了一次回顾展。但从这种影响到许多艺术家的死后沉默中，他在1961年11月5日由布拉什先生在凡尔赛组织的第一次工作室拍卖会上轰然重现。另外两次销售（1962年11月4日和1978年11月5日）确认并确保了保罗-马德林的风景画的非常好的报价的稳定性。Christophe Rameix, "Paul Madeline", 载于L'École de rozant, Les peintres de la Creuse et de Gargilesse, 1850-1950, Lucien Souny, Limoges : 1991, pp.104-107

Paul MADELINE (1863 - 1920)

Paul MADELINE (1863 - 1920) Automne en Saintonge, Taillebourg, 1908 Huile sur toile Signée et datée « [19]08 » en bas à gauche Cachet de la vente « Atelier / Paul Madeline / Hôtel Rameau - Versailles » au dos 54 x 65 cm - 21 1 / 4 x 25 5 / 8 in. EXPOSITION Paris, Grand Palais, Trente ans d'art indépendant, 1884-1914, Exposition rétrospective, 1926 (étiquette au dos) PROVENANCE Vente, Me Blache, Versailles, Hôtel Rameau, Atelier Paul Madeline, 5 novembre 1961 ou 5 novembre 1978, lot 118 Collection particulière, France (acquis au cours de la vente précédente) «Élève de Chaly aux Beaux-Arts de Paris, Paul Madeline doit d'abord s'employer dans une maison d'édition pour gagner sa vie. Pendant ses jours de liberté, il peint les environs de Paris et ce n'est qu'en 1902 qu'il peut se consacrer entièrement à la peinture. Mais il avait découvert Crozant dès 1894 grâce à Maurice Rollinat et Léon Detroy, rencontrés lors d'un repas chez un ami commun : Joseph Montet, rédacteur au Gaulois. À partir de ce qu'il se rappelle comme un « éblouissement », Paul Madeline réserve ses vacances à la Creuse et après 1902, lui consacre trois mois par an, choisis habituellement en automne. […] En 1908, il fonde avec Maurice Chabas «La Société Moderne» qui regroupe plusieurs bons peintres (Henri Lebasque, E. de La Villéon, Aman-Jean, Raffaëlli....) et qui utilise les galeries de DurandRuel ou de Devambez pour son exposition annuelle. Paul Madeline, libre et apprécié, n'a plus qu'à exploiter son talent de paysagiste où bon lui semble, et outre les automnes creusois, il peint de nombreuses vues de la Bretagne, de la Normandie, de la Corrèze (Argentat), parfois de l'Alsace et du Midi. […] La disparition de Paul Madeline à cinquante-sept ans entraîne l'oubli de sa peinture malgré une rétrospective au Salon des Indépendants en 1926. Mais de ce silence post-mortem qui touche de nombreux artistes, il ressurgit avec éclat le 5 novembre 1961 lors de la première vente de son atelier organisée par Me Blache à Versailles. Deux autres ventes (4 novembre 1962 et 5 novembre 1978) vont confirmer et assurer la stabilité des très bonnes cotes des paysages de Paul Madeline.» Christophe Rameix, « Paul Madeline », in L’École de rozant, Les peintres de la Creuse et de Gargilesse, 1850-1950, Lucien Souny, Limoges : 1991, pp.104-107

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Paul MADELINE (1863 - 1920) Maison au bord de l'eau Watercolor and pencil on paper, stamped with the artist's signature and Me Blache's mark on a cardboard label at the back of the frame 32,5 x 39,5 cm - 12 3 / 4 x 15 1 / 2 in.

Paul MADELINE (1863 - 1920) 水边的房子 纸上水彩和铅笔 在画框背面的纸板上有Me Blache的签名章和签名。 32,5 x 39,5 cm - 12 3 / 4 x 15 1 / 2 in. 证据 销售，Me Blache，凡尔赛，Hôtel Rameau，Atelier Paul Madeline，1961年11月5日或1978年11月5日，拍品118。 私人收藏，法国（在上一次拍卖中获得）。

Paul MADELINE (1863 - 1920) Maison au bord de l'eau Aquarelle et crayon sur papier Signée du cachet de la signature accompagné de celui de Me Blache sur un carton fixé au dos du cadre 32,5 x 39,5 cm - 12 3 / 4 x 15 1 / 2 in. PROVENANCE Vente, Me Blache, Versailles, Hôtel Rameau, Atelier Paul Madeline, 5 novembre 1961 ou 5 novembre 1978, lot 118 Collection particulière, France (acquis au cours de la vente précédente)

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David DELLEPIANE (1866 - 1932) Vue de Martigues, 1890 Oil on panel, signed, dated "1890" and dedicated lower right 34 x 25 cm - 13 3 / 8 x 9 7 / 8 in.

David DELLEPIANE (1866 - 1932) 马蒂格的景色，1890年 板上油彩 左下角有签名，日期为 "1890"，并标明用途 34 x 25 cm - 13 3 / 8 x 9 7 / 8 in. 证据 艺术家的家人 私人收藏，法国（通过血统）。 书目 François-Albane Beudon[指导]，David Dellepiane：画家，绘画家，插图家，Éditions Parenthèses，马赛：1999年，第43页（彩色转载）。 "同年[1890年]，他以马赛画派最纯正的风格创作了一幅油画《马蒂格风光》。 这幅作品揭示了一种构图模式，这种模式在德勒皮安的作品中经常出现，它包括将所选主题刻在一个圆形中。这种 "通多 "式的构图起源于15世纪的意大利，被用于肖像画，其轮廓是以古代奖牌的方式处理的。Dellepiane--让人想起他的意大利血统--把它用于他的一些儿童肖像画中。此外，通过打开面板的下部，他玩弄了这个逃生通道，从而创造了精致和装饰性的效果，水似乎是层层叠叠的，闪烁的光，玩弄着闪亮的液体广袤，或突出女性的身体。在这幅1890年的画作中，马蒂格占据了通多的中心位置，河岸在土、水和光的层层叠叠中溢出。应该强调这块板子的独特性，因为这种类型的设置只用在水彩画中，鉴于这种技术强加给艺术家的轻盈和执行速度，进一步突出了所追求的消失的印象。最后，这个构图可以参考德尔皮亚内作品中的两个明显的影响：新艺术与穆夏的海报，他把他的人物定位在这种类型的弧线上，以及东方。如果我们仔细观察通多的开端，就会发现一个典型的逾越的拱门形象，这是一个象征伊斯兰建筑的拱门。在马赛这样的城市港口，东方及其装饰词汇的分量怎么强调都不为过，马赛是一个地方，自波拿巴从埃及回来后，许多艺术家都对东方着迷，在德拉克洛瓦身后，开始了前往地中海对岸的启蒙之旅......东方的芬芳在马赛上空飘荡，像德莱皮亚内这样对时代精神敏感的艺术家不可能无动于衷；他把这个建筑主题变成了自己的主题，甚至在去那里之前就把它同化为自己的东方主义愿景。François-Albane Beudon[指导]，《David Dellepiane : 画家，画家，插图家》，Éditions Parenthèses, Marseille : 1999, pp.42 and 43

David DELLEPIANE (1866 - 1932)

David DELLEPIANE (1866 - 1932) Vue de Martigues, 1890 Huile sur panneau Signée, datée « 1890 » et dédicacée en bas à gauche 34 x 25 cm - 13 3 / 8 x 9 7 / 8 in. PROVENANCE Famille de l'artiste Collection particulière, France (par descendance) BIBLIOGRAPHIE Françoise-Albane Beudon [sous la direction de], David Dellepiane : peintre, affichiste, illustrateur, Éditions Parenthèses, Marseille : 1999, p.43 (reproduit en couleurs) « La même année [1890] il réalise une huile sur panneau représentant une Vue de Martigues dans le plus pur style de l’école de Marseille, Cette œuvre révèle un modèle de compo - sition qui reviendra très fréquemment chez Dellepiane et qui consiste à inscrire le sujet choisi à l’intérieur d’une forme circulaire. Cette composition en tondo est née en Italie au XV e siècle, utilisée alors pour des portraits dont les profils étaient traités à la manière de médailles antiques. Dellepiane - réminiscence de ses origines italiennes - l’a retrouvée pour certains de ses portraits d’enfants. En outre, en l’ouvrant dans sa partie inférieure, il a joué avec cette échappée, ménageant ainsi des effets raffinés et décoratifs d’eau semblant se déverser en cascade, d’éclats de lumière, jouant à faire miroiter des étendues liquides et frémissantes, ou encore mettant en valeur le corps féminin. Dans ce panneau de 1890, Martigues occupe le cœur du tondo, la rive se déverse en une cascade de terre, d’eau et de lumière mêlées. Il faut souligner l’unicité de ce panneau, puisque ce type de mise en espace ne concerne par ailleurs que les aquarelles qui, compte tenu de la légèreté et la rapidité d’exé - cution que cette technique impose à l’artiste, accentuait encore l’impression d’évanescence recherchée. Enfin, cette composition peut faire référence à deux influences notables chez Dellepiane : l’Art nouveau avec les affiches de Mucha qui positionnait ses personnages dans ce type d’arcature et l’Orient. Si l’on regarde avec attention l’ouverture du tondo, l’image caractéristique d’un arc outrepassé se fait jour, arcature symbolique de l’architecture islamique. On ne dira jamais assez le poids de l’Orient et de son vocabulaire décoratif dans une ville-port comme Marseille, née de l’union entre un phocéen et une ligure | Marseille d’où de nombreux artistes, fascinés par l’Orient depuis le retour d’Égypte de Bonaparte et derrière Delacroix, sont partis pour faire un voyage initiatique vers la rive opposée de la Méditerranée... Ce parfum d’Orient flottait sur Marseille et un artiste sensible à l’air du temps tel que Dellepiane n’a pu y être indifférent | il a fait sien ce thème architectural l’assimilant jusqu’à en faire sa propre vision orientaliste avant même de se rendre sur place. » Françoise-Albane Beudon [sous la direction de], David Dellepiane : peintre, affichiste, illustrateur, Éditions Parenthèses, Marseille : 1999, pp.42 et 43

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David DELLEPIANE (1866 - 1932) Maquette pour l'affiche « Antibes, Côte d'Azur, P.L.M. », vers 1910 Oil on panel, signed lower right 45 x 33 cm - 17 3 / 4 x 13 in.

David DELLEPIANE (1866 - 1932) 海报 "安提布，蔚蓝海岸，P.L.M. "的模型，约1910年。 板上油彩 右下方有签名 45 x 33 cm - 17 3 / 4 x 13 in. 证据 艺术家的家庭 私人收藏，法国（通过血统）。 "在德勒皮亚纳所接受的广告委托中，许多都与海运和铁路运输有关，而马赛是其中最出色的起点。PLM（代表巴黎-里昂-地中海）是最重要的私营铁路公司之一，创建于19世纪下半叶。它服务于普罗旺斯、蔚蓝海岸、塞文山脉和阿尔卑斯山，所有这些地方都是那些有能力的人的热门目的地。1862年至1882年，保林-塔拉博特是总经理。这位富有的实业家是里昂信贷银行和法国兴业银行的幕后推手，是第二帝国时期最有权势的人之一，他特别重视马赛市，1856年马赛市把码头的经营权让给了他。在他的推动下，PLM公司发展良好，在20世纪初，通过里昂连接巴黎和南方的航线是法国最繁忙的航线......Dellepiane在公司的倡议下开展了几个项目，特别是为蔚蓝海岸的海滨城市：安提布和格拉斯。Giulia Pentcheff, "Le voyage pittoresque : La publicité pour les compagnies maritimes et le PLM", in Dellepiane : Arts et Modernité, Association Regards de Provence, Marseille : 2016, p.134

David DELLEPIANE (1866 - 1932) Maquette pour l'affiche « Antibes, Côte d'Azur, P.L.M. », vers 1910 Huile sur panneau Signée en bas à droite 45 x 33 cm - 17 3 / 4 x 13 in. PROVENANCE Famille de l'artiste Collection particulière, France (par descendance) « Parmi les commandes publicitaires que Dellepiane va honorer, nombreuses d'entre elles sont liées aux transports maritime et ferroviaire dont Marseille est par excellence le point de départ. Le PLM (pour Paris-LyonMéditerranée) est l'une des plus importantes compagnies ferroviaires privées, créée dans la seconde moitié du XIX e siècle. Elle dessert notamment la Provence, la Côte d'Azur, les Cévennes et les Alpes, autant de lieux de vil - légiature que commencent à fréquenter ceux qui peuvent se le permettre. Paulin Talabot en est le directeur général de 1862 à 1882. Cet industriel fortuné, notamment à l'origine de la fondation du Crédit Lyonnais et de la Société Générale, est l'un des hommes les plus puissants du Second Empire, particulièrement attaché à la ville de Marseille, qui lui cède en 1856 l’exploitation des Docks. Sous son impulsion, la compagnie PLM est en bonne voie de développement et au début du XX e siècle, l'axe reliant Paris au Sud via Lyon est le plus chargé de France... Dellepiane réalise plusieurs projets à l’initiative de la compagnie, notamment pour les villes balnéaires de la Côte d’Azur : Antibes et Grasse. » Giulia Pentcheff, « Le voyage pittoresque : La publicité pour les compagnies maritimes et le PLM », in Dellepiane : Arts et Modernité, Association Regards de Provence, Marseille : 2016, p.134

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JEAN-GABRIEL DOMERGUE (1889 - 1962) Au bar, Parisienne au bibi Oil on hardboard, signed lower left, titled "Au bar" on the reverse 60,7 x 49,7 cm - 23 7 / 8 x 19 5 / 8 in.

JEAN-GABRIEL DOMERGUE (1889 - 1962) 在酒吧里，巴黎人带着一个比比。 油料在Isorel上 左下方有签名 背面标题为 "Au bar"。 60,7 x 49,7 cm - 23 7 / 8 x 19 5 / 8 in. 证据 私人收藏，法国（通过血统）。 "在19世纪末，许多画家把 "巴黎人 "作为他们最喜欢的主题。他们的画作记录了当时的时尚，由于紧身胸衣的存在，腰部线条异常纤细。20世纪初，一个来自波尔多的人来到巴黎，他为绘画而疯狂。 他的名字叫让-加布里埃尔-多梅格。17岁时，他在法国艺术家沙龙展出，尽管他很贪玩，但很快就脱颖而出。他把他的古典训练服务于他的独创性，当当时著名的肖像画家创作的作品中，女人除了枯萎和忧郁之外，生命的喜悦在他的作品中迸发出来，他热爱生活，把他的想象力服务于他的才能。微妙的触感，选择柔和但明亮的颜色，图形设计都适合用来诠释青春、优雅和美丽。几年间，他创造了一种新的女性类型，身材修长、纤细、柔韧，有一个优雅的怀抱，有一张随意的脸，她的大眼睛从伸展的脖子上方羡慕地看着这个世界。一个了不起的人，对她来说没有什么可以拒绝的--在她的时代，她只能是一个最广泛意义上的 "巴黎人"，是为整个世界定下基调的女人。这个新的女人必须用她的身体来装饰，这样，与她的精神相结合，她就能发挥魅力。多梅尔格很快就明白，他的模特的优雅、精致和奢华的服装完成了他所创造的梦想。启示 "多美格勾引了广大公众。真正的 "巴黎人 "诞生了。时装设计师们并没有错，他们在那里发现了一个新的创作空间。他们的客户希望看起来像 "多米格"，而且他们仍然如此。他自己不也说过："说一幅画像常常把一个女人暴露在她自己面前，这绝不是段子，因为画像常常突出了她美丽的许多方面，而她完全没有意识到，或者至少是没有意识到的。这就是为什么有许多妇女逐渐开始类似于她们的肖像。Gérard-Louis Soyer和Alix Grès[作序]，Jean-Gabriel Domergue, l'art et la mode, Éditions Sous le vent-Vilo, Paris: 1984, p.14

JEAN-GABRIEL DOMERGUE (1889 - 1962)

JEAN-GABRIEL DOMERGUE (1889 - 1962) Au bar, Parisienne au bibi Huile sur Isorel Signée en bas à gauche Titrée « Au bar » au dos 60,7 x 49,7 cm - 23 7 / 8 x 19 5 / 8 in. PROVENANCE Collection particulière, France (par descendance) «À la fin du XIX e siècle, de nombreux peintres font de « la Parisienne » leur sujet favori. Leurs tableaux sont des documents sur la mode de l’époque ayant pour trait caractéristique la taille anormalement affinée par le corset. Au début du XX e siècle arrive à Paris un Bordelais fou de peinture, il s’appelle JeanGabriel Domergue. À 17 ans, il expose au Salon des Artistes Français et malgré sa jeu - nesse se distingue rapidement. II met sa for - mation classique au service de son originalité et, alors que les portraitistes renommés de l’époque produisent des œuvres où la femme n’est qu’évanescence et mélancolie, la joie de vivre éclate dans son œuvre, il aime la vie et met son imagination au service de son talent. La subtilité de la touche, le choix des couleurs douces mais lumineuses, le graphisme du dessin conviennent pour traduire la jeunesse, la grâce et la beauté. On ne peut rester morose devant un Domergue ! En quelques années, il crée un nouveau type de femme, svelte, mince, souple, à la poitrine gracile, à la frimousse désinvolte, dont les grands yeux regardent le monde avec envie du haut d’un cou étiré. Être merveilleux à qui on ne saurait rien refu - ser, bien dans son époque, ce ne peut être qu’une « Parisienne » au sens large du terme, la femme qui donne le ton au monde entier. Cette femme nouvelle, il fallait parer son corps, pour qu’allié à son esprit, elle puisse charmer. Domergue l’a vite compris, l’élégance, le raf - finement et la somptuosité des costumes de ses modèles parachèvent l’être de rêve qu’il a créé. La « révélation » Domergue séduit un vaste public. La véritable «Parisienne » est née. Les créateurs de mode ne s’y trompent pas trouvant là une ouverture nouvelle à leur ima - gination. Leurs clientes veulent ressembler à un « Domergue » | et ce, jusqu’à présent. Ne dit-il pas lui-même : « Il n’est nullement para - doxal de dire qu’un portrait révèle souvent une femme à elle-même, car il met souvent en valeur bien des aspects de sa beauté qu’elle ignorait de façon totale ou, du moins, qu’elle méconnaissait. C’est pourquoi il y a beaucoup de femmes qui se mettent progressivement à ressembler à leur portrait ». Gérard-Louis Soyer et Alix Grès [préface de], Jean-Gabriel Domergue, l’art et la mode, Éditions Sous le vent-Vilo, Paris : 1984, p.14

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JEAN-GABRIEL DOMERGUE (1889 - 1962) Au bar, Cannoise au bustier Signed lower right and titled "Au bar" on the reverse 72,5 x 59,8 cm - 28 1 / 2 x 23 1 / 2 in.

JEAN-GABRIEL DOMERGUE (1889 - 1962) 在酒吧里，坎诺伊丝穿上了胸衣 油料在Isorel上 右下方有签名 背面标题为 "Au bar"。 72,5 x 59,8 cm - 28 1 / 2 x 23 1 / 2 in. 证据 私人收藏，法国（通过血统）。 相关的工作 Jean-Gabriel Domergue，《Au Pavillon d'Armenonville》，1950年，Isorel油画（？），尺寸未知，私人收藏，转载于Gérard-Louis Soyer和Alix Grès[序言]，Jean-Gabriel Domergue，l'art et la mode，Éditions Sous le vent-Vilo, Paris: 1984, p.91 "谁没有遇到过迷人的旧版画，描绘了那些有着华丽发型和巨大篮子的优雅女性，或者那些有着超大衣领和古怪马甲的不可思议的直隶女性，并问自己：这些令人愉快的插图在多大程度上给出了那个时代时尚的确切形象？毫无疑问，这些艺术见证含有一定的夸张成分，以突出一种时尚的特点。只有当代人的客观评论才能让我们对此作出判断。今天，当艺术家们不怕--也许是本能地--表现时尚的东西时，我们难道不感到同样需要澄清吗？例如，面对Jean-Gabriel Domergue决定赋予他的作品以某种风格，尽管有明显的扭曲，我们怎么能不被诱惑去发现那个时期的真实形象呢？多梅格仍然是我们的时尚画家中最有代表性的。他对女性装饰品的奇思妙想是一个忠实而敏感的观察者，但他以何种方式将他的幻想与日常现实联系起来？[多梅格的成功证明，他向社会举起的镜子既没有变形也没有误导。正是他与生俱来的优雅品味，加上作为画家的高超技艺和作为色彩家的某种天赋，使他与之前的肖像画家区别开来。Gérard-Louis Soyer和Alix Grès[作序]，Jean-Gabriel Domergue, l'art et la mode, Éditions Sous le vent-Vilo, Paris: 1984, p.16

JEAN-GABRIEL DOMERGUE (1889 - 1962) Au bar, Cannoise au bustier Huile sur Isorel Signée en bas à droite Titrée « Au bar » au dos 72,5 x 59,8 cm - 28 1 / 2 x 23 1 / 2 in. PROVENANCE Collection particulière, France (par descendance) OEUVRE EN RAPPORT Jean-Gabriel Domergue, Au Pavillon d'Armenonville, 1950, huile sur Isorel (?), dimensions inconnues, collection particulière, reproduit dans Gérard-Louis Soyer et Alix Grès [préface de], Jean-Gabriel Domergue, l'art et la mode, Éditions Sous le vent-Vilo, Paris : 1984, p.91 «À qui n'est-il pas arrivé devant de charmantes gravures anciennes, représentant d'extraordi - naires élégantes aux coiffures empanachées, aux immenses paniers, ou ces incroyables du Directoire, aux cols démesurés, aux gilets farfelus, de se poser la question : dans quelle mesure ces plaisantes illustrations donnentelles l'image exacte de la mode de ces temps passés ? Sans nul doute ces témoignages artis - tiques contiennent une certaine exagération afin de mettre en valeur les caractéristiques d'une mode. Seul le commentaire objectif d'un contemporain nous permettrait d'en juger. Ne ressentons-nous pas aujourd'hui ce même besoin de mise au point quand les artistes ne redoutent pas – peut-être instinctivement – de représenter les choses de la mode. Par exemple, devant le parti pris de Jean-Gabriel Domergue de donner à son œuvre un certain style, comment ne pas être tenté malgré la déforma - tion évidente, de découvrir la véritable figuration de l'époque | la postérité quant à elle ne devra tenir compte de ces témoignages que pris dans un ensemble d'informations complémentaires. Domergue reste le plus représentatif de nos peintres de mode. Il est l'observateur fidèle et sensible des caprices de la parure féminine, mais dans quelle dépendance par rapport à la réalité quotidienne fait-il varier sa fantaisie ? [...] Le succès de Domergue prouve combien le miroir qu'il tend à la société n'est ni déformant, ni trompeur. C'est son goût inné de l'élégance mis au service d'une grande virtuosité de des - sinateur et d'un don certain de coloriste qui le détache des portraitistes qui le précèdent. » Gérard-Louis Soyer et Alix Grès [préface de], JeanGabriel Domergue, l’art et la mode, Éditions Sous le vent-Vilo, Paris : 1984, p.16

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Maurice ESTEVE (1904 - 2001) Hirantelle, 1981 Oil on canvas, signed and dated lower left, countersigned, titled and dated on reverse. Bears the archive numbers 8489 and P109 on a label from the gallery Louis Carré & Co. 73 x 92 cm - 28 47 / 64 x 36 7 / 32 in MAURICE ESTÈVE Hirantelle Maurice Estève (1904-2001) was a French colourist painter with a particular style who belonged to the New School of Paris. His childhood in the province of Berry rooted the aspiring artist in the land of the countryside, and imbued him with a mindset of peasant wisdom and simplicity. At the age of nine, he went to Paris and visited the Louvre. The revelation of this visit led him to start painting at the age of eleven. His father strongly opposed his artistic aspirations, but Estève persisted and moved to Paris to follow his vocation. He attended evening classes at a Paris school and then enrolled at the Colarossi Academy where he studied the old masters and was mainly interested in the Primitives. From 1929 onwards, the lesson of Cézanne came into play, as well as the one of Matisse and the cubist syntax of Fernand Léger: Maurice Estève gradually detached himself from figuration. Sinuous bands of bright, primary colours began to cover his paintings. In 1937 he assisted Robert and Sonia Delaunay, the pioneers of the Orphist movement (1913), who sought to emphasise colour and light by seeking the simultaneity of elements. It is an orchestration of colours and in particular of fundamental tones that will be at work in Maurice Estève’s painting throughout his life. With maturity, he reached a growing freedom and in the 1980s began to mix geometric forms with curves in an approach that was increasingly harmonious and close to nature. Hirantelle, painted in 1981, is part of his aesthetic research at the time. Maurice Estève paints directly on the canvas without any prior drawing or preconceived image: he lets the shapes and colours come to him. "Hirantelle" seems to be an invented word. Indeed, the artist uses neologisms (seeking visual and sound associations), localities and slang to illustrate with inventiveness his paintings which are doors to dreams. The singularity of Estève’s work compared to that of the abstract painters of his generation is that his slow journey through the figurative, far from having led him to a progressive reduction of his vocabulary, was instead charged with all the richness discovered along the way. The artist’s dazzling palette is at work in Hirantelle, and the harmony that emerges is due to the organic aspect of his paintings and his deep connection with nature. "What brings me to life, more than a plastic translation of the appearances of the visible world, is the desire to see appearing under my working hand a relationship with what the so-called reality hides. A difficult undertaking. How to give form and light to what has not been seen? Only a stubborn work that successively refuses the proposals of my imagination allows me to approach the vision that I hope is essential. The blind and the painters see at night". Estève, Maurice, François Collaborateur Chapon, et Galerie Louis Carré & Cie. Estève : peintures récentes. Paris, France : Galerie Louis Carré & Cie, 1990, p.20.

Maurice ESTEVE (1904 - 2001) Hirantelle, 1981 布面油画，左下方有签名和日期，背面有会签、标题和日期。 在Louis Carré & Co.画廊的标签上印有档案编号8489和P109。 73 x 92 cm - 28 47 / 64 x 36 7 / 32 in. 证据 巴黎路易-卡雷公司画廊，巴黎 私人收藏，法国 书目 目录》，第709号 MAILLARD Robert和PRUD'HOMMEESTÈVE Monique, Estève: catalogue raisonné de l'oeuvre peint, Ides et Calendes éditeur, 1995, 作品列在709号。 展销会 埃斯泰夫，最近的画作，路易-卡雷&Cie画廊，巴黎 1990年 毛里斯-埃斯泰夫 希兰泰尔 莫里斯-埃斯泰夫（1904-2001）是一位具有特殊风格的法国色彩派画家，是巴黎新画派的代表人物之一。他在贝里省的童年生活使这位有抱负的艺术家扎根于农村的土地上，并使他充满了农民的智慧和朴素的心态。9岁时，他去了巴黎，参观了卢浮宫。这次访问的启示使他在11岁时开始绘画。他的父亲强烈反对他的艺术抱负，但埃斯泰夫坚持下来，并搬到了巴黎，追随他的天职。他在巴黎的一所学校上夜校，然后进入科拉罗西学院学习，在那里他学习古老的大师作品，主要对原始派作品感兴趣。从1929年起，塞尚的经验开始发挥作用，还有马蒂斯和费尔南-莱热的立体主义语法：莫里斯-埃斯泰夫逐渐脱离了形象。鲜艳的原色带开始覆盖他的画作。1937年，他协助罗伯特和索尼娅-德劳内，奥菲斯特运动（1913年）的先驱，他们致力于通过寻求元素的同时性来突出颜色和光线。这是一个色彩的交响乐，特别是基本色调的交响乐，将在莫里斯-埃斯泰夫一生的绘画中起作用。随着年龄的增长，他获得了越来越多的自由，在20世纪80年代，他开始将几何形状与曲线混合在一起，其方法越来越和谐，越来越接近自然。Hirantelle》画于1981年，是他当时美学研究的一部分。莫里斯-埃斯泰夫直接在画布上作画，没有任何事先的图画或预设的形象：他让形状和颜色来找他。"Hirantelle "似乎是一个发明的词。事实上，艺术家使用新词（寻求视觉和声音的联想）、地方和俚语，以创造性的方式说明他的绘画，这些绘画是通往梦想的大门。与他那一代的抽象画家相比，埃斯泰夫作品的奇特之处在于，他从具象的缓慢旅程，远没有导致他逐渐减少他的词汇量，相反，他的作品充满了沿途发现的所有财富。艺术家令人眼花缭乱的调色板在Hirantelle中发挥作用，出现的和谐是由于他绘画的有机性和他与自然的深刻联系。"驱动我的，不仅仅是对可见世界的表象进行塑形翻译，而是希望看到在我的工作手下出现与所谓的现实所隐藏的关系。一项艰难的事业。如何为未曾见过的东西赋予形式和光芒？只有接连拒绝我的想象力的提议的顽固工作，才能让我接近我希望的基本的愿景。 盲人和画家在夜间看到。Estève, Maurice, François Collaborateur Chapon, and Galerie Louis Carré & Cie.埃斯泰夫：最近的绘画作品。法国巴黎：Louis Carré & Cie画廊，1990年，第20页。

Maurice ESTEVE (1904 - 2001)

Maurice ESTEVE (1904 - 2001) Hirantelle, 1981 Huile sur toile, signée et datée en bas à gauche, contresignée, titrée et datée au dos. Porte les numéros d'archives 8489 et P109 sur une étiquette de la galerie Louis Carré & Co. 73 x 92 cm - 28 47 / 64 x 36 7 / 32 in. PROVENANCE Galerie Louis Carré & Co, Paris Collection privée, France BIBLIOGRAPHIE Catalogue raisonné, n° 709 MAILLARD Robert et PRUD'HOMMEESTÈVE Monique, Estève : catalogue raisonné de l'oeuvre peint, Ides et Calendes éditeur, 1995, oeuvre répertoriée sous le n° 709. EXPOSITIONS Estève, peintures récentes, Galerie Louis Carré & Cie, Paris 1990 MAURICE ESTÈVE Hirantelle Maurice Estève (1904-2001) est un peintre coloriste français au style particulier qui fut l’une des figures de la Nouvelle École de Paris. Son enfance dans la province du Berry enracine l’artiste en devenir dans la terre de la campagne, et l’imprègne d’une pensée faite de sagesse paysanne et de simplicité. À neuf ans, il séjourne à Paris et franchit les portes du Louvre. La révélation faite lors de cette visite le conduit à peindre dès ses onze ans. Son père s’oppose alors vivement à ses aspirations artistiques, mais Estève s’entête et s’installe à Paris pour suivre sa vocation. Il suit les cours du soir dans une école de la Ville de Paris puis s’inscrit à l’Académie Colarossi où il étudie les maîtres anciens et s’intéresse principalement aux Primitifs. À partir de 1929 la leçon de Cézanne intervient, mais aussi celle de Matisse, ainsi que la syntaxe cubiste de Fernand Léger : Maurice Estève se détache peu à peu de la figuration. Des bandes sinueuses aux couleurs vives et primaires commencent à recouvrir ses tableaux. En 1937 il assiste Robert et Sonia Delaunay, les pionniers du mouvement orphiste (1913), qui s’attachent à mettre en avant la couleur et la lumière en recherchant la simultanéité des éléments. C’est une orchestration des couleurs et notamment des tons fondamentaux qui sera à l’œuvre dans la peinture de Maurice Estève tout au long de sa vie. Il atteint avec l’âge une liberté croissante et entreprend dans les années 1980 à mêler les formes géométriques à la courbe dans une démarche toujours plus harmonique et proche de la nature. Hirantelle peinte en 1981 s’inscrit dans ses recherches esthétiques de l’époque. Maurice Estève peint directement sur la toile sans dessin préalable ni image préconçue : il laisse les formes et les couleurs venir à lui. « Hirantelle », semble être un mot inventé. En effet, l’artiste use de néologismes (cherchant alors des associations visuelles et sonores), lieux-dits et argot pour illustrer avec inventivité ses tableaux qui sont des portes vers le rêve. La singularité de l’œuvre de Estève par rapport à celle des peintres abstraits de sa génération tient à ce que sa lente traversée du figuratif, loin de l’avoir entraîné à une réduction progressive de son vocabulaire, s’est chargée, au contraire de toutes les richesses découvertes en chemin. L’éblouissante palette de l’artiste est à l’œuvre dans Hirantelle, et l’harmonie qui s’en dégage tient à l’aspect organique de ses peintures et à son lien profond avec la nature. « Ce qui m’anime, plus qu’une traduction plastique des apparences du monde visible, c’est le désir de voir apparaître sous ma main ouvrière une relation avec ce que la prétendue réalité dissimule. Difficile entreprise. Comment donner forme et lumière à ce qui n’a pas été vu ? Seul, un travail obstiné qui refuse successivement les propositions de mon imagination me permet d’approcher de la vision que j’espère essentielle. Les aveugles et les peintres voient la nuit. ». Estève, Maurice, François Collaborateur Chapon, et Galerie Louis Carré & Cie. Estève : peintures récentes. Paris, France : Galerie Louis Carré & Cie, 1990, p.20.

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Bernard Buffet (1928 -1999) The train of waves at the point of Poulains, 1991 Oil on canvas, signed and dated upper left, titled, stamped Maurice Garnier and noted MG on reverse 81.5 x 116 cm - 31 7 / 8 x 45 2 / 3 in. A certificate of authenticity written by Galerie Maurice Garnier dated December 4, 2012 will be given to the buyer. BIBLIOGRAPHY HARAMBOURG Lydia, Bernard Buffet et la Bretagne, Editions Palantines, p123 repr. Bonjour Monsieur Buffet, catalog of the exhibition at the Musée Courbet, Ornans, Summer 1993, n° 53 repr. EXHIBITION Bonjour Monsieur Buffet, Musée Courbet, Ornans, Summer 1993, n° 53  Chapelle Jeanne D'Arc, Thouars (Deux Sèvres), 1994 "The Fonds de Dotation Bernard Buffet was created in July 2009 by Ida and Maurice Garnier. They donated 234 oil paintings, 41 mixed media and 36 drawings to the Endowment Fund, which will constitute the collection of a future Bernard Buffet Museum. In addition, to ensure the functioning of this Endowment Fund, Ida and Maurice Garnier donated oil paintings and mixed media for sale. PROVENANCE Collection of the Bernard Buffet Endowment Fund (according to a label on the back) Private collection, France BERNARD BUFFET Bernard Buffet (1928-1999) is considered as one of the major French painters of the 20th cen - tury. Very early, he benefited from the public’s infatuation, but was also criticized by the press. The journalists seized on his image, which oscil - lated between "painter of the misery of young people after the war" and “millionaire painter of misery”. In the mid-1950s, he frequented the artistic and nightlife scene in Saint-Germain des Prés, which included Françoise Sagan and the existentialists. These years marked the begin - ning of Bernard Buffet’s collaboration with the gallery owner Maurice Garnier, who exhibited and defended his work during his lifetime. From 1956 onwards, the artist enriched his style, which was previously characterised by dark colours, reflecting the post-war period. The nervous graphics and sharp writing remained, but the compositions, with their reduced to - nalities, were enriched by brilliant colour. The brushstroke gives way to a thick, heavy paste that can form drips reminiscent of gestural abstraction. Brittany, where Bernard Buffet lived during his youth, has never ceased to accompany his pic - torial journey. Its ports, the aridity of its coastal landscapes, the wild nature and the immensity of the sea remain in his imagination throughout his life. Even when he is far away, these land - scapes constitute a source from which he will always draw. It is this emotional memory that is at work in Le train de vagues à la pointe des Poulains painted in 1991. Bernard Buffet uses a broad style and dynamic brushstrokes to sculpt the waves and represent the sea in perpetual evolution. The foreground pushes and expands the depth to the horizon line where a slight clearing in the cloudy sky brings light to the painting and infuse it with mysticism. Here he combines two aesthetic approaches that are dear to him: the sharp line - especially in the outlines of the lighthouse and the signature – and the expressive material. At the end of the 1980s, Bernard Buffet’s interest in the sea and in Brittany was more than ever present. In 1989, he painted a monumental ensemble "Vingt mille lieues sous les mers" based on the novel by Jules Verne, in which he raised Captain Nemo to the level of Dante. In 1990, he exhibited at the Galerie Maurice Garnier for "La Bretagne" exhibition. Rarely has the artist painted in such an expres - sionist – almost lyrical – way as in Le train de vagues à la pointe des Poulains, part of a series begun in the 1990s. Bernard Buffet will deliver timeless representations of Brittany, where the wild and primitive sea will find its accomplished form in his last painting Tempête en Bretagne painted in 1999. The work we are presenting today is the calm before this last storm. Interview with Le Figaro, 29 September 1992 How do you know if a painting is good? (...) The specialists, the curators or the critics must see it for themselves? "The curators and critics hate me. They think I always do the same thing. But do we reproach Bach for writing the same piece of music, Greco for always being the same, Céline for being identical to himself? (...) When I was young, I perhaps had a romantic side, I defied life with death without being aware of it. Today, as I grow older, without really wanting to, I provoke death with life. I need colour. (...) My paintings were made by my hands, those of a worker, those of a man to be taken by other men’s hands. They are objects of desire, of pleasure, and why not of quarrel. Intellectualism has killed the spiritual and the sensitive."

Bernard Buffet (1928 -1999) 波浪列车在Pointe des Poulains, 1991年 布面油画，左上角有签名和日期，背面有标题，印有Maurice Garnier和MG的注释 81.5 x 116 cm - 31 7 / 8 x 45 2 / 3 in. 由莫里斯-卡尼尔画廊于2012年12月4日书写的真实性证书将交给买方。 书目 HARAMBOURG Lydia, Bernard Buffet et la Bretagne, Editions Palantines, p123 repr. 你好，巴菲特先生》，库尔贝博物馆展览目录，奥尔南，1993年夏，第53号重印。 展览 你好，巴菲特先生"，库尔贝博物馆，奥尔南，1993年夏，第53期  贞德教堂，图阿斯（Deux Sèvres），1994年 "伯纳德-巴菲特投资基金 "由Ida和Maurice Garnier于2009年7月创建。他们向捐赠基金捐赠了234幅油画、41幅混合媒体和36幅素描，这将成为未来伯纳德-巴菲特博物馆的基础。此外，艾达和莫里斯-加尼埃捐赠了油画和混合技术供出售，以确保捐赠基金的运作。 证据 伯纳德-巴菲特捐赠基金的收藏（根据背面的标签）。 私人收藏，法国 BERNARD BUFFET 波浪列车在普兰斯的细节 伯纳德-巴菲特（1928-1999）被认为是法国20世纪的主要画家之一。他很早就从公众的迷恋中获益，也受到了批评家的批评。媒体抓住了他的形象，在 "战后年轻人苦难的画家 "和 "苦难的百万富翁画家 "之间摇摆不定。50年代中期，他经常出入圣日耳曼德佩区的艺术和夜生活场所，其中包括弗朗索瓦丝-萨根和存在主义者。这些年是伯纳德-巴菲特与画廊老板莫里斯-加尼埃合作的开始，加尼埃一生都在为他的作品举办展览和辩护。从1956年起，艺术家丰富了他的风格，以前是以深色为特征，反映了战后时期。紧张的图形和尖锐的文字依然存在，但构图方面，由于色调的减少，辉煌的色彩使之得到加强。笔触变粗，让位于厚重的糊状物，可以形成让人联想到姿态抽象的水滴。布列塔尼是伯纳德-巴菲特部分青少年时期生活的地方，从未停止过陪伴他的绘画之旅。它的港口、干旱的海岸景观、野性的自然环境和浩瀚的大海在他的一生中都保持着想象力。即使他在远方，这些风景也构成了他永远的源泉。正是这种情感记忆在1991年画的《Le train de vagues à la pointe des Poulains》中起作用。伯纳德-巴菲特采用宽泛的风格和动态的笔触来雕刻波浪，并表现出海洋的永久演变。前景推动并扩大了地平线的深度，在那里，多云的天空略微放晴，给画作带来了光亮，同时也给画作染上了神秘主义色彩。在这里，他结合了他所珍视的两种美学方法：锐利的线条--特别是在灯塔和签名的轮廓中--和富有表现力的材料。20世纪80年代末，伯纳德-巴菲特对海洋和布列塔尼的兴趣超过了以往。1989年，他根据儒勒-凡尔纳的小说绘制了不朽的合集《海底两万里》，在其中他将尼摩船长提升到但丁的高度。1990年，他在Maurice Garnier画廊为 "La Bretagne "展览举办了展览。艺术家很少像《波浪列车》（Le train de vagues à la pointe des Poulains）这样以表现主义--几乎是抒情--的方式作画，这个系列开始于1990年代。伯纳德-巴菲特将对布列塔尼进行永恒的表现，在他1999年画的最后一幅画《布列塔尼的暴风雨》中，野生和原始的海将找到其成就的形式。我们今天介绍的工作是这最后一场风暴之前的平静。1992年9月29日接受《费加罗报》采访 你如何知道一幅画是否好？(......)专家、策展人或评论家必须自己去看？"策展人和评论家们都讨厌我。他们认为我总是做同样的事情。但是，我们是否责备巴赫写了同样的乐曲，责备格列柯总是一样的，责备塞林与自己一样？(......)当我年轻的时候，我也许有浪漫的一面，我用死亡来藐视生命而不自知。今天，随着我年龄的增长，在不太愿意的情况下，我用生命挑衅死亡。我需要它。

Bernard Buffet (1928 -1999)

Bernard Buffet (1928 -1999) Le train de vagues à la pointe des Poulains, 1991 Huile sur toile, signée et datée en haut sur la gauche, titrée, marquée du cachet Maurice Garnier et annotée MG au dos Oil on canvas, signed and dated upper left, titled, stamped Maurice Garnier and noted MG on reverse 81.5 x 116 cm - 31 7 / 8 x 45 2 / 3 in. Un certificat d'authenticité rédigé par Ia Galerie Maurice Garnier en date du 4 décembre 2012 sera remis à l’acquéreur. BIBLIOGRAPHIE HARAMBOURG Lydia, Bernard Buffet et la Bretagne, Editions Palantines, p123 repr. Bonjour Monsieur Buffet, catalogue de l’exposition au Musée Courbet, Ornans, Eté 1993, n° 53 repr. EXPOSITION Bonjour Monsieur Buffet, Musée Courbet, Ornans, Eté 1993, n° 53  Chapelle Jeanne D’Arc, Thouars (Deux Sèvres), 1994 « Le Fonds de Dotation Bernard Buffet a été créé en juillet 2009 par Ida et Maurice Garnier. Ces derniers ont fait don au Fonds de Dotation de 234 peintures à l’huile, 41 techniques mixtes et 36 dessins, destinés à constituer le fonds d’un futur Musée Bernard Buffet. En outre, pour assurer le fonctionnement de ce Fonds de Dotation, Ida et Maurice Garnier ont fait don de peintures à l’huile et de techniques mixtes destinées à la vente. » PROVENANCE Collection Fonds de dotation Bernard Buffet (d’après une étiquette au verso) Collection privée, France BERNARD BUFFET Le train de vagues à la pointes des Poulains détail Bernard Buffet (1928-1999) est considéré comme l’un des peintres majeurs du XXe siècle en France. Bénéficiant très tôt de l’engouement du public, il a aussi été décrié par la critique. La presse s’empare de son image qu’elle fait osciller entre « peintre de la misère des jeunes après la guerre » et « peintre millionnaire de la misère ». Au milieu des années 1950, il fréquente la vie artistique et nocturne de Saint-Germain des Prés dont font partie Françoise Sagan et les existentialistes. Ces années marquent pour Bernard Buffet le début de la collaboration avec le galeriste Maurice Garnier qui toute sa vie exposera et défendra son œuvre. À partir de 1956, l’artiste enrichit son style qui se caractérisait auparavant par des couleurs sombres, reflétant l’après-guerre. Graphisme nerveux et écriture acérée demeurent mais les compositions aux tonalités réduites s’agrémentent d’une couleur brillante. La touche s’épaissit pour laisser place à une pâte épaisse et lourde pouvant former des coulures qui rappellent l’abstraction gestuelle. La Bretagne, où a vécu Bernard Buffet pendant une partie de son adolescence n’a cessé d’accompagner son parcours pictural. Ses ports, l’aridité de ses paysages côtiers, la nature sauvage et l’immensité de la mer restent dans son imaginaire tout au long de sa vie. Même quand il sera loin, ces paysages constituent une source dans laquelle il puisera toujours. C’est cette mémoire affective qui est à l’œuvre dans Le train de vagues à la pointe des Poulains peint en 1991. Bernard Buffet adopte une manière large et des coups de pinceaux dynamiques pour sculpter les vagues et représenter la mer en perpétuelle évolution. Le premier plan repousse et élargit la profondeur jusqu’à la ligne d’horizon où une légère éclaircie dans le ciel nuageux apporte de la lumière au tableau tout en le teintant de mysticisme. Il associe ici deux approches esthétiques qui lui sont chères : la ligne acérée - notamment dans les contours du phare et dans la signature – et la matière expressive. À la fin des années 1980 l’intérêt de Bernard Buffet pour la mer et pour la Bretagne est plus que toujours présent. En 1989, il peint dans son domaine de la Baume un ensemble monumental « Vingt mille lieues sous les mers » d’après le roman de Jules Verne, où il élève le capitaine Nemo au niveau de Dante. En 1990, il expose à la Galerie Maurice Garnier pour l’exposition « La Bretagne ». Rarement l’artiste se livrera à une peinture aussi expressionniste – presque lyrique – que dans Le train de vagues à la pointe des Poulains appartenant à une série commencée dans les années 1990. Bernard Buffet y livrera des représentations intemporelles de la Bretagne, où la mer sauvage et primitive trouvera sa forme accomplie dans son ultime peinture Tempête en Bretagne peinte en 1999. L’œuvre que nous présentons aujourd’hui est le calme avant cette dernière tempête. Entretien avec Le Figaro, 29 septembre 1992 Comment savez-vous qu’un tableau est bon ? (…) Les spécialistes, les conservateurs ou les critiques doivent bien le voir eux ? « Les conservateurs et les critiques me haïssent. Ils trouvent que je fais toujours la même chose. Mais reproche-t-on à Bach d’écrire le même morceau de musique, à Greco d’être toujours le même, à Céline d’être identique à lui-même ? (…) Quand j’étais jeune, j’avais peut-être u

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