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Impressionniste & Moderne

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Emile René Ménard (1861/62-1930) The Great Atlas, seen from Marrakech, 1921 Oil on canvas, signed and dated lower left 67 x 120 cm 26 3/8 x 47 1/4 in. EXHIBITION Émile Ménard, Marseille PROVENANCE Private collection, Belgium Then by descent

Emile René Ménard (1861/62-1930) 大地图集，从马拉喀什看，1921年 油画，左下角有签名和年代 67 x 120厘米 26 3/8 x 47 1/4 in. 展览 Émile Ménard，马赛。 证据 私人收藏，比利时 然后是降级

Emile René Ménard (1861/62-1930)

Emile René Ménard (1861/62-1930) Le grand Atlas, vu de Marrakech, 1921 Huile sur toile, signée et datée en bas à gauche 67 x 120 cm 26 3/8 x 47 1/4 in. EXPOSITION Émile Ménard, Marseille PROVENANCE Collection privée, Belgique Puis par descendance

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Giovanni BOLDINI (1842-1931) La Réjane on Stage, 1878-84 Oil on panel, signed and dedicated to "Madame Angèle" lower right 64,5 x 37,5 cm 25 3/8 x 14 3/4 in. A certificate of authenticity numbered 002667 dated 26 September 2017 written by Dr Francesca Dini will be given to the buyer. PROVENANCE Albert Lambert, member of the Comédie Française Private collection, France Sale Rieunier & Associés, 3 December 2012 GIOVANNI BOLDINI A socialite painter par excellence, Boldini excelled in the genre of portraiture from his early years in Tuscany. When he moved to London in 1871, his talent allowed him to portray the English aristocracy. Then he moved to Paris, seduced by the art of living in the French capital. From genre scenes to society portraits and capturing the movement of horse-drawn carriages, Boldini perfected his style. La Réjane sur scène is situated in a period of transition in the artist's artistic expression. Already the touch is freer and the spontaneity of the line makes the young woman all the more majestic. This sumptuousness is in keeping with Boldini's feelings for this model, Réjane. Gabrielle Charlotte Réju, whose stage name was Réjane, was a prominent actress and director of an eponymous theatre. If Boldini enjoyed depicting the actress captured in her intimacy in several works, he paints her here in her role as Madame Angèle from the comedy Les Dominos roses by Alfred Delacour and Hennequin. A farce about two wives determined to trick their husbands with costumes, Réjane plays with her charms and delights her audience in this vaudeville theatre. Thanks to his skill, Boldini depicts pretty details that contribute to the charm of the model while maintaining a great deal of freedom in his touch. Thus, the various impastos suggest more than they emphasize. The background, quickly brushed and full of movement, shows great modernity and sublimates the figure. The carefully studied palette is contrasted by pink and blue touches. In three-quarter view, aware of her great beauty, Boldini offers a precious testimony of an icon of the end of the 19th century to whom he dedicates this work. "From three-quarters, aware of his great beauty, Boldini offers a precious testimony of an icon of the late nineteenth century to whom he dedicates this work"

Giovanni BOLDINI (1842-1931) La Réjane on stage, 1878-84. 油画，右下角有签名并献给"Angèle夫人"。 64.5 x 37.5厘米 25 3/8 x 14 3/4 in. 将向买方提供一份由Francesca Dini博士于2017年9月26日撰写的编号为002667的真实性证书。 证据 阿尔贝・兰伯特 私人收藏，法国 Sale Rieunier & Associés，2012年12月3日。 GIOVANNI BOLDINI 波尔迪尼是一位卓越的社会名流画家，早年在托斯卡纳就擅长肖像画。当他在1871年移居伦敦时，他的才华使他能够描绘出英国贵族的形象。然后他搬到了巴黎，被法国首都的生活艺术所诱惑。从流派场景到社会肖像，捕捉马车的运动，波尔迪尼完善了他的风格。La Réjane sur scène位于艺术家艺术表达的转型期。已然触感更加自由，行云流水的洒脱，让这个年轻的女子更加雄壮。这种奢华与波尔迪尼对这位模特儿的感情是一致的，雷简。加布里埃尔-夏洛特-雷珠的艺名是雷佳妮，是著名的女演员，也是一家同名剧院的导演。如果说波尔迪尼喜欢在几部作品中描绘这位女演员的亲密关系，那么他在这里则将她画成了阿尔弗雷德-德拉库尔和亨内金的喜剧《多米诺玫瑰》中的安吉拉夫人。这是一出关于两个妻子决心用服装欺骗丈夫的闹剧，在这个杂耍剧场里，雷珍发挥了自己的魅力，让观众大饱眼福。由于他的技巧，Boldini描绘了漂亮的细节，有助于模型的魅力，同时在他的触摸中保持了很大的自由度。因此，各种 impastos 建议多于强调。背景快速刷新，充满动感，显示出极大的现代感，升华了人物形象。仔细研究过的调色板在粉色和蓝色的点缀下形成了鲜明的对比。在四分之三的视图中，意识到她的伟大美丽，Boldini为19世纪末的偶像提供了珍贵的证词，他将这幅作品献给了她。 "波尔迪尼从四分之三开始，意识到自己的伟大美，为十九世纪末的偶像提供了珍贵的见证，他将这部作品献给了他"

Giovanni BOLDINI (1842-1931)

Giovanni BOLDINI (1842-1931) La Réjane sur scène, 1878-84 Huile sur panneau, signée et dédicacée à « Madame Angèle » en bas à droite 64,5 x 37,5 cm 25 3/8 x 14 3/4 in. Un certificat d'authenticité numéroté 002667 en date du 26 septembre 2017 rédigé par Dr Francesca Dini sera remis à l'acquéreur. PROVENANCE Albert Lambert, sociétaire de la Comédie Française Collection privée, France Vente Rieunier & Associés, 3 décembre 2012 GIOVANNI BOLDINI Peintre mondain par excellence, Boldini excelle dans le genre du portrait depuis ses jeunes années en Toscane. Lors de son installation à Londres en 1871, son talent lui permet de portraiturer l’aristocratie anglaise. Puis, il emménage à Paris, séduit par l’art de vivre de la capitale française. Des scènes de genre aux portraits mondains en passant par la capture du mouvement des calèches, Boldini perfectionne son style. La Réjane sur scène se situe dans une période de transition dans l’expression artistique de l’artiste. Déjà la touche se fait plus libre et la spontanéité de la ligne rend la jeune femme d’autant plus majestueuse. Ce caractère somptueux est à la hauteur de ce que ressent Boldini pour ce modèle, Réjane. Gabrielle Charlotte Réju de son nom de scène Réjane, est une comédienne très en vue et directrice d’un théâtre éponyme. Si Boldini s’est plu à représenter la comédienne capturée dans son intimité dans plusieurs œuvres, il la peint ici dans son rôle de Madame Angèle tiré de la comédie Les Dominos roses d’Alfred Delacour et Hennequin. Farce contant l’histoire de deux épouses décidées à piéger leurs maris grâce à des costumes, Réjane joue de ses charmes et comble son auditoire dans ce théâtre de vaudeville. Grâce à une habile maîtrise, Boldini représente de coquets détails participant au charme du modèle tout en conservant une grande liberté dans sa touche. Ainsi, les différents empâtements suggèrent plus qu’ils ne soulignent. L’arrière-plan rapidement brossé et tout en mouvement fait preuve d’une grande modernité et sublime le personnage. La palette soigneusement étudiée est contrastée par des touches roses et bleues. De trois-quarts, consciente de sa grande beauté, Boldini offre un précieux témoignage d’une icône de la fin du XIXe siècle à qui il dédicace cette œuvre.  « De trois-quarts, consciente de sa grande beauté, Boldini offre un précieux témoignage d’une icône de la fin du XIXe siècle à qui il dédicace cette œuvre »

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Edgar MAXENCE (1871-1954) Portrait of Gabrielle Lihoreau (née Rhodes-Goodwin) with a peacock in front of the Château de Saultré, the family property, 1899 Oil on canvas, signed lower left, and marked upper right with the coat of arms of Alain de Roquefeuil-Cahuzac (second husband of the model) 82 x 66 cm 32 1/4 x 26 in. An old label 273 on the lower right PROVENANCE The model's family, Château de Sautré, Pays-de-la-Loire Then by descent EDGAR MAXENCE Presented for the first time to the public, the Portrait of Gabrielle Lihoreau painted by Edgar Maxence in 1899, has been kept for more than a hundred years by the Lihoreau family, and illustrates the fruit of a long friendship with the painter. Edgar Maxence deploys the teachings of Gustave Moreau and Elie Delaunay, his teachers at the Ecole des Beaux-Arts. Resolutely symbolist, he was influenced all his life by the Pre-Raphaelites and their compositions inspired by medieval legends. He exhibited at the Salon des artistes français and then at the Salon de Rose-Croix from 1895 to 1897, where the masters of symbolism were present. A recognized painter, he received the Gold Medal at the Universal Exhibition of 1900, was awarded the Legion of Honor, and was elected to the Institute by the Academy of Fine Arts in 1924. His talent for portraiture is here put at the service of Gabrielle Lihoreau, who is represented in front of the family castle with the coat of arms of her second husband. Leaning nonchalantly on an imaginary balustrade, Gabrielle seems interrupted in her reading by the painter. Her gaze is dreamy but frank. The simplicity of her outfit and the care taken to render the details of her face without artifice bear witness to her closeness to Edgar Maxence, but also to the artistic evolution of the painter, who favours resemblance. He retraces a moment between myth and reality, theatre and subtlety. These qualities made him one of the greatest portraitists of his time. Through the allegorical elements he uses (the peacock for beauty and love, and the book for peace) he gives this portrait of Gabrielle a symbolic dimension. The technique of the golden background is a leitmotif in Edgar Maxence's painting. It testifies to his deep and somewhat nostalgic attachment to the old painting techniques to which he devotes days of preparation. The golden background borrows from the reliquary objects their sacred aura. At the dawn of the 20th century, this portrait, imbued with lyricism and sacredness, is an unprecedented legacy of the symbolist movement.

Edgar MAXENCE (1871-1954) 1899年，加布里埃尔-利奥罗（Rhodes-Goodwin）与孔雀在索尔特雷城堡（家族财产）前的肖像。 布面油画，左下角有签名，右上角有Alain de Roquefeuil-Cahuzac（模特儿的第二任丈夫）的纹章。 82 x 66厘米 32 1/4 x 26 in. 右下角有一个旧标签273 证据 模特家族，卢瓦尔河畔的苏特雷堡。 然后是降级 EDGAR MAXENCE 1899年埃德加-马克森斯创作的《加布里埃尔-利奥罗肖像》首次向公众展出，该画作已由利奥罗家族保存了一百多年，并展示了与画家长期友谊的成果。埃德加-马克森斯（Edgar Maxence）运用了他在美术学院的老师古斯塔夫-莫罗（Gustave Moreau）和埃利-德劳内（Elie Delaunay）的教诲。坚定的象征主义者，他一生都受到前拉斐尔派的影响，他们的创作灵感来自中世纪的传说。他的作品曾在法国艺术家沙龙展出，1895年至1897年又在玫瑰-克鲁瓦沙龙展出，象征主义的大师们都在那里。作为公认的画家，他在1900年的万国博览会上获得金奖，被授予荣誉军团勋章，并在1924年被美术学院选入研究所。他的肖像画天赋在这里被加布里埃尔-利奥罗（Gabrielle Lihoreau）所发挥，她在家族城堡前的代表是她第二任丈夫的纹章。加布里埃尔不紧不慢地靠在想象中的栏杆上，她的阅读似乎被画家打断了。她的目光是梦幻而又坦然的。她服装的简约和对脸部细节不加修饰的精心处理，见证了她与埃德加-马克森斯的亲密关系，也见证了画家的艺术演变，他喜欢相似。他在神话与现实、戏剧与微妙之间追溯了一个个瞬间。这些品质使他成为当时最伟大的肖像画家之一。通过他所使用的寓言元素（孔雀代表美丽和爱情，书代表和平），他赋予了加布里埃尔的这幅肖像画以象征意义。金色背景的技法是埃德加-马克森斯绘画中的一个主旋律。这证明了他对旧的绘画技巧的深深的、有点怀念的感情，他为此投入了数日的准备工作。金色的背景借用了圣物的神圣气质。20世纪初，这幅充满抒情和神圣感的画像，是象征主义运动的空前遗产。

Edgar MAXENCE (1871-1954)

Edgar MAXENCE (1871-1954) Portrait de Gabrielle Lihoreau (née Rhodes -Goodwin) au paon devant le château de Saultré, propriété familiale, 1899 Huile sur toile, signée en bas à gauche, et marquée en haut à droite des armoiries d'Alain de de Roquefeuil-Cahuzac (second époux du modèle) 82 x 66 cm 32 1/4 x 26 in. Une ancienne étiquette 273 en bas à droite PROVENANCE Famille du modèle, Château de Sautré,Pays-de-la-Loire Puis par descendance EDGAR MAXENCE Présenté pour la première fois au public, le Portrait de Gabrielle Lihoreau peint par Edgar Maxence en 1899, a été conservé pendant plus de cent ans par la famille Lihoreau, et illustre le fruit d’une longue amitié avec le peintre. Edgar Maxence y déploie les enseignements de Gustave Moreau et d’Elie Delaunay, ses professeurs à l’école des Beaux-Arts. Résolument symboliste, il sera influencé toute sa vie par les préraphaélites et leurs compositions inspirées des légendes médiévales. Il exposera au Salon des artistes français puis au Salon de Rose-Croix de 1895 à 1897 où se côtoient les maîtres du symbolisme. Peintre reconnu, il recevra la Médaille d’Or à l’Exposition Universelle de 1900, obtiendra la Légion d’Honneur, et sera élu à l’Institut par l’Académie des Beaux-Arts en 1924. Son talent pour le portrait est ici mis au service de Gabrielle Lihoreau, qui est représentée devant le château familial avec les armoiries de son deuxième époux. Appuyée nonchalamment sur une balustrade imaginaire, Gabrielle semble interrompue dans sa lecture par le peintre. Son regard est rêveur mais franc. La simplicité de sa tenue et l’application à rendre sans artifice les détails de son visage témoignent de sa proximité avec Edgar Maxence mais aussi de l’évolution artistique du peintre qui privilégie la ressemblance. Il retrace un moment entre mythe et réalité, théâtre et subtilité. Ces qualités ont fait de lui l’un des plus grands portraitistes de son temps. Par les éléments allégoriques qu’il utilise (le paon pour la beauté et l’amour, et le livre pour la paix) il donne à ce portrait de Gabrielle une dimension symbolique. La technique du fond d’or fait figure de leitmotiv dans la peinture d’Edgar Maxence. Elle témoigne de son attachement profond et quelque peu nostalgique pour les techniques picturales anciennes auxquelles il consacre des journées de préparations. Le fond d’or emprunte aux objets reliquaires leur aura sacrée. À l’aube du XXe siècle, ce portrait imprégné de lyrisme et de sacralité est un héritage inédit du mouvement symboliste.

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Camille CLAUDEL (1864-1943) Perseus and the Gorgon, "small model" or Petit Perseus, circa 1897-1905 Bronze proof, signed on the base in the middle. Cast by Eugène Blot 51 x 30 x 25 cm 20 x 11 3/4 x 9 3/4 in. PROVENANCE Collection of the Countess de Maigret, Paris (acquired directly from the artist) Then by descent EXHIBITIONS 2005, May 26-September 11, Quebec, Musée national des Beaux-Arts| October 2-February 5, 2006, Detroit, Institute of Arts, March 3-June 15, 2006, Martigny, Fondation Pierre Gianadda, Camille Claudel et Rodin, la rencontre de deux destinins, n°87 2015, Roubaix, La Piscine, Camille Claudel, au miroir d'un Art Nouveau, n° 81 BIBLIOGRAPHY Anne Rivière, Bruno Gaudichon, Camille Claudel, Catalogue raisonné, third expanded edition, Paris, Adam Biro, 2001, n°54-6 Anne Rivière, "Un mécène : la comtesse de Maigret" in Antoinette Le Normand-Romain, Camille et Rodin, la rencontre de deux destinins, Hazan, 2005, p. 250-259. Anne Rivière, " Persée, "celui qui tue sans regarder'' in Camille Claudel au miroir d'un Art nouveau, éditions Gallimard - La Piscine - Roubaix, 2014, n°81 repr p. 193 Reine-Marie Paris, Philippe Cressent, Camille Claudel, Catalogue raisonné, 5th revised, corrected and enlarged edition, Culture Economica, Paris, 2019, n°110-5 The work will be included in the Critical Catalogue of Camille Claudel's work currently being prepared at the Galerie Malaquais by the Comité Camille Claudel, under the direction of Eve Turbat, with the number 2020-230B. View the full description

Camille CLAUDEL (1864-1943) 珀尔修斯和高竿，"小模型"或小珀尔修斯，约1897-1905年 铜质证明，底座中间有签名。演员：Eugène Blot 51 x 30 x 25厘米 20 x 11 3/4 x 9 3/4 in. 证据 巴黎Maigret伯爵夫人的收藏（直接从艺术家那里获得）。 然后是降级 展览 2005年5月26日-9月11日，魁北克，国家美术博物馆；2006年10月2日-2月5日，底特律，艺术学院，2006年3月3日-6月15日，马蒂尼，皮埃尔-贾纳达基金会，Camille Claudel et Rodin，la rencontre deux destinins，n°87 2015年，鲁贝，La Piscine，Camille Claudel，au miroir d'un Art Nouveau，n°81。 书目 Anne Rivière, Bruno Gaudichon, Camille Claudel, Catalogue raisonné, 3rd expanded edition, Paris, Adam Biro, 2001, n°54-6。 Anne Rivière, "Un mécène : la comtesse de Maigret" in Antoinette Le Normand-Romain, Camille et Rodin, la rencontre deux destinins, Hazan, 2005, p. 250-259. Anne Rivière, " Persée, "celui qui tue sans regarder'' in Camille Claudel au miroir d'un Art nouveau, éditions Gallimard - La Piscine - Roubaix, 2014, n°81 repr p. 193. Reine-Marie Paris，Philippe Cressent，Camille Claudel，Catalogue raisonné，5th revised，corrected and enlarged edition，Culture Economica，Paris，2019，n°110-5 该作品将被收入目前由Eve Turbat指导的Camille Claudel委员会正在Malaquais画廊编制的Camille Claudel作品批判目录中，编号为2020-230B。 View the full description

Camille CLAUDEL (1864-1943)

Camille CLAUDEL (1864-1943) Persée et la Gorgone, « petit modèle » ou Petit Persée, circa 1897-1905 Épreuve en bronze, signée sur le socle au milieu. Fonte Eugène Blot 51 x 30 x 25 cm 20 x 11 3/4 x 9 3/4 in. PROVENANCE Collection de la Comtesse de Maigret, Paris (acquis directement auprès de l'artiste) Puis par descendance EXPOSITIONS 2005, 26 mai-11 septembre, Québec, Musée national des Beaux-Arts | 2 octobre-5 février 2006, Detroit, Institute of Arts, 3 mars-15 juin 2006, Martigny, Fondation Pierre Gianadda, Camille Claudel et Rodin, la rencontre de deux destins, n°87 2015, Roubaix, La Piscine, Camille Claudel, au miroir d'un Art Nouveau, n° 81 Un exemplaire de ce même bronze a été également exposé : 1905, Paris, Galerie Eugène Blot, Camille Claudel, Bernard Hoetger 1908, Paris, Galerie Eugène Blot, Camille Claudel, Gaston Devore, Jeanne Eliot, Alice Lebeau-Hassenberg, Ann Osterlind, n°9 1951, Paris, Musée Rodin, Camille Claudel, n°28 BIBLIOGRAPHIE Anne Rivière, Bruno Gaudichon, Camille Claudel, Catalogue raisonné, troisième édition augmentée, Paris, Adam Biro, 2001, n°54-6 Anne Rivière, « Un mécène : la comtesse de Maigret » dans l'ouvrage d'Antoinette Le Normand-Romain, Camille et Rodin, la rencontre de deux destins, Hazan, 2005, p. 250-259. Anne Rivière, « Persée, "celui qui tue sans regarder'' » dans Camille Claudel au miroir d'un Art nouveau, éditions Gallimard - La Piscine - Roubaix, 2014, n°81 repr p. 193. Reine-Marie Paris, Philippe Cressent, Camille Claudel, Intégrale des œuvres, Complete work, Economica Culture, 2014, n°297, p. 605 Reine-Marie Paris, Philippe Cressent, Camille Claudel, Catalogue raisonné, 5e édition revue, corrigée et augmentée, Culture Economica, Paris, 2019, n°110-5. L'oeuvre sera incluse au Catalogue critique de l'oeuvre de Camille Claudel actuellement en préparation à la Galerie Malaquais par le Comité Camille Claudel, sous la direction d'Eve Turbat, avec le numéro 2020-230B. Voir la fiche complète et détaillée dans le catalogue

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Henri MARTIN (1860-1943) Young Woman with a Bun, circa 1895-1900 Oil on canvas 43 x 32.5 cm 16 7/8 x 12 3/4 in. A notice of inclusion in the archives intended for the elaboration of the catalogue raisonné of Henri Martin written by Mrs Marie-Anne Destrebecq-Martin dated 11 April 2021 will be given to the buyer. PROVENANCE Sale of the collection of Madame de Prussac, Aixe-sur-Vienne, 1930 Private collection (acquired at the previous sale) Private collection, France Then by descent HENRI MARTIN Henri Martin is one of those artists who do not leave anyone indifferent. Too academic for the avant-garde and too innovative for the more classical, the artist has left posterity a most interesting body of work. Born in Toulouse, he followed an academic course at the Ecole des Beaux-Arts de la Ville rose. This classical training allowed him to gain official recognition, as evidenced by the numerous public commissions he received, such as the one made by the Third Republic to decorate the ceiling of a salon in the Paris Town Hall, which was burned down by the Commune in 1871. Although the artist enjoyed public recognition thanks to his academic mastery, he did not hesitate to lighten his palette and adopt a more impressionist touch from 1889. Young Wreathed Woman with Bun is fully in line with this stylistic renewal. A studious student and a painter sensitive to the different variations permitted by human expressions, Henri Martin portrayed his entire family from his earliest years. This habit will last while the frame and technique evolve. This portrait retains the frontality of his first representations but the appearance of the impressionist touch allows for an almost abstract background evoking a spring garden. The impasto made of large juxtaposed flat tints is part of an impressionist approach far from the academic principles of the early days. Thanks to a nuanced palette, the artist plays with light and shadow. The luminosity of the garden is reflected in the young girl's skin tone, while her hair and outfit adopt a darker chromatic range that nevertheless echoes the blue and red used sparingly in this background. This young girl, whom the artist liked to represent on various occasions, is wearing a laurel wreath, reminding us that the artist tried his hand at symbolism for a time. Academic, impressionist, symbolist, pointillist, Henri Martin's style could not be summed up in a single trend. Far from scientific principles, the artist follows his instinct and his works innovate by their great freshness.

Henri MARTIN (1860-1943) 梳着发髻的年轻女子，约1895-1900年。 油画 43 x 32.5厘米 16 7/8 x 12 3/4 in. 将向买方提供玛丽-安妮-德斯特雷贝克-马丁夫人于2021年4月11日写的关于列入档案以编制亨利-马丁收藏目录的通知。 证据 普鲁萨克夫人收藏品拍卖会，艾克斯-维也纳，1930年。 私人收藏(上一次出售时获得) 私人收藏，法国 然后是降级 HENRI MARTIN 亨利-马丁是那些不会让人无动于衷的艺术家之一。太过学术的前卫，太过创新的古典，艺术家给后人留下了最有趣的作品。他出生于图卢兹，曾在玫瑰美术学院学习学术课程。这种古典训练使他获得了官方的认可，这从他接受的众多公共委托中就可以看出，比如第三共和国委托他装饰巴黎市政厅沙龙的天花板，1871年该沙龙被公社烧毁。虽然艺术家凭借其学术造诣获得了公众的认可，但从1889年开始，他毫不犹豫地将色调淡化，并采用了更多的印象派手法。年轻的花环女包子完全符合这种风格的更新。亨利-马丁是一位勤奋好学的学生，也是一位对人类表情所允许的不同变化很敏感的画家，他从幼年开始就描绘了他的整个家庭。这种习惯会持续下去，同时框架和技术也在不断发展。这幅肖像画保留了他第一幅作品的正面性，但印象派手法的出现使得背景近乎抽象，让人联想到春天的花园。由大面积并列的平涂颜料制成的凹版画，是印象主义方法的一部分，与早期的学术原则相去甚远。得益于细致入微的调色板，艺术家玩起了光与影。花园的光亮体现在少女的肤色上，而她的头发和服装则采用了较暗的色系，但却与这一背景中少用的蓝色和红色相呼应。这个年轻的女孩，艺术家喜欢在各种场合表现她，她戴着一个月桂花环，提醒我们，艺术家一度尝试过象征主义。学术派、印象派、象征派、点彩派，亨利-马丁的风格无法用单一的潮流来概括。艺术家远离科学原理，遵循自己的直觉，作品以其巨大的新鲜感而创新。

Henri MARTIN (1860-1943)

Henri MARTIN (1860-1943) Jeune femme laurée au chignon, circa 1895-1900 Huile sur toile 43 x 32.5 cm 16 7/8 x 12 3/4 in. Un avis d'inclusion dans les archives destinées à l'élaboration du catalogue raisonné d'Henri Martin rédigé par Madame Marie-Anne Destrebecq-Martin en date du 11 avril 2021 sera remis à l'acquéreur. PROVENANCE Vente de la collection de Madame de Prussac, Aixe-sur-Vienne, 1930 Collection privé (acquis lors de la précédente vente) Collection privée, France Puis par descendance HENRI MARTIN Henri Martin fait partie de ces artistes qui ne laissent pas indifférent. Trop académique pour les avant-gardistes et trop innovant pour les plus classiques, l'artiste a laissé à la postérité un corpus des plus intéressants. Toulousain de naissance, il suit un parcours académique à l’Ecole des Beaux-Arts de la Ville rose. Cet apprentissage classique lui permet une reconnaissance officielle, comme en témoigne les nombreuses commandes publiques telle que celle faite par la IIIe République pour orner le plafond d’un salon de l’Hôtel de Ville de Paris incendié par la Commune en 1871. Si l’artiste bénéficie d’une reconnaissance publique grâce à sa maîtrise académique, il n’hésite pourtant pas à éclaircir sa palette et adopter une touche davantage impressionniste dès 1889. Jeune femme laurée au chignon s’inscrit pleinement dans ce renouveau stylistique. Élève studieux et peintre sensible aux différentes variations permises par les expressions humaines, Henri Martin portraiture toute sa famille dès ses plus jeunes années. Cette habitude perdurera tandis que le cadre et la technique évoluent. Ce portrait conserve la frontalité de ses premières représentations mais l’apparition de la touche impressionniste permet un arrière-plan presque abstrait évoquant un jardin printanier. Les empâtements faits de larges aplats juxtaposés s’inscrivent dans une démarche impressionniste loin des principes académiques des débuts. Grâce à une palette nuancée, l’artiste joue avec l’ombre et la lumière. La luminosité du jardin se retrouve sur la carnation de la jeune fille tandis que ses cheveux et sa tenue adoptent une gamme chromatique plus sombre qui fait pourtant écho au bleu et rouge utilisés avec parcimonie dans cet arrière-plan. Cette jeune fille, que l’artiste s’est plu à représenter à diverses reprises, est coiffée d’une couronne de laurier rappelant ainsi que l’artiste s’est essayé un temps au symbolisme. Académique, impressionniste, symboliste, pointilliste, le style d’Henri Martin ne pourrait se résumer à un seul courant. Loin des principes scientifiques, l’artiste suit son instinct et ses œuvres innovent par leurs grandes fraicheurs.

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D'après Pierre-Auguste RENOIR (1841-1919) Profile of Coco, medallion, circa 1907-1908 Bronze medallion with brown patina. Posthumous print 20.5 x 20 x 3 cm 8 x 7 7/8 x 1 1/8 in. PROVENANCE Edouard Jonas Collection (by descent from the previous owner) Private collection, France (gift from the previous owner)

D'après Pierre-Auguste RENOIR (1841-1919) 可可简介，奖章，约1907-1908年。 青铜奖章，有棕色铜锈。 遗书印刷 20.5 x 20 x 3 cm 8 x 7 7/8 x 1 1/8 in. 证据 Edouard Jonas收藏品(由前主人继承) 私人收藏，法国(前主人赠送)

D'après Pierre-Auguste RENOIR (1841-1919)

D'après Pierre-Auguste RENOIR (1841-1919) Profil de Coco, médaillon, circa 1907-1908 Médaillon en bronze à patine brune. Tirage posthume 20.5 x 20 x 3 cm 8 x 7 7/8 x 1 1/8 in. PROVENANCE Collection Edouard Jonas (par descencande du précédent) Collection particulière, France (don du précédent)

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Camille CLAUDEL (1864-1943) Head of an old man without a bust, study for L'Âge mûr, circa 1894-1996 Bronze, signed on the neck lower left, numbered 7/8, marked with the Coubertin foundry stamp and dated on the back of the neck 12 x 10 x 11.5 cm 4 3/4 x 3 7/8 x 4 1/2 in. A certificate of authenticity n° 001892 written by Mrs Reine-Marie Paris, niece of the artist, dated September 15, 1996 will be given to the buyer. The work will be included in the Catalogue critique de l'oeuvre de Camille Claudel currently in preparation at the Galerie Malaquais by the Comité Camille Claudel, under the direction of Eve Turbat, with the number 2021-0318B. PROVENANCE Private collection, Lyon BIBLIOGRAPHY Reine-Marie Paris, Camille Claudel, re-trouvé, new revised and completed edition, Editions Aittouarès, Paris, 2000, quoted p.337 Reine-Marie Paris, Philippe Cressent, Camille Claudel, Catalogue raisonné, 5th revised, corrected and enlarged edition, Culture Economica, Paris, 2019, n°95-3, quoted p. 594 CAMILLE CLAUDEL Long unjustly overshadowed by Auguste Rodin, Camille Claudel nevertheless appears as one of the most talented and daring sculptors of the late 19th century. Strengthened by the precepts taught by her former master Rodin but also avant-garde, her sculpture, initially in the wake of her mentor, later adopted a style at the beginning of Art Nouveau. His Head of an Old Man, Study for the Mature Age illustrates the maturity acquired by the artist. Produced more than a decade after his apprenticeship in Rodin's studio, this work has long been mistakenly considered a reworking of La Belle Heaulmière by the famous master. However, a very personal element can be read in this composition. Indeed, this head of an old man is a study of the head of a man in his mature years. An emblematic sculpture by Claudel, L'Âge mûr is an allegory of the love triangle formed by Camille Claudel, Rodin and Rose Beuret, the sculptor's companion. In the first version of 1895, the man is divided between old age, which supports him, and youth, which holds him by the hand, kneeling. In the second version of 1898, the break between the man and the youth is complete| he has dropped his hand, leaving it imploring. It is precisely from this version that the old man's head comes from. The drawn features, marked by age, Camille Claudel manages to work the bronze with an honest truth. The aging man is no longer sublimated but perceived in his sad reality. This sculpture also evokes destiny, the passing of time in the manner of a memento mori in a still life painting. Initially commissioned by Captain André Tissier in 1902, the rights to the print were then bought by his dealer and founder Eugène Blot in 1907. The eight posthumous bronzes made by the Coubertin foundry have made it possible to disseminate and rehabilitate the talent and personal involvement of Camille Claudel in her work. "Camille Claudel comes to work in bronze with an honest truth. »

Camille CLAUDEL (1864-1943) 一个没有半身像的老人头像，为L'Âge mûr研究，约1894-1996年。 青铜器，颈部左下角有签名，编号7/8，颈部背面有Coubertin铸造厂的印记和年代。 12 x 10 x 11.5厘米 4 3/4 x 3 7/8 x 4 1/2 in. 由艺术家的侄女Reine-Marie Paris女士撰写的日期为1996年9月15日的真品证书（编号001892）将交给买家。 这幅作品将被收录在由Eve Turbat指导的Camille Claudel委员会正在Malaquais画廊编制的《Camille Claudel作品评论目录》中，编号为2021-0318B。 证据 私人收藏，里昂 书目 Reine-Marie Paris, Camille Claudel, re-trouvé, new revised and completed edition, Editions Aittouarès, Paris, 2000, quoted p.337. Reine-Marie Paris, Philippe Cressent, Camille Claudel, Catalogue raisonné, 5th revised, corrected and enlarged edition, Culture Economica, Paris, 2019, n°95-3, quoted p.594. CAMILLE CLAUDEL 长期以来，卡米耶-克劳德尔被奥古斯特-罗丹不公正地掩盖了，但他还是作为19世纪末最有才华和最大胆的雕塑家之一出现。她的雕塑，最初是在她的前辈大师罗丹的教导下加强的，但也是前卫的，她的雕塑，最初是跟随她的导师，后来采用了新艺术初期的风格。他的《老人头》、《熟龄研究》说明了艺术家获得的成熟。这幅作品是在罗丹工作室学徒期后十多年创作的，长期以来被误认为是著名大师对《美丽的海尔米耶》的重新创作。不过，从这篇作文中可以读出很个人的因素。的确，这个老人头是研究一个人成熟期的头颅。L'Âge mûr是Claudel的象征性雕塑，寓意着Camille Claudel、Rodin和Rose Beuret（雕塑家的伴侣）之间的三角恋。在1895年的第一个版本中，这个人分为老年版和青年版，老年版扶着他，青年版扶着他，跪着。在1898年的第二个版本中，男人和青年之间的断裂是彻底的，他已经放下了手，留下了手的暗示。老人头正是来自这个版本。卡米耶-克劳德尔在画中的特征，以年龄为标志，设法用诚实的真相来处理青铜器。衰老的人不再是升华，而是在他悲哀的现实中被感知。这座雕塑也让人联想到命运，时间的流逝，就像一幅静物画中的纪念品一样。这幅画最初是由André Tissier船长在1902年委托创作的，随后在1907年被他的经销商和创始人Eugène Blot买下。库贝尔坦铸造厂制作的8件遗作青铜器，使卡米耶-克劳德尔的才华和亲身参与的作品得以传播和复原。 "卡米尔-克劳德尔带着诚实的真情来到青铜器工作。»

Camille CLAUDEL (1864-1943) Tête de vieil homme sans buste, étude pour l'Âge mûr, circa 1894-1996 Bronze, signé dans le cou en bas à gauche, numéroté 7/8, marqué du cachet du fondeur Coubertin et daté au dos du cou 12 x 10 x 11.5 cm 4 3/4 x 3 7/8 x 4 1/2 in. Un certificat d'authenticité n° 001892 rédigé par Madame Reine-Marie Paris, nièce de l'artiste, en date du 15 septembre 1996 sera remis à l'acquéreur. L'oeuvre sera incluse au Catalogue critique de l'oeuvre de Camille Claudel actuellement en préparation à la Galerie Malaquais par le Comité Camille Claudel, sous la direction d'Eve Turbat, avec le numéro 2021-0318B. PROVENANCE Collection privée, Lyon BIBLIOGRAPHIE Reine-Marie Paris, Camille Claudel, re-trouvé, nouvelle édition revue et complétée, Editions Aittouarès, Paris, 2000, cité p.337 Reine-Marie Paris, Philippe Cressent, Camille Claudel, Catalogue raisonné, 5e édition revue, corrigée et augmentée, Culture Economica, Paris, 2019, n°95-3, cité p. 594 CAMILLE CLAUDEL Longtemps injustement restée dans l'ombre d'Auguste Rodin, Camille Claudel apparait pourtant comme l'une des sculptrices les plus talentueuses et audacieuses de la fin du XIXe siècle. Forte des préceptes enseignés par son ancien maître Rodin mais également avant-gardiste, sa sculpture d'abord dans le sillage de son mentor adopte par la suite un style aux prémices de l'Art Nouveau. Sa tête de vieil homme, étude pour l'Âge mûr illustre la maturité acquise par l'artiste. Réalisée plus d'une décennie après son apprentissage au sein de l'atelier de Rodin, cette œuvre a longtemps été considérée à tort comme une reprise de La Belle Heaulmière du célèbre maître. Pourtant, une part très personnelle peut se lire dans cette composition. En effet, cette tête de vieil homme est une étude de la tête de l'homme dans l'Âge mûr. Sculpture emblématique de Claudel, l'Âge mûr est une allégorie du triangle amoureux formé par Camille Claudel, Rodin et Rose Beuret, la compagne du sculpteur. Dans la première version de 1895, l'homme est partagé entre la vieillesse qui le soutient et la jeunesse qui le retient par la main, agenouillée. Dans la deuxième version de 1898, la rupture entre l'homme et la jeunesse est consommée, il a lâché sa main, la laissant implorante. C'est précisément de cette version dont la tête de vieil homme est issue. Les traits tirés, marqués par l'âge, Camille Claudel parvient à travailler le bronze avec une honnête vérité. L'homme vieillissant n'est plus sublimé mais perçu dans sa triste réalité. Cette sculpture évoque également la destinée, le temps qui passe à la façon d’un memento mori dans une peinture de nature morte. Initialement commandée par le capitaine André Tissier en 1902, les droits de tirage ont ensuite été rachetés par son marchand et fondeur Eugène Blot en 1907. Les 8 bronzes posthumes réalisés par la fonderie Coubertin ont permis de diffuser et réhabiliter le talent ainsi que l'implication personnelle de Camille Claudel dans son œuvre. « Camille Claudel par vient à travailler le bronze avec une honnête vérité. »

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Pierre-Auguste RENOIR (1841-1919) Study for the framing of the portrait of Madame de Galéa, detail of the frieze (Les Narcisses), ca. 1915 Oil on canvas, marked with the Vollard stamp on the back and annotated Renoir 17.5 x 22.5 cm 6 7/8 x 8 7/8 in. The Wildesntein Plattner Insitute, to whom a request for research in the archives was made, confirms having found the image of this work under the reference Etude pour l'encadrement du portrait de Madame de Galéa, détail de frise (Les Narcisses). PROVENANCE Ambroise Vollard (acquired from the artist) Edouard Jonas (by descent from the previous owner) Private collection, France (gift from the previous owner) BIBLIOGRAPHY Ambroise Vollard, Paintings, Pastels and Drawings by Pierre-Auguste Renoir, Alain C. Mazo, Paris, 1918, vol I, n° 615 p. 156, repr. B&W Guy-Patrice and Michel Dauberville, Renoir, Catalogue raisonné des tableaux, pastels, dessins et aquarelles, Bernheim Jeune, Paris, 2014, vol V, no 4059F, p. 252, repr. B&W PIERR E-AUGUSTE RENOIR Having opened his first Paris gallery in 1893, Ambroise Vollard, a visionary art lover and dealer, represented the great figures of Impressionist and avant-garde art. All the famous artists of this period, such as Gauguin, Matisse and Cézanne, and of course Renoir, were the object of his attention. This work comes from the collection of this famous dealer, who was the first to establish proper contracts with artists, guaranteeing them a regular purchase of their works. These two white flowers, narcissi, were part of a study for the frieze framing the portrait of "Madame de Galéa à la méridienne" painted in 1912. This aristocratic art lover was one of the painter's recurrent models from 1912 to 1915, when he was living in Cagnes. This is a very interesting summary of Auguste Renoir's world and his pictorial technique. Indeed, we find in this sample the touch so characteristic of the father of Impressionism, marked by the light, the form absorbed by the color.

Pierre-Auguste RENOIR (1841-1919) 加莱亚夫人肖像的装帧研究，门楣的细节(Les Narcisses)，约1915年。 布面油画，背面有Vollard印章和Renoir注释 17.5 x 22.5厘米 6 7/8 x 8 7/8 in. 向Wildesntein Plattner Insitute提出了档案研究的请求，确认在Etude pour l'encadrement du portrait de Madame de Galéa, détail de frise (Les Narcisses)的参考文献下找到了这件作品的图像。 证据 Ambroise Vollard(从艺术家处获得) Edouard Jonas(根据前主人的血统) 私人收藏，法国(前主人赠送) 书目 Ambroise Vollard, Paintings, Pastels and Drawings by Pierre-Auguste Renoir, Alain C. Mazo, Paris, 1918, vol I, n° 615 p. 156, reprpr.B&W Guy-Patrice and Michel Dauberville, Renoir, Catalogue raisonné des tableaux, pastels, dessins et aquarelles, Bernheim Jeune, Paris, 2014, vol V, no 4059F, p. 252, repr.B&W PIERR E-AUGUSTE RENOIR Ambroise Vollard于1893年在巴黎开设了他的第一家画廊，他是一位有远见的艺术爱好者和经销商，代表着印象派和前卫艺术的伟大人物。这一时期所有的名家，如高更、马蒂斯、塞尚等，当然还有雷诺阿，都是他关注的对象。这件作品来自这位著名的经销商的收藏，他是第一个与艺术家建立适当合同的人，保证他们定期购买他们的作品。这两朵白色的花，水仙花，是为1912年绘制的"Méridienne的Galéa夫人"肖像画框研究的一部分。这位贵族式的艺术爱好者是画家在1912年至1915年期间经常出现的模特之一，当时他住在卡涅。这是对奥古斯特-雷诺阿的世界和他的绘画技巧的一个非常有趣的总结。事实上，我们在这幅作品中发现了印象派之父所特有的触感，其特点是光，形式被色彩所吸收。

Pierre-Auguste RENOIR (1841-1919)

Pierre-Auguste RENOIR (1841-1919) Etude pour l'encadrement du portrait de Madame de Galéa,détail de frise (Les Narcisses), vers 1915 Huile sur toile, marquée du cachet Vollard au dos et annotée Renoir Oil on canvas, stamped Vollard and inscribed Renoir on reverse 17,5 x 22,5 cm 6 7/8 x 8 7/8 in. Le Wildesntein Plattner Insitute auprès de qui une demande de recherche dans les archives a été faite, confirme avoir retrouvé l'image de cette oeuvre sous la référence Etude pour l'encadrement du portrait de Madame de Galéa, détail de frise (Les Narcisses). PROVENANCE Ambroise Vollard (acquis auprès de l'artiste) Edouard Jonas (par descencande du précédent) Collection particulière, France (don du précédent) BIBLIOGRAPHIE Ambroise Vollard, Tableaux, pastels et dessins de Pierre-Auguste Renoir, Alain C. Mazo, Paris, 1918, vol I,n° 615 p. 156, repr. N&B Guy-Patrice et Michel Dauberville, Renoir, Catalogue raisonné des tableaux, pastels, dessins et aquarelles, Bernheim Jeune, Paris, 14, vol V, n° 4059F, p. 252, repr. N&B PIERRE-AUGUSTE RENOIR  Ayant ouvert sa première galerie parisienne en 1893, Ambroise Vollard, amateur et marchand d’art visionnaire représente les grandes figures de l’art impressionniste et des avant-gardes. Tous les artistes notoires de cette période comme Gauguin, Matisse ou Cézanne, et bien sûr Renoir, ont fait l’objet de son attention. Cette œuvre provient de la collection de ce célèbre marchand, qui a été le premier à établir des contrats en règle avec les artistes en leur garantissant un achat régulier de leurs œuvres. Ces deux fleurs blanches, des narcisses, faisaient partie d’une étude pour la frise encadrant le portrait de « Madame de Galéa à la méridienne » peint en 1912. Cette aristocrate passionnée d’art a été l’un des modèles récurrents du peintre dans les années 1912 à 1915, alors qu’il était installé à Cagnes. Il s’agit d’un très intéressant condensé de l’univers d’Auguste Renoir e

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Albert Marquet (1875-1947) Mustapha Superior, 1924 Oil on canvas mounted on cardboard, signed lower right 32.5 x 40.5 cm 12 3/4 x 16 in. A certificate written by Marcelle Marquet dated 13 January 1968 will be given to the buyer. PROVENANCE Galerie Druet (acquired from the artist on 24 June 1924) René Dreyfus, 7 March 1924 (acquired from the previous owner) Galerie Druet, October 10, 1930 Private collection, Ile-de-France BIBLIOGRAPHY Jean-Claude Martinet & Guy Wildenstein, Marquet, L'Afrique du Nord, Catalogue de l'oeuvre peint, Skira Seuil, Wildenstein Institute, Paris, 2001, n° I-88, p.132 ALBERT MARQUET Born in 1875 in Bordeaux, Albert Marquet was a French painter from a modest family. He was attracted to drawing from an early age, and entered the Ecole Nationale des Arts Décoratifs in Paris in 1892. It was there that he met Henri Matisse, who took him under his wing and with whom he became friends. Shortly afterwards, the two artists returned to the Beaux-arts in Paris and frequented Gustave Moreau's studio. Gustave Moreau encouraged him to visit museums to learn how to observe and copy the old masters. In this establishment, he met the artists Charles Camoin and Henri Manguin who remained his companions throughout his life. His classical training did not exclude a keen interest in the Impressionists. Their way of representing and studying landscapes or treating light fascinated and inspired him deeply. Throughout his career, the study of landscapes remained his favourite subject, however, he distanced himself from the artistic techniques of the latter. The 1905 Salon d'Automne was a turning point in his career, where he exhibited with the group of artists that would soon be called the "Fauvists", led by Matisse. An independent and creative artist, he gradually moved away from them to build his own style. From Fauvism, he kept the pure colours, the simplified forms and the synthesis of the composition. Other influences also came to build the painter's singular artistic identity, such as Japonism, or even Symbolism. Marquet is attached to represent the essential, he seeks the harmony of the perfect balance. During his career, the painter made many trips. Algiers, Normandy, Norway... so many destinations which formed the eye of Marquet. This one is attached to represent the landscapes which he crossed. His talent is definitely recognized. He knew a certain success during his life, and exhibited in several places in Europe and outside. The artist died in 1947 in Paris. Mustapha Supérieur is characteristic of Marquet's work. Evoking the mildness of the Mediterranean climate in winter, the artist puts on canvas his particular sensitivity for a country in which he chose to spend his winters. The broad flat tints and simplification of the forms bring a quietude characteristic of Marquet's work. The bird's eye view of the village, which is now a district of Algiers, offers a remarkable glimpse of the immensity of the bay and the sea merging with the sky. The fauvist heritage is found sparingly in a skillfully contrasted palette. The green tones are juxtaposed with the softness of the ochre roofs. This vision of tranquillity evokes the famous lines of the poet Charles Baudelaire: "There, all is order and beauty, luxury, calm and pleasure". "There, all is order and beauty, luxury, calm and pleasure Charles Baudelaire

Albert Marquet (1875-1947) Mustapha Superior，1924年 油画，装在纸板上，右下方有签名 32.5 x 40.5厘米 12 3/4 x 16 in. 将向买方提供Marcelle Marquet写的日期为1968年1月13日的证明。 证据 德鲁埃画廊(1924年6月24日从艺术家手中购得) 勒内-德雷福斯，1924年3月7日(从前主人那里获得) Druet画廊，1930年10月10日。 私人收藏，法兰西岛 书目 Jean-Claude Martinet & Guy Wildenstein, Marquet, L'Afrique du Nord, Catalogue de l'oeuvre peint, Skira Seuil, Wildenstein Institute, Paris, 2001, n° I-88, p.132。 ALBERT MARQUET 阿尔伯特-马奎1875年出生于波尔多，是一位出身于小康家庭的法国画家。他从小就被绘画所吸引，1892年进入巴黎国立装饰艺术学院学习。正是在那里，他遇到了亨利-马蒂斯，马蒂斯将他收归麾下，并与他成为朋友。此后不久，两位艺术家回到巴黎的美术学院，经常光顾古斯塔夫-莫罗的工作室。古斯塔夫-莫罗鼓励他参观博物馆，学习如何观察和复制老大师。在这里，他认识了艺术家Charles Camoin和Henri Manguin，他们是他一生的伴侣。他的古典训练不排除对印象派的浓厚兴趣。他们表现和研究风景或处理光线的方式深深地吸引和启发了他。在他的职业生涯中，风景的研究仍然是他最喜欢的主题，然而，他与后者的艺术技巧保持距离。1905年的"自动沙龙"是他职业生涯的一个转折点，在那里，他与以马蒂斯为首的一批不久后被称为"野兽派"的艺术家一起参展。作为一个独立创作的艺术家，他逐渐远离他们，建立自己的风格。从浮华主义开始，他就保持了纯正的色彩、简化的形式和综合的构图。其他的影响也来构建画家独特的艺术特征，如日本主义，甚至象征主义。Marquet是附着在代表本质，他追求的是完美平衡的和谐。在他的职业生涯中，画家曾多次出访。阿尔及尔、诺曼底、挪威......这么多的目的地形成了马奎的眼球。这个是附加的，代表他穿越的风景。他的才华绝对是被认可的。他生前知道有一定的成功，在欧洲和国外的一些地方展出。1947年，艺术家在巴黎去世。Mustapha Supérieur是Marquet作品的特色。唤起冬季地中海气候的温和，艺术家将他对这个国家的特殊敏感度表现在画布上，他选择在这里过冬。宽阔的平面色调和简化的形式带来了马奎作品特有的安静。鸟瞰现在已成为阿尔及尔的一个区的村庄，可以看到海湾的浩瀚和海天相接的壮观景象。在巧妙对比的调色板中，浮夸主义的遗产被稀疏地发现。绿色的色调与赭石屋顶的柔和并列。这种宁静的愿景让人想起诗人查尔斯-波德莱尔的名句："在那里，一切都有秩序和美感，奢华、平静和愉悦"。 "在那里，所有的一切都是秩序和美丽，豪华，平静和快乐 查尔斯-波德莱尔

Albert Marquet (1875-1947)

Albert Marquet (1875-1947) Mustapha Supérieur, 1924 Huile sur toile marouflée sur carton, signée en bas à droite 32.5 x 40.5 cm 12 3/4 x 16 in. Un certificat rédigé par Marcelle Marquet en date du 13 janvier 1968 sera remis à l'acquéreur. PROVENANCE Galerie Druet (acquis auprès de l'artiste le 24 juin 1924) René Dreyfus, le 7 mars 1924 (acquis auprès du précédent) Galerie Druet, le 10 octobre 1930 Collection privée, Ile-de-France BIBLIOGRAPHIE Jean-Claude Martinet & Guy Wildenstein, Marquet, L'Afrique du Nord, Catalogue de l'oeuvre peint, Skira Seuil, Wildenstein Institute, Paris, 2001, n° I-88, p.132 ALBERT MARQUET Issu d’une famille modeste, Albert Marquet est un peintre français né en 1875 à Bordeaux. Il est attiré dès son plus jeune âge par le dessin, et entre à l’Ecole nationale des arts décoratifs de Paris à partir de 1892. C’est là qu’il rencontre Henri Matisse, qui le prend sous son aile et avec qui il se lie d’amitié. Peu de temps après, les deux artistes rentrent aux Beaux-arts de Paris et fréquentent alors l’atelier de Gustave Moreau. Ce dernier le pousse à fréquenter les musées afin d’apprendre à observer et copier les maîtres anciens. Dans cet établissement, il rencontra les artistes Charles Camoin et Henri Manguin qui restèrent ses compagnons tout au long de sa vie. Sa formation classique n’exclut pas un intérêt vif pour les Impressionnistes. Leur façon de représenter et d’étudier les paysages ou de traiter la lumière le fascine et l’inspire profondément. Toute sa carrière, l’étude de paysages reste son sujet de prédilection, cependant, il s’éloigne des techniques artistiques de ces derniers. Le Salon d’Automne de 1905 est un tournant dans sa carrière, il y expose avec le groupe d’artistes qui sera bientôt appelé les « fauves » dont Matisse est le chef de file. Artiste indépendant et créatif, il s’en éloigne peu à peu pour construire son propre style. Du fauvisme, il gardera les couleurs pures, les formes simplifiées, et la synthétisation de la composition. D’autres influences viennent également construire la singulière identité artistique du peintre, comme le japonisme, ou encore le symbolisme. Marquet est attaché à représenter l’essentiel, il recherche l’harmonie de l’équilibre parfait. Au cours de sa carrière, le peintre a effectué de nombreux voyages. Alger, Normandie, Norvège… autant de destinations qui ont formées l’œil de Marquet. Celui-ci s’attache à représenter les paysages qu’il a traversés. Son talent est définitivement reconnu. Il connaît un succès certain au cours de sa vie, et expose à plusieurs endroits en Europe et en dehors. L’artiste décède en 1947 à Paris. Mustapha Supérieur est caractéristique de l’œuvre de Marquet. Évoquant la douceur du climat méditerranéen en hiver, l’artiste couche sur la toile sa sensibilité particulière pour un pays dans lequel il choisit de passer ses hivers. Les larges aplats et la simplification des formes permettent d’apporter une quiétude caractéristique des œuvres de Marquet. La vue en plongée du village, qui est aujourd’hui un quartier d’Alger, offre un aperçu remarquable sur l’immensité de la baie et de la mer se confondant avec le ciel. L’héritage fauve se retrouve avec parcimonie dans une palette habilement contrastée. Les tonalités vertes viennent se juxtaposer avec la douceur des toits ocres. Cette vision de quiétude évoque les célèbres vers du poète Charles Baudelaire : « Là, tout n’est qu’ordre et beauté, luxe, calme et volupté ». « Là, tout n’est qu’ordre et beauté, luxe, calme et volupté »  Charles Baudelaire

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MOÏSE KISLING (1891-1953) Didi, 1936 Oil on canvas, signed lower left and titled on the back 33 x 24 cm 13 x 9 7/16 in. PROVENANCE Private collection, Paris BIBLIOGRAPHY Henri Troyat & Jean Kisling, Kisling 1891-1953, Jean Kisling, Turin, 1982, tome II, n° 77, p.311 "Kisling borrows his serpentine line made of uninterrupted curves from the Italian Mannerists, while the graceful, long neck is not without evoking an Ingresque odalisque. »

MOÏSE KISLING (1891-1953) Didi，1936年 布面油画，左下角有签名，背面有题款。 33 x 24厘米 13 x 9 7/16 in. 证据 私人收藏，巴黎 书目 Henri Troyat & Jean Kisling, Kisling 1891-1953, Jean Kisling, Turin, 1982, tome II, n° 77, p.311。 "Kisling从意大利曼纳主义者那里借鉴了他由不间断的曲线构成的蛇形线条，而优雅的长颈则不免让人联想到Ingresque的odalisque。»

MOÏSE KISLING (1891-1953)

MOÏSE KISLING (1891-1953) Didi, 1936 Huile sur toile, signée en bas à gauche et titrée au dos 33 x 24 cm 13 x 9 7/16 in. PROVENANCE Collection privée, Paris BIBLIOGRAPHIE Henri Troyat & Jean Kisling, Kisling 1891-1953, Jean Kisling, Turin, 1982, tome II, n° 77, p.311 « Kisling emprunte aux maniéristes italiens sa ligne serpentine faite de courbes ininterrompues tandis que le cou gracile et longiligne n’est pas sans évoquer une odalisque ingresque. »

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Pierre-Auguste RENOIR (1841-1919) Landscape Oil on canvas mounted on cardboard, monogrammed lower right 11 x 10 cm at sight 4 5/16 x 3 15/16 in. This work will be included in the Digital Catalogue Raisonné Pierre-Auguste Renoir in preparation under the auspices of the Wildenstein Plattner Institute, Inc. PROVENANCE Bought at the beginning of the 20th century by Mr. Louis Bernard, friend of Caillebotte, collector and art lover Then by descent to the present owner, private collection, Paris EXHIBITION Galerie Paul Ambroise, circa 1975-1976, Paris

Pierre-Auguste RENOIR (1841-1919) 景观 布面油画，装在纸板上，右下角有字母图案 11x10厘米（见图） 4 5/16 x 3 15/16 in. 该作品将被收录到由维尔登斯泰因-普拉特纳研究所主持编写的《皮埃尔-奥古斯特-雷诺阿数字目录》中。 证据 20世纪初由凯勒博特的朋友、收藏家和艺术爱好者路易-贝尔纳先生买下。 然后由现在的主人，私人收藏，巴黎。 展览 保罗-安布罗斯画廊，约1975-1976年，巴黎。

Auguste RENOIR (1841-1919)

Auguste RENOIR (1841-1919) Paysage Huile sur toile marouflée sur carton, monogrammée en bas à droite 11 x 10 cm à vue - 4 5/16 x 3 15/16 in. Cette oeuvre sera inclus dans le Digital Catalogue Raisonné Pierre-Auguste Renoir en préparation sous l'égide du Wildenstein Plattner Institute, Inc. PROVENANCE Acheté au début du XXe siècle par Louis Bernard, ami de Caillebotte, collectionneur et amateur d'art Puis par descendance au propriétaire actuel, collection privée, Paris EXPOSITION Galerie Paul Ambroise, vers 1975/1976, Paris Le petit format que nous présentons est un très intéressant condensé de l'univers de Renoir et sa technique picturale. Il s'agit d'un fragment provenant d'une toile d'un plus grand format. On y retrouve la touche si caractéristique de l'artiste, dans cet échantillon marqué par l'observation particulière de la lumière, la forme absorbée par la couleur, les touches grasses... Il est possible de reconnaître dans ce tableau la manière de peindre sur le vif des impressionnistes que l'on repère grâce à la réserve, c'est-à-dire la toile laissée telle qu'elle et non colorée. La magie opère et le spectateur pénètre dans l'univers de l'artiste et son inspiration du moment. Ce fragment de paysage vibrant est un parfait exemple du génie de Renoir, où des couleurs vives et un pinceau libre créent une image viscérale de la nature. Toute sa peinture est un exercice d'équilibre| pour chaque touche de couleur vive, l'artiste laisse la toile nue ou un aplat sommaire, pour chaque jaune, rougeoyant sous le soleil du Sud, Renoir peint son pendant dans un trait de violet. Chacune de ces oppositions aboutit à un paysage dans son ensemble, plein de vitalité. C'est cette vitalité que Vincent van Gogh avait tant admirée dans le travail de Renoir. Dans une lettre adressée à son frère Théo en 1885, il avait déclaré que Renoir lui avait rappelé qu'il "y a de la vie dans chaque trait de crayon". Par ailleurs les subtiles variations et superpo

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Henri MANGUIN (1874-1949) Springtime at the Reinerie, 1944 Oil on canvas, signed lower right 50.5 x 61 cm 19 7/8 x 24 in. PROVENANCE Allard, Paris (acquired from the artist in 1945) Private collection, Paris BIBLIOGRAPHY Lucile and Claude Manguin, Henri Manguin, Catalogue raisonné de l'oeuvre peint, Ides et Calendes, Neuchâtel, Switzerland, 1980, n°1223, p. 377 HENRI MANGUIN "Father Manguin" as his faithful friends Matisse and Marquet called him, Henri Manguin was one of the early Fauves. Trained in Gustave Moreau's studio at the École des Beaux-Arts in Paris, he perfected his technique by copying the Old Masters. Moreau's free and open teaching enabled him to distinguish himself very quickly at the famous Salon d'Automne of 1905. Manguin exhibited five works in the famous Room VII, which the critic Louis Vauxcelles described as the "cage of fauvists", heralding a new movement: Fauvism. Throughout his life, Manguin explored the two subjects that fascinated him most of all: his wife and nature. If at the beginning of the century, his technique was made of large flat tones with very coloured tones, the artist refined and specified his touch over the years. A colorist at heart, rarely mixing tones before applying them, Manguin's palette is lively and joyful. Yellows, greens, violets, oranges dance on the canvas and bring a cheerfulness that few artists manage to retranscribe. Colour remains the subject of his works. In the constant search for harmony, light is the foundation. This particular luminosity, that of the sun of the sun, of the soft heat is emblematic of the landscape paintings of the artist. Spring at the Reinerie, painted in 1944, bears witness to the maturity acquired by the artist. The Fauvist period of 1905 has been abandoned in order to retain only the essential: the colour, the light, the harmony but also the spring beauty of this landscape. La Reinerie, his daughter Lucile's property in the Vallée de Chevreuse, embodies the family happiness of Manguin, a proud family man. The harmoniously constructed palette offers a wide range of colours: mauve, sky blue, chick yellow, ochre, fir green. Thanks to a skilfully mastered technique, a happy eye but also a spontaneous touch, Manguin offers a moment of happiness, of joy far from the tumult of the War marking this year 1944.

Henri MANGUIN (1874-1949) 1944年，莱纳河畔的春天 油画，右下角有签名 50.5 x 61厘米 19 7/8 x 24 in. 证据 阿拉尔，巴黎（1945年从艺术家处购得。 私人收藏，巴黎 书目 Lucile and Claude Manguin, Henri Manguin, Catalogue raisonné de l'oeuvre peint, Ides et Calendes, Neuchâtel, Switzerland, 1980, n°1223, p. 377。 HENRI MANGUIN 亨利-曼更（Henri Manguin）被他的忠实朋友马蒂斯（Matisse）和马尔凯（Marquet）称为"曼更神父"，他是早期的浮士德画家之一。他在巴黎美术学院的古斯塔夫-莫罗工作室受训，通过临摹古代大师的作品，完善了他的技术。莫罗自由开放的教学使他在1905年著名的汽车沙龙上迅速脱颖而出。曼更在著名的"七号厅"展出了五件作品，评论家路易-沃克塞尔将其称为"野兽派的笼子"，预示着一场新的运动：野兽主义。 在他的一生中，曼更探索了最令他着迷的两个主题：他的妻子和大自然。如果说在本世纪初，他的技法是由大面积的平调与非常色的色调组成，那么多年来，艺术家对他的触觉进行了完善和具体化。Manguin是一位内心的色彩主义者，很少在涂抹之前混合色调，他的调色板是活泼而快乐的。黄色、绿色、紫罗兰、橙色在画布上翩翩起舞，带来了很少有艺术家能够重新演绎的欢快感。色彩仍然是他作品的主题。在不断追求和谐的过程中，光是基础。这种特殊的光度，即太阳的光度。 阳光、柔和的热度是艺术家山水画的象征。 1944年创作的《莱茵河的春天》见证了艺术家的成熟。摒弃了1905年的浮华主义时期，只保留了本质：色彩、光影、和谐，但也保留了这一景观的春色。La Reinerie是他女儿Lucile在Vallée de Chevreuse的房产，体现了Manguin这个骄傲的家庭幸福。和谐的调色板提供了多种颜色：淡紫色、天蓝色、鸡黄色、赭石色、杉绿色。凭借娴熟的技术、快乐的眼神和自然的触感，Manguin提供了一个幸福的时刻，一个远离1944年战争喧嚣的快乐时刻。

Henri MANGUIN (1874-1949)

Henri MANGUIN (1874-1949) Le printemps à la Reinerie, 1944 Huile sur toile, signée en bas à droite 50.5 x 61 cm 19 7/8 x 24 in. PROVENANCE Allard, Paris (acquis auprès de l'artiste en 1945) Collection privée, Paris BIBLIOGRAPHIE Lucile et Claude Manguin, Henri Manguin, Catalogue raisonné de l'oeuvre peint, Ides et Calendes, Neuchâtel, Suisse, 1980, n°1223, p. 377 HENRI MANGUIN « Père Manguin » comme le surnommaient ses fidèles amis Matisse et Marquet, Henri Manguin fait partie des Fauves de la première heure. Formé à l’atelier de Gustave Moreau au sein de l’École des Beaux-Arts de Paris, il perfectionne sa technique à travers la copie des maîtres anciens. L’enseignement libre et ouvert de Moreau lui permet très vite de se distinguer au célèbre Salon d’Automne de 1905. Manguin expose cinq oeuvres dans la fameuse salle VII que le critique Louis Vauxcelles décrira de « cage aux fauves » annonçant un nouveau mouvement : le fauvisme. Toute sa vie, Manguin explore les deux sujets qui le passionnent plus que tout : son épouse et la nature. Si au début du siècle, sa technique est faite de larges aplats aux tonalités très colorées, l’artiste affine et précise sa touche au fil des années. Coloriste dans l’âme, mélangeant rarement les tonalités avant leur application, la palette de Manguin est vive, joyeuse. Les jaunes, les verts, les violets, les oranges dansent sur la toile et apportent une allégresse que peu d’artistes parviennent à retranscrire. La couleur reste le sujet de ses oeuvres. À la recherche constante d’harmonie, la lumière s’érige quant à elle comme un fondement. Cette luminosité si particulière, celle du soleil, de la douce chaleur est emblématique des peintures de paysages de l’artiste. Le printemps à la Reinerie réalisé en 1944 témoigne de la maturité acquise par l’artiste. La période fauve des années 1905 a été délaissée pour ne retenir que l’essentiel : la couleur, la lumière, l’harmonie mais aussi la beauté printanière de ce paysage. La Reinerie, propriété de sa fille Lucile située dans la Vallée de Chevreuse incarne le bonheur familial de Manguin, fier homme de famille. La palette construite harmonieusement offre un large éventail de couleurs : mauve, bleu ciel, jaune poussin, ocre, vert sapin. Grâce à une technique savamment maîtrisée, un oeil heureux mais aussi une touche spontanée, Manguin offre un moment de bonheur, de joie loin des tumultes de la Guerre marquant cette année 1944.

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Albert Marie LEBOURG (1849-1928) The road to Clères Oil on canvas, signed and located lower right 50.5 x 73 cm 19 7/8 x 28 3/4 in. Mr François Lespinasse has kindly confirmed the authenticity of this work. PROVENANCE M. Baudry Collection Private collection, Paris

Albert Marie LEBOURG (1849-1928) 通往Clères的道路 油画，签名，位于右下方 50.5 x 73厘米 19 7/8 x 28 3/4 in. 弗朗索瓦-莱斯皮纳斯先生已确认该作品的真实性。 证据 M. Baudry系列 私人收藏，巴黎

Albert Marie LEBOURG (1849-1928)

Albert Marie LEBOURG (1849-1928) Le chemin à Clères Huile sur toile, signée et située en bas à droite 50.5 x 73 cm 19 7/8 x 28 3/4 in. Monsieur François Lespinasse a aimablement confirmé l'authenticité de cette oeuvre. PROVENANCE Collection M. Baudry Collection privée, Paris

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Charles CAMOIN (1879-1965) Bouquet of flowers in a vase Oil on canvas, signed lower left 73 x 60 cm 28 3/4 x 23 5/8 in. The authenticity of this painting has been confirmed by Madame Anne-Marie Grammont-Camoin, and it will be included in the catalogue raisonné of Charles Camoin currently being prepared by the Camoin Archives. A certificate of authenticity can be issued on request. PROVENANCE Former Gustave Geffroy collection

Charles CAMOIN (1879-1965) 花束在一个花瓶中的花 油画，左下角有签名 73 x 60厘米 28 3/4 x 23 5/8 in. 这幅画的真实性已经得到了安妮-玛丽-格拉蒙-卡莫安夫人的确认，它将被列入卡莫安档案馆正在编制的《夏尔-卡莫安画册》中。可应要求出具真实性证明。 证据 前古斯塔夫-格夫罗伊系列

Charles CAMOIN (1879-1965)

Charles CAMOIN (1879-1965) Bouquet de fleurs dans un vase Huile sur toile, signée en bas à gauche 73 x 60 cm 28 3/4 x 23 5/8 in. L'authenticité de ce tableau a été confirmée par Madame Anne-Marie Grammont-Camoin, lequel sera inclus dans le catalogue raisonné de Charles Camoin actuellement en préparation par les Archives Camoin. Un certificat d'authenticité pourra être délivré sur demande. PROVENANCE Ancienne collection Gustave Geffroy

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Pierre-Eugène MONTÉZIN (1874-1946) Undergrowth in Autumn Oil on canvas, signed lower right 60,5 x 73 cm 23 7/8 x 28 3/4 in. We thank Mr Cyril Klein- Montezin who kindly confirmed the authenticity of this work.

Pierre-Eugène MONTÉZIN (1874-1946) 秋天的灌木丛 油画，右下角有签名 60.5 x 73厘米 23 7/8 x 28 3/4 in. 我们感谢Cyril Klein-Montezin先生，他友好地确认了这件作品的真实性。

Pierre-Eugène MONTÉZIN (1874-1946)

Pierre-Eugène MONTÉZIN (1874-1946) Sous-bois à l'automne Huile sur toile, signée en bas à droite 60,5 x 73 cm 23 7/8 x 28 3/4 in. Nous remercions Monsieur Cyril Klein- Montezin qui a aimablement confirmé l'authenticité de cette oeuvre.

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Pierre-Eugène MONTÉZIN (1874-1946) Saint Mammès under the rain Oil on canvas, signed lower left, titled on the back 73 x 91 cm 28 3/4 x 35 7/8 in. We thank Mr Cyril Klein- Montezin who kindly confirmed the authenticity of this work. PROVENANCE Private collection, Paris

Pierre-Eugène MONTÉZIN (1874-1946) 雨中的圣马梅斯 布面油画，左下角有签名，背面有题款。 73 x 91厘米 28 3/4 x 35 7/8 in. 我们感谢Cyril Klein-Montezin先生，他友好地确认了这件作品的真实性。 证据 私人收藏，巴黎

Pierre Eugène MONTEZIN (1874-1946) Saint Mammès sous la pluie Huile sur toile, signée en bas à gauche, titrée au dos Oil on canvas, signed lower left, titled on the back 73 x 91 cm 28 3/4 x 35 7/8 in. Nous remercions Monsieur Cyril Klein- Montezin qui a aimablement confirmé l'authenticité de cette oeuvre. PROVENANCE Collection particulière, Paris

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Emile Othon Friesz (1879-1949) The Faron, the hills, 1924 Oil on canvas, signed and dated lower left 65 x 81,5 cm 25 1/2 x 32 in. PROVENANCE Private collection (acquired from the artist in 1924) Maxwell Gallery LTD, San Francisco Appay - Gairoard - Besch sale, Cannes, August 1990 Private collection, Paris

Emile Othon Friesz (1879-1949) 1924年，山丘上的法隆号。 油画，左下角有签名和年代 65 x 81,5 cm 25 1/2 x 32 in. 证据 私人收藏(1924年从艺术家那里获得) 麦斯威尔画廊有限公司，旧金山 阿贝--Gairoard--Besch拍卖会，戛纳，1990年8月。 私人收藏，巴黎

Emile Othon Friesz (1879-1949)

Emile Othon Friesz (1879-1949) Le Faron, les collines, 1924 Huile sur toile, signée et datée en bas à gauche Oil on canvas, signed and dated lower left x 81,5 cm 25 1/2 x 32 in. PROVENANCE Collection privée (acquis auprès de l'artiste en 1924) Maxwell Gallery LTD, San Francisco Vente Appay - Gairoard - Besch, Cannes, août 1990 Collection particulière, Paris EMILE OTHON FRIEZ  Othon Friesz, né en février 1879, est un artiste français impor - tant de la période Fauve. Il a étudié à l’Ecole Municipale des beaux-arts du Havre, puis à l’ École des Beaux-Arts de Paris. En 1905, il expose certaines de ses toiles au Salon d’Automne et fait évoluer sa technique avec des couleurs plus fortes et des coups de pinceau plus larges. Paysage à Toulon et Le Faron, les collines, peints tous deux en 1924, sont très représentatifs de l’œuvre d’Othon Friesz. Sa pein - ture est marquée, nourrie, par le Fauvisme et le Cubisme mais aussi par l’Impressionnisme. Il est inspiré par la simplification des formes, la saturation de la palette et surtout la peinture sur le motif. Et principalement, la thématique même de la nature qui l’entoure. En mêlant ces inspirations et n’en retenant que ce qui l’intéresse, Othon Friesz crée un vrai « type » de paysage mêlant rêve et naturalisme.

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Maxime MAUFRA (1861-1918) The entrance of the village Charcoal and watercolour, signed lower right 24 x 19,5 cm 9 1/2 x 7 1/2 in. PROVENANCE Private collection, France

Maxime MAUFRA (1861-1918) 村口 炭笔和水彩画，右下角有签名。 24x19.5厘米 9 1/2 x 7 1/2 in. 证据 私人收藏，法国

Maxime MAUFRA (1861-1918)

Maxime MAUFRA (1861-1918) L'entrée du village Fusain et aquarelle, signé en bas à droite Charcoal and watercolor, signed lower right 24 x 19,5 cm 9 1/2 x 7 1/2 in. PROVENANCE Collection particulière, France 3

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Edouard VERSCHAFFELT (1874-1955) The Banquet of the Ancient Gods Oil on canvas, signed lower right 94 x 115 cm 37 x 45 5/16 in. PROVENANCE Private collection, Paris

Edouard VERSCHAFFELT (1874-1955) 古神之宴 油画，右下角有签名 94 x 115厘米 37 x 45 5/16 in. 证据 私人收藏，巴黎

Emile Othon Friesz (1879-1949) Paysage à Toulon, 1924 Huile sur toile, signée et datée en bas à droite Oil on canvas, signed and dated lower right 51 x 62 cm 20 x 24 1/2 in. PROVENANCE Galerie A. Gattlen, Lausanne Collection particulière, Paris

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Pierre BONNARD (1867-1947) Head of a Young Girl Charcoal on paper, stamped lower right 24 x 15,5 cm 9 1/2 x 6 in. Guy-Patrice and Floriane Dauberville have confirmed the authenticity of this work, it will be included in their archives. PROVENANCE Estate of Pierre Bonnard Galerie Jan Krugier, Geneva Galerie Claude Bernard, Paris Gallery Claude Bernard Inc, New York B. C. Holland Inc, Chicago Private collection, France

Pierre BONNARD (1867-1947) 一个年轻女孩的头 纸本炭笔，右下角有印记。 24 x 15,5 cm 9 1/2 x 6 in. Guy-Patrice和Floriane Dauberville已经确认了这幅作品的真实性，它将被纳入他们的档案。 证据 Pierre Bonnard的遗产 Galerie Jan Krugier，日内瓦 Galerie Claude Bernard，巴黎 画廊Claude Bernard Inc，纽约 B.C.Holland Inc，芝加哥 私人收藏，法国

Pierre BONNARD (1867-1947)

Pierre BONNARD (1867-1947) Tête de jeune fille Fusain sur papier, porte un cachet en bas à droite Charcoal on paper, stamped lower right 24 x 15,5 cm 9 1/2 x 6 in. Guy-Patrice et Floriane Dauberville ont confirmé l'authenticité de cette oeuvre, celle-ci sera incluse dans leurs archives. PROVENANCE Succession Pierre Bonnard Galerie Jan Krugier, Genève Galerie Claude Bernard, Paris Gallery Claude Bernard Inc., New York B. C. Holland Inc., Chicago Collection particulière, France

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Charles ARTUS (1897-1978) The peregrine falcon Bronze with golden patina, signed on the side of the terrace. Cast by Valsuani 28 x 10.5 x 28 cm 11 x 4 1/8 x 11 in. PROVENANCE Private collection, Paris CHARLES ARTUS Norman sculptor, Charles Artus, a pupil of Navellier, had a classical but experienced artistic career. He made his debut at the Salon des Artistes Français in 1920 and was exhibited there regularly until 1927. His talent was recognized in 1922 with an honorable mention and rewarded with a bronze medal in 1926, allowing him to become a perpetual member. A talented animal sculptor, his works were presented at various events such as the Salon des Indépendants in 1931 and 1932 and at the Société Nationale des Beaux-Arts in 1941. Today, his work can be admired in many museums in France such as the Museum of Modern Art in Paris. If his work can undeniably be compared to that of his disciple Pompon, Artus' sculpture is distinguished by a particularly authentic rendering of reality. This peregrine falcon stares at the viewer. Firmly anchored in its base with its agile legs, it seems ready to fly away. The smooth surface obtained thanks to the roundness of the modelling allows this bird to come to life. The delicate golden patina adds subtle light reflections to this bronze sculpture, making it a real jewel.

Charles ARTUS (1897-1978) 游隼 青铜器，有金色的铜锈，署名在露台的一侧。演员：Valsuani 28 x 10.5 x 28 cm 11 x 4 1/8 x 11 in. 证据 私人收藏，巴黎 CHARLES ARTUS 诺曼底雕塑家查尔斯-阿尔图斯是纳维利埃的学生，他的艺术生涯虽然古典但经验丰富。1920年，他在法国艺术家沙龙首次亮相，并定期在那里展出，直到1927年。他的才华在1922年得到了认可，获得了荣誉称号，并在1926年获得了铜牌奖励，使他成为永久会员。他是一位才华横溢的动物雕塑家，他的作品曾在1931年和1932年的独立沙龙以及1941年的国家美术协会等各种活动中展出。如今，他的作品在法国的许多博物馆都可以欣赏到，比如巴黎现代艺术博物馆。 如果说他的作品可以无可否认地与他的弟子庞庞相提并论的话，那么阿尔图斯的雕塑则以对现实的特别真实的渲染而著称。这只游隼盯着观众看。它用灵活的双腿牢牢地固定在基地里，似乎随时可以飞走。由于造型的圆润而获得的光滑表面，使得这只鸟儿栩栩如生。精致的金色铜锈为这座青铜雕塑增添了微妙的光线反射，使其成为真正的珠宝。

Charles ARTUS (1897-1978)

Charles ARTUS (1897-1978) Le faucon pélerin Bronze à patine dorée, signé sur le côté de la terrasse. Fonte Valsuani 28 x 10.5 x 28 cm 11 x 4 1/8 x 11 in. PROVENANCE Collection particulière, Paris CHARLES ARTUS Sculpteur normand, Charles Artus, élève de Navellier observe un parcours artistique classique mais chevronné. Débutant au Salon des Artistes Français en 1920, il y sera exposé régulièrement jusqu’en 1927. Son talent est salué dès 1922 d’une mention honorable et récompensé d’une médaille de bronze en 1926 lui permettant de devenir sociétaire perpétuel. Sculpteur animalier de talent, ses oeuvres sont présentées lors de diverses manifestations comme au Salon des Indépendants de 1931 et 1932 mais encore à la Société Nationale des Beaux-Arts en 1941. Aujourd’hui, son corpus peut être admiré dans de nombreux musées de France comme celui d’Art Moderne à Paris. Si son oeuvre peut indéniablement être rapprochée de son disciple Pompon, la sculpture d’Artus se distingue par un rendu du réel particulièrement authentique. Ce faucon pèlerin scrute d’un regard fixe le spectateur. Solidement ancré dans son socle de ses pattes agiles, il semble pourtant prêt à s’envoler. La surface lisse obtenue grâce à la rondeur du modelé permet à cet oiseau de prendre vie. La patine délicatement dorée ajoute à ce bronze des reflets de lumière subtiles faisant de cette sculpture un véritable bijou.

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LEONID & RIMMA BRAILOVSKIJ (XIX-XXE) Oriental fairy landscape Oil on canvas, signed lower right 33 x 46.5 cm 13 x 18 ¼ in. PROVENANCE Private collection, Tours

LEONID & RIMMA BRAILOVSKIJ (XIX-XXE) 东方仙境 油画，右下角有签名 33 x 46.5厘米 13 x 18 ¼ 英寸。 证据 私人收藏，旅游

LÉONIDE MIKHAÏLOVITCH BRAÏLOVSKY (KARKOV 1867 - ROME 1987)

LEONID & RIMMA BRAILOVSKIJ (XIX-XXE) Paysage féérique oriental Huile sur toile, signée en bas à droite 33 x 46,5 cm 13 x 18 ¼ in. PROVENANCE Collection particulière, Tours

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GEORGES VALMIER (1885-1937) Costume Study, circa 1923 Watercolour and gouache on paper, signed lower middle 25 x 20.3 cm 9 3/4 x 8 in. This work will be included in the supplement to the catalogue raisonné currently being prepared by Madame Denise Bazetoux.

GEORGES VALMIER (1885-1937) 服装研究，约1923年 纸本水彩、水粉画，签名中下层 25 x 20.3厘米 9 3/4 x 8 in. 这部作品将列入丹尼斯-巴泽图夫人正在编写的《目录》补编。

GEORGES VALMIER (1885-1937)

GEORGES VALMIER (1885-1937) Étude de costumes, circa 1923 Aquarelle et gouache sur papier, signée en bas au milieu 25 x 20.3 cm 9 3/4 x 8 in. Cette oeuvre sera incluse dans le supplément au catalogue raisonné actuellement en préparation par Madame Denise Bazetoux.

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ALEKSANDR DEINEKA (1899-1969) The two friends Bronze 36.2 x 19.5 x 14 cm 14 ¼ x 7 5/8 x 5 ½ in. PROVENANCE Private collection, Southeast France The Two Friends offers the vision of two female bodies that although not particularly sensual, show a certain strength and vigor. The woman in the front stands proudly upright holding the woman in the back with a protective hand behind her shoulder. Deineka skilfully sculpts the bulging muscles of the legs and arms. The proud faces participate in this demonstration of character. The patina, subtly golden in some places, brings a charm to these two women and makes Deineka an essential Soviet artist. ALEKSANDR DEINEKA An iconic artist of the USSR, Aleksandr Deineka grew and evolved through the Soviet regime. Although he began his career in the Russian avant-garde, it was in socialist realism that he found his way. Supported by a regime that provided for him and his needs, Deineka Deineka was the opposite of the lonely and cursed artist of the West. The USSR commissioned many works from him and thus put his art at the service of Stalinist propaganda. His talent is diverse and varied: paintings, frescoes, posters, sculptures, all mediums allow Deineka to present the regime in its best light. Among his preferred means of expression, he made sport one of his favourite subjects, relying on the Soviet ideology praising a healthy body and excelling in the representation of athletic bodies. Devoid of eroticization, these modeled bodies are those of trained athletes, hardened sportsmen, hard-working workers, they are people of the people.

ALEKSANDR DEINEKA (1899-1969) 这两个朋友 铜牌 36.2 x 19.5 x 14厘米。 14 ¼ x 7 5/8 x 5 ½ in. 证据 私人收藏，法国东南部 两个朋友》提供了两个女性身体的视觉，虽然不是特别性感，但却表现出一定的力量和活力。前面的女人傲然挺立地扶着后面的女人，肩膀后面有一只保护手。Deineka娴熟地雕刻着腿部和手臂的隆起的肌肉。骄傲的面孔参与了这一品格的展示。有些地方的铜锈，微妙的金色，给这两个女人带来了一种魅力，使迪涅卡成为苏联艺术家的重要作品。 ALEKSANDR DEINEKA 作为苏联的标志性艺术家，亚历山大-迪涅卡在苏维埃政权中成长和发展。虽然他的事业是从俄国前卫派开始的，但他是在社会主义现实主义中找到了方向。在满足他和他的需要的政权的支持下，Deineka。 迪内卡是西方孤独和被诅咒的艺术家的相反。苏联委托他创作了许多作品，从而使他的艺术为斯大林主义宣传服务。他的天赋是多样的，也是多变的：绘画、壁画、海报、雕塑，所有的媒介都能让迪内卡以最好的方式展现政权。在他喜欢的表现手段中，他把体育作为他最喜欢的题材之一，依托于苏联赞美健康身体的意识形态，擅长表现运动的身体。没有情色，这些模特儿的身体是那些训练有素的运动员、过硬的运动员、勤劳的工人，他们是人民的人民。

ALEKSANDR DEINEKA (1899-1969)

ALEKSANDR DEINEKA (1899-1969) Les deux amies Bronze 36.2 x 19.5 x 14 cm 14 ¼ x 7 5/8 x 5 ½ in. PROVENANCE Collection privée, Sud-Est de la France Les deux amies offre la vision de deux corps féminins qui bien que sans sensualité particulière, font preuve d’une certaine force et vigueur. La femme de devant se tient fièrement droite tenant d’une main protectrice la femme de derrière abritée derrière son épaule. Deineka sculpte habilement les muscles saillants des jambes et des bras. Les visages fiers participent à cette démonstration de caractère. La patine se révélant subtilement dorée à certains endroits apporte un charme à ces deux femmes et fait de Deineka un artiste soviétique incontournable. ALEKSANDR DEINEKA Artiste emblématique de l’URSS, Aleksandr Deineka a grandi et évolué à travers le régime soviétique. Bien qu’il ait démarré sa carrière au sein des avant-gardes russes, c’est dans le réalisme socialiste qu’il trouve sa voie. Porté par un régime qui le soutient et subvient à ses besoins, Deineka est à l’opposé de l’artiste solitaire et maudit de l’Occident. L’URSS lui commande de nombreuses oeuvres et ainsi met son art au service de la propagande staliniste. Son talent est divers et varié : peintures, fresques, affiches, sculptures, tous les médiums permettent à Deineka de présenter le régime sous son meilleur angle. Parmi les moyens d’expressions privilégiés, il fait du sport l’un de ses sujets favoris.S’appuyant sur l’idéologie soviétique louant un corps sain, il excelle dans la représentation des corps athlétiques. Dénués d’érotisation, ces corps modelés sont ceux d’athlètes entraînés, de sportif aguerris, d’ouvriers travaillant durement, ce sont des gens du peuple.

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Francis Gruber (1912-1948) Nude with Red Vest (seated), 1944 Oil on canvas, signed and dated lower left 113,3 x 86,3 cm 43 7/8 x 34 in. PROVENANCE Collection of Catherine Gruber-Bernad Galerie Jean-Paul Ledeur, Paris Private collection, Paris Sale Rossini S.V.V. of July 1, 2003 Private collection, Paris

Francis Gruber (1912-1948) 红色背心的裸体（坐着），1944年。 油画，左下角有签名和年代 113.3 x 86.3厘米 43 7/8 x 34 in. 证据 Catherine Gruber-Bernad的收藏 Galerie Jean-Paul Ledeur，巴黎。 私人收藏，巴黎 2003年7月1日出售Rossini S.V.V。 私人收藏，巴黎

Francis Gruber (1912-1948)

Francis Gruber (1912-1948) Nu au gilet rouge (assis), 1944 Huile sur toile, signée et datée en bas à gauche Oil on canvas, signed and dated lower left 113,3 x 86,3 cm 43 7/8 x 34 in. PROVENANCE Collection de Catherine Gruber-Bernad Galerie Jean-Paul Ledeur, Paris Collection privée, Paris Vente Rossini S.V.V. du 1er juillet 2003 Collection particulière, Paris

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