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INTERVIEW EXCLUSIVE DE L'ARTISTE JONONE À L'OCCASION DE LA VENTE DU TOUR AUTO OPTIC 2ooo



L’artiste JonOne, de son vrai nom John Perello, ou le King de Harlem, est un artiste d’origine dominicaine né à Harlem en 1963. En 1987, JonOne s’installe à Paris, apportant avec lui la véritable culture du graffiti américain, qu’il développe dans la capitale française. L’un des premiers à passer de la rue à l’atelier, il commence à peindre sur toile et reproduit l’élément fondateur de son style : la vision des tags comme des trainées de couleurs provoqués par la vitesse du métro new-yorkais (le musée roulant comme il se plait à le qualifier). S’éloignant de la figuration favorisée par les autres artistes graffiti, JonOne préfère l’agitation et le mouvement de la couleur. Il est de la Old School, à l’aise avec l’écriture qui est l’essence du tag et du graffiti.
JonOne nous reçoit dans son atelier parisien : ambiance underground, jets de couleurs du sol au plafond, un sac de boxe suspendu à un crochet et des enceintes crachant à fond du rap du ghetto américain. A notre arrivée au studio, il est train de s’entraîner avec un ami, boxeur professionnel. L’interview s’est déroulée en français et en anglais, selon son inspiration.



D’où vient votre intérêt pour le graffiti ?

New York was the melting pot of the art. Le graffiti c’était mon intérêt, j’adorais la scène urbaine. Il y a des gens qui lisent le journal, moi je lisais le journal du Graf dans la rue, les tags. Ca me fascinait les gens qui écrivaient leurs noms dans la rue. Ma mère, elle n’aimait pas trop, elle disait que c’était des voyous, des racailles. Mais moi enfant je trouvais ça cool, je refusais une société conformiste, j’étais rebelle. By rebel I don’t mean revolutionist, but I didn’t want to fit into to the conformance you know, I wanted something different from the traditionnel system. I tried my best, I went to school but I found it boring. I went to college, I studied Business Administration but it was just to make my mother happy. I went to the best schools in the world, which is the school of the streets. You see, there is book smart and street smart. With the books I feared to become a nerd. With the street smart, you know how to get around, you can go anywhere in the world, you go to the craziest places. So well, I guess I am more of the street smart kind. Learning to paint in the streets taught me differently than if I had went to the Beaux-Arts in Paris, Parsons in London or the School of Visual Arts in New York. In these art schools they may teach you the techniques and the art history, but they don’t teach you everything. If you learn by yourself, ouh my, you can become so good !



Comment avez-vous pris conscience de votre valeur d’artiste ?

That is exactly what I am talking about art schools : they don’t teach you how to value yourself and if you don’t know how to sell yourself than the art is only therapy. I was given this crazy artistic talent. J’ai un talent de dingue. J’ai eu la chance d’avoir des parents exceptionnels. C’est aussi un peu à cause d’eux que j’ai réussi autant dans la vie. Ils ont vu que je n’étais pas dans la direction d’un conformist you know, and it was very hard for them to either accept or understand what it is to be an artist because it wasn’t in their DNA. They were very simple people, c’était des gens pauvres, they didnt have a lot of money. Des gens simples tu vois, qui sont venus de Saint Domingue, des émigrés. When I was a kid, to encourage me, my mother and my father bought me an architectural table to draw with a lamp and a garbage can and some type writing paper and they told me : « Go ahead, draw ! ». So that’s what I am saying, I was very lucky to have the parents that I have. They loved my drawings and even what I did in the streets. You see I have a graffiti mother, very few people have a graffiti mother. Usually when you do graffiti, your parents don’t really encourage you. But my parents have always been behind me and encouraged me to
pursue my own passions. J’ai commencé à prendre mon travail au sérieux, à ne pas le considérer comme du vandalisme mais comme de l’art.



À New York, qui étaient vos fréquentations dans la scène de la street ?

At that time I met everybody and I knew everybody from the street scene. I went to hip hop and rap music studios. Some of my friends were individualistic characters, living life for themselves and not living for the other people in the society. I was friends with Rammellzee, Rockin’Squat, Bando (alias Philippe Lehman). There was A-One (alias Anthony Clark) and he was really good friends with Jean-Michel Basquiat. A-One était le lien entre la rue et le monde de l’art. I was lucky enough to see artists that were functioning, having shows and living from their art. Grâce à eux j’ai commencé à visiter des expositions, à nourrir ma vision de ce qui se passait dans le monde.



Rapidement vous avez rencontré des personnes qui ont cru en votre talent et ont contribué à votre renommée. Ces personnes ont-elles été des mentors pour vous ?

Oui, everybody has to have a mentor. I knew this guy in New York who was my mentor. He just recently died. His name was Rick Librizzi and he was one of these preeminent figures on the New York art scene, encouraging the cutting edge art since the ‘50s. Rick Librizzi was friends with Robert Motherwell, Andy Warhol, Tom Wesselmann... He was an art dealer and a passionate of art. He used to live in Park Avenue. I met with him in the downtown scene, he seemed winded up living in the Chelsea Hotel at the end of his life. He supported my work, and he encouraged me. And gave me the right words to be brave enough to confront this big void that the partying life brought me. At a time when I felt discouraged and lost confidence in the artwork and didn’t know how I would survive, he was there and believed in me. Rick was there for me, for sure. When I started my art on canvas he was a very very important figure. I was lucky.




Vous avez rencontré Rick Librizzi à New York, avant votre départ à Paris. Vous a-t-il encouragé à partir et a-t-il suivi à distance votre carrière artistique ?

Yes, he even came to visit in Paris. He was always staying in the same hotel next to the Louvre, where he loved to go, and we went together to Centre Pompidou. He was very cultivated, and attached a lot of importance to the art. It was really a passion, the art was his life, just like me. We stayed in close relation all his life. We would reach out to each other at least once a year.



Votre décision de venir s’installer en France découle-t-elle d’une volonté de découvrir la scène artistique française, plus spécifiquement la scène du graffiti française ?

I met and followed this French girl, and we stayed together for 9 years. Je suis arrivé à la fin des années 80 à Paris car j’étais fatigué de New-York, je connaissais tout le monde là bas. You see, I was a club kid. I was always going partying in clubs and then I got tired of that life so I thought it was time to leave and see something different. And of course, il y a Bando qui m’a proposé de venir à Paris.



Pouvez-vous me décrire la scène artistique parisienne à votre arrivée ?

I was paintings a lot in squats, I did all the squats in Paris : Hôpital éphémère, la Fonderie, Miromesnil, Belleville, Austerlitz, Quai de la Gare, I did a lot. Là j’ai commencé à peindre sur toile sans pour autant abandonner le graffiti. I did that with Bando, spinning the speeds in Stalingrad. (rires). I was hanging out a lot with NTM, le rappeur français. C’était un révolutionnaire lui. Il y avait très peu de graffiti à Paris à l’époque. France was much more conservative then, like extremely conservative but it was cool because French people were very nice.
La France a toujours été une terre d’accueil pour les artistes de toutes nationalités. Peintres, musiciens de jazz, écrivains... C’est un pays de Bohème.
Yeah ! That’s right, and that’s why I love France. In the United States I would eventually have been arrested for writing my name in the streets.



Arrivé à Paris, avez-vous eu d’autres figures de mentors ?

Oh yeah, I had a couple of figures like that in my life. In Paris, I met with Agnes B. She was my first real mécène : buying regularly paintings and encouraging not an unknown artist but an artist that is just beginning. In order to survive as an artist, you need some sort of success, you cannot do everything by yourself. An artist lives through the eyes of other people. Agnes B. was the first person to have eyes on me and my artwork. She exhibited me in her gallery and her stores all over the world, from Paris to Japan, she made me travel. C’était mon premier mécène. Step by step, little steps. And it all worked out for me.



Comment êtes-vous passé de la street au studio ?

So I started painting on canvas, in studio. J’ai commencé à maîtriser le pinceau, l’acrylique, l’huile. Avant j’achetais des bidons d’encre, des litres et des litres d’encre industrielle. Le choix du canvas c’est parce que je voulais laisser ma marque, mon empreinte.
Either it is in the street or on canvas or on a piece of paper or a worn down institution, I am the same person developing my own language, it is always the same « démarche ». So, la démarche ça reste toujours, c’est moi qui essaye de développer mon langage, because all of this, when people look at my art, et bien, ça dégage ! It gives out a certain energy, with vibrant colors and some live. This language makes people smile, dream and escape. Some of them want to possess one in their houses, or expose it in the galleries or put it in a show. That is my language that I give out. That energy that I have and that I give out so generously to the world is a jet, an energy, that has a long history. The viewer can’t just step into this energy, or step into my world. It is a big big big big story that started in New York in the 80s. That story has made me travel all over the world, to China so many times, to Japan, HK, South America, Russia, South Africa. This big language is a huge story that sometimes compressed in a canvas. And this is how people get little pieces of the story.



Qu’avez vous pensé en apprenant que trois de vos peintures allaient être exposées au Grand Palais éphémère à l’occasion du Tour Auto, dans une vente aux enchères de prestige organisée par la maison Aguttes ?

Oh wow, I thought it was a great opportunity, because it regroups people that are very passionate about cars. I think it is a good combination, art and cars, it is a way of life. And I am glad there is also an artwork by Bernar Venet, he is a very inspiring artist for me. His sculptures are incredible, they are breathtaking. When you see them, you can feel their power. The shapes are beautiful.



Vous avez déjà eu l’occasion de vivre cette expérience des voitures grâce à votre art. C’est une histoire d’amour entre vous et les voitures de collection ?

Oui j’aime les voitures de collection. In 2012, Eric Cantona asked me to paint on his Rolls Royce Corniche. It was sold at auction and the benefits went to Fondation Abbé Pierre, it is now installed in the hall of the Piscine Molitor. En 2015, Bernard Magrez asked me to paint on his 1967 Jaguar. I also painted cars for Agnes B. J’espère m’acheter une belle voiture, un jour.



Vous disiez que Bernar Venet était un artiste inspirant pour vous. Vous inspirez-vous de la palette d’autres artistes ?

Je suis dans la recherche d’inspiration, toujours. Juan Gris, Henri Matisse, Hervé Télémaque, Jonathan Messe, Miquel Barceló... There are so many great artists. Et la nouvelle génération d’artistes aussi. Today I think it is a very interesting time for art and one of the most beautiful periods because young people are being more creative, more than ever.



Pouvez-vous me parler des trois oeuvres qui vont passer dans la vente ?




Roller Coasters, 2011
Huile sur toile
200 x 200 cm
Estimation : 35 000 - 50 000 €



1. Celle ci a été réalisé en 2011, elle est de très grand format et l’écriture est très fine - c’est comme de la dentelle, un travail d’écriture lyrique qui tend vers l’abstraction. Je l’avais fait pour un grand collectionneur de Singapour. It was based on white, and the pureness of white and that bright light. I believe, at least I hope, that when you die, you are attracted towards this white light, cette lumière blanche elle est remplie de forces, de couleurs, de magie, et ça apaise ton esprit et que tu es attiré à marcher vers cette lumière.

En science, on dit que la lumière est un spectre optique visible grâce à des bandes de couleurs, classées en huit catégories.

Oui exactement, et là c’est la représentation d’une lumière lyrique. C’est basé sur l’écriture, le fondement même de mon style. Je suis de la Old School, à l’aise avec l’écriture qui est l’essence du tag et du graffiti. For years and years, people would criticize the tag as if it was a waste of time. In school they used to make me mark my name in some random sentence that I had to write over and over, so it’s like a sort of a punishment that I chose to make beautiful. On the side of the painting, notice my handprints... qui sont comme les cris d’une personne qui cherche à échapper à la folie, et les marques de couleurs sont comme des coulées de cire d’une bougie qui se consume. It’s like the light at the end of the tunnel.

C’est donc une pièce très personnelle, qui évoque le rapport à la mort et à la vie, la vie après la mort et le côté éphémère de notre passage sur terre, tout en laissant son empreinte, comme une étoile filante qui laisse une trainée de couleurs dans le ciel !




Reflections of what I want!, Paris, 2011
Huile sur toile
166 x 274 cm
Estimation : 40 000 - 60 000 €



2. Ce tableau c’est le miroir, la réflexion de soi-même fragmenté dans des petits morceaux de vérité. On a tous une image de soi-même qui est une fausse image. It’s like the negative and the positive side. Je l’adore celui-là. (rires) ça faisait longtemps que je ne l’avais pas vu ! Je ne fais plus des tableaux comme ça, en argenté, il est unique. Je l’avais travaillé sur une toile libre qui a été monté sur canvas par le collectionneur. Là c’est une toile synthétique, de très belle fabrique, qui glisse comme une peau, comparée aux toiles de lin sur lesquelles on sent l’aspérité.




The Sun will Always Shine on Vee..., Paris, 2010
Huile sur toile
145 x 197 cm
Estimation : 20 000 - 30 000 €



3. That painting is more classical and typical of my style but it has a strong story behind it. En 2008, mon père est mort. This one is my dad’s keeper, his legacy. You see, he was a very active person, he was never in the house as he was more of an outdoor person. When the death process started I observed slowly how the energy left him. That’s when I decided I had to start exploding my art. Et là j’ai commencé à bouger beaucoup. Cette oeuvre c’est le flambeau d’énergie que j’ai reçu de mon père en 2008. Et après j’ai commencé à avoir la niaque !



Propos recueillis par Tess de Castilla, agent de l’artiste.